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Argentina

El centro ha muerto, viva el centro

El centro ha muerto, viva el centro forma parte del proyecto ¿Cómo queremos vivir juntxs? del Goethe-Institut Buenos Aires, que promovió un intercambio internacional entre artistas, urbanistas y académicxs para reflexionar sobre la convivencia en las urbes del futuro, e integró la primera edición del evento Microcentro cuenta, presentado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

El centro ha muerto, viva el centro - Instalaciones audiovisuales en el Microcentro

Monuments of the Disclosed

Ahmet Ögüt, Países Bajos, 2022, monumentos en Realidad Aumentada.

Monuments of the Disclosed © Ahmet Ögüt

Una colección de monumentos únicos dedicados a whistleblowers históricos.

Öğüt colaboró con Artwrld para crear Monuments of the Disclosed, una colección de monumentos digitales dedicados a nueve históricoswhistleblowers. Personas que, a menudo con un enorme sacrificio personal, denunciaron el fraude, la maldad y las fechorías de un poder sin límites y que, en la mayoría de los casos, siguen sin ser reconocidas por sus actos de valentía.

Ahmed Ögüt
Nacido en 1981 en Diyarbakır, es gestor sociocultural, artista y catedrático. Trabaja con diversos medios, como la fotografía, el video y la instalación. Recientemente presentó exposiciones individuales en Kunstverein Dresden, Kunsthal Charlottenborg, Chisenhale Gallery y Van Abbemuseum. También ha participado en múltiples bienales y exposiciones colectivas internacionales. Es profesor invitado, mentor, tutor, consejero y profesor de investigación en prestigiosas universidades y academias de arte. Co-representó a Turquía en la 53ª edición de la Bienal de Venecia (2009).

Archivo de la Memoria Popular Villa 20

Archivo de la Memoria Popular Villa 20, Argentina, 2023, Videos y diagrama compuesto por documentos.

Archivo de la Memoria Popular Villa 20 © Archivo de la Memoria Popular Villa 20

El barrio se construye con el trabajo y la cooperación de quienes lo habitan. Un territorio como la Villa 20 está siendo, expresa la temporalidad del gerundio, siempre en presente. “Venite para Lugano, que te hacés una casita al lado de la mía”, le escribe a Ricardo su hermano mayor, ya residente del barrio, a comienzos de los años ‘60. Esa red de colaboración y trabajo comunitario es importante reconocerla y poder convertirla en datos. El valor de la tierra se expresa mucho más allá del valor que le da el mercado inmobiliario, por eso en estos testimonios recuperamos los relatos que dan cuenta de las acciones que forjan la vida en comunidad a partir de un tejido de ayudas y apoyos mutuos entre las personas: construir colectivamente los servicios básicos para la existencia, el agua, la cloaca, el videocable, los comedores comunitarios, entre otras.

¿De qué está hecha la memoria popular de la Villa 20? ¿Cómo entra en contacto con el centro de la ciudad?
 

Archivo de la Memoria Popular Villa 20
Es un proyecto que surgió del Taller de Cine y Memoria que comenzó en 2018. Su construcción propone generar espacios de intercambio entre vecinxs como un modo de confirmar que la memoria es una acto colectivo y activo, que construimos produciendo relatos de la historia y del presente.
Es un archivo del barrio para el barrio. Porque es un barrio con mucha historia y con muchas transformaciones en la actualidad, y está lleno de personas que no solo hacen el barrio todos los días, sino que también construyen una mirada atenta sobre él. Esa mirada se cuida y se guarda en el tiempo.
La memoria está hecha de fragmentos, fotos, videos, testimonios, dibujos, objetos, cartas, documentos y certificados. También de casas que se construyeron, ventanas, calles, espacios comunes, modos de organizarse, historias personales y a la vez compartidas.

Baquedanos

Cristóbal Cea / Antes del olvido, Chile, 2019/20, Animación 3D.

Baquedanos © Cristobal Cea / Antes del olvido


Durante el estallido social de 2019 en Chile, se documentó utilizando fotogrametría múltiples instancias del monumento a Manuel Baquedano, correspondientes a distintos momentos de alteración de este monumento anteriormente inamovible y monolítico. Ubicado en un sector conocido oficialmente como Plaza Baquedano, coloquialmente como Plaza Italia y políticamente como Plaza Dignidad, este monumento ubicado en el centro social de la ciudad de Santiago se manifestó como elocuente símbolo de un momento en donde diversas fuerzas políticas y sociales libraron una verdadera batalla estética por cubrir el monumento ecuestre con sus solicitudes y consignas.



 

Cristóbal Cea
Es un artista chileno cuyo trabajo se enfoca en las relaciones entre medios digitales, historia y memoria: a partir de su práctica interdisciplinaria utiliza medios digitales y archivos como herramientas para reexaminar historias olvidadas o pasadas por alto, en un intento por desencantar la persistencia de los errores del pasado en el presente.
Obras como Hawker Haunted, Fuente de Juventud o Seguidores del Diluvio se aproximan críticamente a asuntos complejos como la persistencia de ideologías fascistas en el Chile contemporáneo, las paradojas de combinar democracia con liberalismo económico y la reflexión sobre el espacio público, utilizando escaneo 3D como una herramienta de pensamiento y creación.
Miembro activo de Antes del olvido: colectivo que combina arte y educación para crear un repositorio abierto que recuerde el estallido social chileno de octubre de 2019.
Actualmente Cea es profesor de Medios Digitales en School of The Museum of Fine Arts de Tufts University, Boston, EEUU.

Contagion Post Human - Trailer

Damjanski, Alemania, 2020, video.

Contagion Post Human Ⓒ Damjanski


En Contagion Post Human - Trailer, Damjanski utiliza la tecnología Bye Bye Camera. La aplicación utiliza redes neuronales para borrar a los humanos de la imagen, mientras que la cámara conserva algunos rastros humanos. Damjanski compara estos rastros visuales con artefactos surrealistas de un escenario especulativo posthumano. Como su nombre indica, el video es el trailer del próximo largometraje Contagion post human. En él se ejecuta la tecnología Bye Bye Camera sobre el thriller Contagion, de Steven Soderbergh, estrenado en 2011, el cual trata sobre una pandemia desencadenada por un nuevo virus mortal.

El trabajo Contagion Post Human - Trailer fue desarrollado en colaboración con el ingeniero de software Barbosa.
 

Inside: Balloon Dog

Damjanski, Alemania, 2021, Realidad Aumentada, objeto digital.

Inside: Balloon Dog © Damjanski


La pieza de Damjanski Inside: Balloon Dog explora las posibilidades aumentadas de la realidad. El software espacial introduce nuevas materialidades y perspectivas en las percepciones de la gente. Los humanos somos criaturas espaciales. Experimentamos la mayor parte de nuestras vidas en relación con el espacio. Inside: Balloon Dog permite a los visitantes experimentar Balloon Dog de Jeff Koons desde dentro. Una perspectiva que no habría sido posible sin la tecnología de la realidad aumentada. Una nueva experiencia espacial.

Damjanski
Es un artista que vive en un navegador. Preocupado por los temas del poder, la poesía y la participación, explora el concepto de aplicación como obra de arte. Su obra ha sido exhibida internacionalmente, incluyendo exposiciones en NRW-Forum, König Galerie, Roehrs & Boetsch, Pioneer Works, MoCDA, Tropez e Import Projects. Actualmente Damjanski reside en Nueva York.

Todo sigue igual

Daniel Carrizo, Argentina, 2020, 16 mm.

Todo sigue igual Ⓒ Daniel Carrizo

Daniel Carrizo
Tiene 27 años y nació en Buenos Aires, Argentina. Realizó sus estudios universitarios en La Fundación del Cine, orientado en iluminación y cámara. Desde hace varios años se dedica a la dirección de fotografía y corrección de color en post producción, principalmente en cine, videoclips y publicidad. Como director cuenta con un documental filmado, Amazonas, el cual formó parte del festival de cine independiente BAFICI 2021 en competencia latinoamericana y varios festivales latinoamericanos. Como fotógrafo formó parte del premio estímulo joven de fotografía de la Fundación ArtexArte con una mención honorífica en el año 2019.

Not Gone With The Wind

Eli Cortiñas, Alemania / España,2002, HD/ found footage.

Not Gone With The Wind © Eli Cortiñas


El video más reciente de Cortiñas adopta la forma de un collage de secuencias encontradas y extraídas del cine de Hollywood, series de televisión, publicidad, charlas TED y videos de YouTube, junto con animaciones de creación propia. La obra debe su nombre a la casi homónima película épica de la guerra civil de 1939, Lo que el viento se llevó, que recientemente desató una polémica después de que HBO Max retirara temporalmente la película de su servicio de streaming, por su representación racista de la población negra. El "no" añadido al título original, una simple adición poética, aparece como una denuncia de la larga tradición de Hollywood que consiste en representar estereotipos tóxicos y salirse con la suya. Como resultado, la persistencia en la tergiversación en el cine convencional ha contribuido y sigue contribuyendo a reforzar narrativas históricas engañosas. En la era de las noticias falsas y las teorías de la conspiración alimentadas por Covid, Cortiñas sugiere que para salvar el futuro quizá haya que reexaminar el pasado. Con una sucesión muy precisa de secuencias de imágenes en movimiento y citas referidas al actual régimen de ideas, el video revela cómo el miedo y la complicidad de los medios de comunicación refuerzan las políticas hegemónicas.


 

Eli Cortiñas
Es una videoartista de ascendencia cubana, nacida en Las Palmas de Gran Canaria. Recientemente ha sido nombrada profesora de Media Art en la Academia de Bellas Artes de Leipzig. Ha recibido numerosas becas y residencias, La obra de Cortiñas se ha presentado en exposiciones individuales y colectivas en prestigiosas instituciones, así como en bienales y festivales internacionales. Vive y trabaja en Berlín.

Voice Elevator

Isabell Spengler en colaboración con Neo Huelcker, Alemania, 2021, video instalación, monocanal.

Voice Elevator © Isabell Spengler / Neo Huelcker

En Voice Elevator, Isabell Spengler y Neo Huelcker desarrollan una nueva forma de cine estructural en una instalación vertical de cine y video. Utilizan métodos de abstracción queer y composición de nueva música conceptual para cuestionar las convenciones del cine narrativo, la actuación cinematográfica psicológica y el pensamiento binario.

En su ciencia ficción queer-feminista investigan las relaciones entre la voz, el género y la construcción del estatus en las estructuras sociales jerárquicas. Mientras suben y bajan en varios ascensores de cristal en Berlín (Alemania), lxs dos artistas llevan a cabo un experimento performativo que tematiza, explora y celebra el fenómeno del cambio de la voz como consecuencia de la transición de género y como herramienta subversiva.
 

Isabell Spengler
Nacida en 1972, es una artista y cineasta que vive en Berlín. En sus películas y videoinstalaciones analiza y media en construcciones divergentes de realidades, mundos imaginarios y su representación. En diálogo con otrxs artistas, explora modos transdisciplinares de co-creación, fusionando prácticas cinematográficas y performativas e inventando nuevos formatos. Es miembro fundadora del colectivo artístico feminista "Fantasías Maternas". Además, ha colaborado recientemente con Antonia Baehr, Jule Flierl, Neo Huelcker y Lindy Annis. Sus obras en video se han presentado en todo el mundo desde 1998, entre ellas en la Berlinale, el Premio Bremen de Videoarte y Videonale.19.
NH
Neo Huelcker
Es unx compositorx - intérpretx cuyo interés se centra en la música como investigación antropológica en entornos cotidianos. Sus composiciones adoptan principalmente la forma de situaciones, performances, instalaciones, vídeos, acciones e intervenciones y tratan sobre prácticas digitales, la infancia, las relaciones entre animales y humanos, lo queer y el hackeo cultural.

BED

Johan Grimonprez, Bélgica, 2009, video.

Bed Ⓒ Johan Grimonprez

El espectador entra en BED, un espacio íntimo, prohibido e inexistente que, de repente, se vuelve palpablemente real. Situado en un entorno real, el desplazamiento de la imagen se pone en primer plano. La cultura de la televisión-realidad nos ha acostumbrado a "imágenes de alcoba" privilegiadas, imágenes que penetran en la vida privada de las personas y aumentan nuestras ansias voyeuristas mediante contundentes anuncios comerciales que dictan nuestros deseos. El espectador tiene el privilegio de entrar en los hogares de otras personas, pero, como consecuencia directa, también se ve alejado de su propia intimidad.

 

Johan Grimonprez
Su obra, aclamada por la crítica, baila en las fronteras de la práctica y la teoría, el arte y el cine, el documental y la ficción, exigiendo una doble mirada por parte del espectador. Su obra, basada en una arqueología de los medios de comunicación actuales, busca la tensión entre lo íntimo y el panorama más amplio de la globalización.
Sus proyectos curatoriales se expusieron en museos de todo el mundo, como el la Pinakothek der Moderne de Múnich y el MoMA. Sus obras forman parte de las colecciones del Centro Georges Pompidou de París y la Tate Modern de Londres.
Entre sus largometrajes se destacan colaboraciones con Don DeLillo, Tom McCarthy y Andrew Feinstein. Actualmente, Grimonprez está desarrollando el largometraje Soundtrack to a Coup d'État. Publicó libros como Inflight y Looking for Alfred.

Quiero ser el fantasma de este lugar

Julián Matta, Argentina, 2023, video instalación.

Quiero ser el fantasma de este lugar © Julián Matta

Los proyectos soñados, se cumplan o no, tienen futuro; fracasen o no, quedan dando vueltas por ahí, errando como fantasmas atrapados en el tiempo que, como en esas películas de terror japonés, no saben que son prisioneros olvidados. Cuando los vemos preservan la ternura de una nueva ilusión. Por eso nos observan con inocencia desde un rincón o nos dan la espalda con la indiferencia propia de las estrellas de Hollywood. Aquí un escaparate que exhibe estos espectros: Un futuro plagado de melancolía por esos sueños sin cumplir, esas palabras no dichas, esos seres y objetos que van quedando en el camino.

Julián Matta
Nacido en Chaco en 1985. Luego de finalizar la Licenciatura en Dirección Cinematográfica en la FUC, se dedicó a la producción e investigación en el campo de la pintura, el videoarte y la instalación. En 2014 participó del taller “Esto no es una Academia” con Diego Figueroa. En 2019 realizó el Programa AxA con Florencia Rodriguez Giles y Tomás Espina. Se formó, también, haciendo clínica con Andrés Labaké y en el taller de escultura de Luis Terán. En 2017, 2018 y 2019 realizó residencias de producción en Corea del Sur y Japón acompañando al proyecto colectivo que conforma con la artista Val Vargas. En 2021, junto al mismo colectivo, fue becado para una residencia en la ciudad de Porto, en Portugal.

Control a tv show. Temporada 03 Episodio 01. El síndrome de la caverna

Liv Schulman, Argentina / Francia, 2016, video HD.

El síndrome de la caverna Ⓒ Liv Schulman

La obra de Schulman adopta la forma de ficciones filmadas, series de televisión, lecturas-performances y novelas. Las narrativas que constituyen el núcleo de su trabajo abordan el papel de la subjetividad en el espacio político y la dificultad de darle crédito. De este modo, una telenovela real se muestra en televisión como en un museo. En su enfoque, crear significa experimentar directamente un entorno, un sistema, un tema. 

Liv Schulman
Nacida en 1985, creció en Buenos Aires. Fascinada por la televisión, la llegada del cable en 1990 y la crisis financiera de 2001 figuran entre los momentos más impactantes de su vida. Licenciada por la École nationale supérieure d'arts de Paris-Cergy, vive en Francia desde 2015.

Ha expuesto en prestigiosas instituciones de París, Copenhague, Buenos Aires y Madrid, entre otras. Se ha beneficiado de la beca ADAGP, del patrocinio de la Fondation des Artistes, del programa de residencias del DAAD en Alemania, y fue galardonada con el premio Ricard en 2018.

Es el fin del mundo tal como lo conocemos (Y me siento bien)

Manuel A. Fernández, Argentina, 2020, video.

Es el fin del mundo tal como lo conocemos (Y me siento bien) © Manuel A. Fernández

Video realizado durante las primeras semanas de la cuarentena de 2020 con finales de 19 películas sobre epidemias, virus, contagios y cuarentenas. La pieza propone imaginar, tomando estas 19 películas de ciencia ficción de referencia, cómo serían el final y las implicancias posibles de la pandemia que recién comenzaba.

Manuel A. Fernández
Expuso en muestras colectivas e individuales. Recibió distinciones en los concursos del Museo Caraffa, Fundación Klemm, Banco Nación, Arte X Arte y en el Concurso de Artes Visuales UADE y XVI Salón Nacional de Tucumán entre otros. En 2014 obtuvo el primer premio de fotografía en el Salón Nacional de Artes Visuales, en 2021 el primer premio en el 51° Salón Félix Amador y en 2022, el Premio Estímulo Municipalidad de la Ciudad de Santa Fe del 99 Salón de Santa Fe junto a Nicolás Martella.

Robotron – a tech opera

Nadja Buttendorf, Alemania, serie web, temporada 1, Screencast.

Robotron - A Tech Opera Ⓒ Nadja Buttendorf

Robotron - A Tech Opera es la primera telenovela ambientada en la industria informática de la RDA y trata del desarrollo informático en una economía planificada y de la vida cotidiana en Alemania Oriental. VEB Kombinat Robotron era el mayor fabricante de computadoras de la antigua RDA y uno de los más importantes productores de tecnología informática en la Europa del Este socialista. Inspirándose en su propia historia familiar, Buttendorf aborda las condiciones políticas, materiales y sociales de trabajar, vivir y amar juntos en la empresa Robotron, propiedad del pueblo. La artista asume todos los papeles y funciones en la película.

NB
Nadja Buttendorf
Cuestiona las normas y los códigos contemporáneos de construcción de género, así como los mecanismos de creación de valor que afectan al cuerpo humano en nuestra sociedad digital. Sus obras interactivas y sus proyectos de video están pensados para la interacción, construyendo narrativas nuevas y con múltiples capas en las que las mujeres recuperan su visibilidad como parte integral de la historia de la tecnología. Para ello, recurre a momentos comunicativos de participación online, tanto en sus tutoriales como en la creación performativa de objetos de joyería. El DIY (hazlo tú mismo) como una estética online generalizada funciona como una estrategia empleada conscientemente tanto para permitir el acceso como para desafiar la ética laboral neoliberal.

Ausgrenzung

Robert Olawuyi, Alemania, 2017/21, animación 3D en Realidad Aumentada.

Ausgrenzung © Robert Olawuyi

Las golondrinas son aves migratorias que viajan entre África y Europa cada año. Por eso una golondrina es el motivo principal de esta obra. Frente al espectador cuelga un biombo integrado en un marco de ventana convencional. La superficie de la pantalla también representa la superficie de la ventana. Una golondrina animada en 3D intenta entrar en el mundo del espectador desde "afuera". Vuela permanentemente contra el cristal de la ventana y así no consigue cruzar la frontera invisible entre "nosotros" y "ellos".

Robert Olawuyi
Nació en Budapest en 1982. Estudió Historia del Arte en la Universidad ELTE de Budapest, Medios Audiovisuales en la Academia de Artes Audiovisuales de Colonia y con el profesor Marcel Odenbach en la Academia de Arte de Düsseldorf. Desde 2014 es profesor en el departamento de video de la Academia de Arte de Düsseldorf. Su obra ha sido expuesta internacionalmente en el Museo Ludwig de Budapest, la Nunnery Gallery de Londres, el Goethe-Institut de París, la Academia de las Artes de Berlín, el Museo Folkwang de Essen y el NRW Forum de Düsseldorf, entre otros. Vive y trabaja en Düsseldorf.

Limbo

Sarah Degenhardt y João Carlos Pinto, Alemania, 2020, video instalación HD.

Limbo Ⓒ Sarah Degenhardt / João Carlos Pinto

Limbo es un viaje único a través de las percepciones del paisaje en un espacio digital y abstracto. Las fluctuaciones entre las perspectivas micro y macro están relacionadas con las relaciones humanas con la naturaleza y el planeta.

Las transiciones en nuestro entorno son lentas para nuestra percepción, pero constantes y difíciles de revertir. Al utilizar una lentitud extrema, los artistas no solo querían referirse a este hecho, sino también ofrecer un contraste con los anuncios e imperativos que nos rodean en nuestra vida cotidiana.
Concebida como una instalación a gran escala, las dimensiones de las proyecciones, unidas a la exploración de ritmos binaurales y espectros de frecuencias específicos, confluyen en una experiencia agudamente física.

Sarah Degenhardt
Nació en Alemania en 1992. Estudió Bellas Artes en Karlsruhe, La Réunion y París. Las experiencias del paisaje, la naturaleza y su influencia en el ser humano y su habitus son el caldo de cultivo y el momento inicial de sus obras. A lo largo del proceso de trabajo, las transforma en imágenes densamente reducidas que encuentran su traducción en instalaciones audiovisuales multicanal, obras en papel y esculturas. Los manierismos espaciales, los puntos de referencia y donde todo se inclina son los elementos y momentos que le interesan continuamente, un pliegue del espacio-tiempo, donde todo se vuelca para ser reordenado de nuevo. Ha recibido varios premios, becas y residencias, y ha expuesto su trabajo internacionalmente en Alemania, Portugal, Francia, Islandia y Japón.
João Carlos Pinto
Nació en Braga, Portugal. Estudió piano y composición en el Conservatorio Gulbenkian de Braga y se licenció en Composición en la Escuela Superior de Música de Lisboa. Actualmente cursa el Máster en Composición Multimedia en la Hochschule für Musik und Theater de Hamburgo con Alexander Schubert. Su obra se ha presentado en Corea del Sur, Estados Unidos, Colombia, México, Alemania, Francia, Países Bajos, Austria, Suiza, Italia, Bélgica, Noruega, Islandia, España y, periódicamente, en todo Portugal. Como intérprete toca principalmente instrumentos construidos por él mismo. Destaca por los proyectos CACO.MEAL, Omniae Large Ensemble y xD.

Alles (Chemnitz)

Tobias Zielony, Alemania, 2002/2017, video transfer de super 8 mm.

Alles Ⓒ Tobias Zielony

Al buscar en su antiguo depósito de Leipzig, Zielony redescubrió unos 100 fragmentos de material Super-8 que había cortado brevemente tras rodar la película en Chemnitz para escanear fotogramas individuales. Los fragmentos se pegaron al azar y la película resultante se digitalizó. Resultó que sus breves secuencias transcurren al revés y aparentemente sin orden intencionado ni narrativa. La película, que muestra a jóvenes que pasan el rato en la ciudad de Chemnitz, antes conocida como Karl-Marx-Stadt, en Alemania Oriental, se considera predecesora de sus posteriores animaciones y de su obra en video en general.

Tobias Zielony
Nacido en Wuppertal en 1973, estudió fotografía documental en la Universidad de Gales, Newport, Reino Unido, y en la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig. Basado en un enfoque documental, su trabajo se centra a menudo en las subculturas y las culturas juveniles. Además, la cuestión fundamental de la relación entre imagen y mundo es un aspecto central de su obra. Zielony trabaja en formato fotográfico y cinematográfico, que a menudo presenta y combina a modo de instalación. Las investigaciones y las entrevistas desempeñan a menudo un papel fundamental y forman parte de las obras. Así pues, la obra de Zielony se caracteriza por una actitud humanista que, sin embargo, también direcciona siempre la vista hacia el panorama general. Zielony es profesor de fotografía en la Hochschule für bildende Künste de Hamburgo desde 2022. Ha recibido varios premios y becas y su obra se ha mostrado en exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluido en el pabellón alemán de la 56ª Bienal de Venecia en 2015. En 2021, su primera retrospectiva completa se mostró en el Museo Folkwang de Essen.

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