Películas sobre el frente  A la sombra del frente de guerra

Un punto culminante dentro de un género con una historia problemática que, en Alemania, incluso hoy en día, lucha con los fantasmas del pasado y se debate con la pregunta: ¿Cómo narrar el horror de la guerra sin crear falsos héroes?   
 

Un túnel empantanado en algún punto del frente occidental el 11 de noviembre de 1918, poco antes de las 11 horas. En los últimos segundos de la Primera Guerra Mundial, Paul Bäumer sufre una muerte silenciosa y sin sentido, desangrado a causa de una herida de bayoneta. Es sólo uno de los aproximadamente tres millones de soldados que perecen miserablemente en las trincheras entre Flandes y la frontera suiza. La nueva versión, galardonada con un Óscar, de Sin novedad en el frente (Im Westen nichts Neues, 2022) de Edward Berger traduce al presente el clásico antibélico de Erich María Remarque con una fuerza inigualable. Un punto culminante en un género con una historia problemática que, en Alemania, incluso hoy en día, lucha con los fantasmas del pasado y se debate con la pregunta: ¿Cómo narrar el horror de la guerra sin crear falsos héroes?   
 

La guerra como espectáculo

Ya en la República de Weimar, el austriaco de nacimiento Georg Wilhelm Pabst busca en su primera película sonora Frente occidental 1918 (Westfront 1918, 1930) un lenguaje adecuado para el horror de la Primera Guerra Mundial. Contada de manera coherente desde la perspectiva de soldados rasos, el drama de Pabst termina en un hospital de campaña. “Todos tenemos la culpa”, dice Karl, uno de los protagonistas alemanes. Son sus últimas palabras. Más tarde, el soldado francés que yace a su lado toma la mano del muerto diciendo “Camaradas, no enemigos”. El “¡¿fin?!”, intercalado entre estruendos de artillería, eriza la piel aún hoy. No es de extrañar que este pacifismo radical fuera tan sospechoso para los nacionalsocialistas en ascenso que pronto hicieron desaparecer la película. Pabst dijo en retrospectiva que lo que le interesaba era la “deshumanización en la guerra de trincheras”, no el heroísmo sacrificial. Pero, poco después, la propaganda nacionalsocialista se basaría precisamente en esto. Propaganda épica de resistencia como Stukas (1941) o Los sitiados (Kolberg, 1945) escenifican la guerra como espectáculo y alimentan la obsesión por los héroes.  

Tras el fin la obnubilación, en los años de la posguerra las armas guardan silencio primero en las pantallas. Las “Películas de escombros” de todas las zonas de ocupación se centran en los que retornan, en la culpa, la complicidad y la vida cotidiana en la Alemania destruida. Comienza, aunque con timidez, la confrontación con el pasado nacionalsocialista, sobre todo en el Oeste.

Finalmente, Bernhard Wicki logra en 1959 romper el tabú: El Puente (Die Brücke), basada en la novela autobiográfica de Gregor Dorfmeister, muestra a los jóvenes como víctimas seducidas y sacrificadas. Hasta hoy, El puente se considera una de las más impresionantes películas alemanas de la posguerra. Entre sus numerosos premios figuran un Globo de Oro a la mejor película extranjera y una nominación al Óscar en la misma categoría. “Quería hacer una película absolutamente antibélica”, dijo Wicki a la NDR (Radiodifusora del Norte Alemán). “Podría surgir un nuevo flautista de Hamelín”. La República Democrática Alemana, mientras tanto, aborda el pasado nacionalsocialista con narrativas antifascistas como Cinco cartuchos (Fünf Patronenhülsen, 1960) de Frank Beyer o Desnudos entre lobos (Nackt unter Wölfen, 1963). En algo está de acuerdo la Alemania dividida: en el género y frente de batalla domina el cromosoma Y: la guerra es cosa de hombres. Las cineastas se concentran en las secuelas psicológicas a largo plazo para la población civil. Así, Margarethe von Trotta exhuma en 1981 en Las dos hermanas (Die bleierne Zeit) las devastaciones psicológicas en una familia.    El mal más allá de lo monstruoso

Ese mismo año, el cineasta Wolfgang Petersen hizo “estallar la historia” con El submarino (Das Boot), como él mismo dijo después. “La película muestra a personas que no figuran en ningún libro de historia. Muestra a personas que soportan dolores indescriptibles, personas contra las que se cometieron crímenes en nombre de una ideología”. El claustrofóbico drama del submarino se sumerge en una zona gris moral que no muestra ni nazis ni héroes, sino “hombres normales” según Petersen. La película alemana más cara hasta entonces recibe, entre otras, seis nominaciones al Óscar. No es de extrañar que el director pasara del Arthouse europeo a la liga de los blockbusters en Hollywood. Allí, gracias a producciones como En la línea de fuego (In the Line of Fire, 1993), lo celebraron como el “Michael Bay alemán con cerebro”.

Unos doce años después, Joseph Vilsmaier se aventura en otro campo minado. Con Stalingrado (1993) rueda la primera gran película alemana sobre el frente oriental desde 1945. Filmada en parte bajo condiciones árticas en Noruega, muestra la decadencia física y moral de las tropas. Ilustra de manera drástica la batalla en el invierno de 1942 a 1943, que causó alrededor de 1,5 millones de víctimas en ambos bandos. “La épica película de guerra de Joseph Vilsmaier llega tan lejos como puede un filme llegar para representar la guerra moderna como una forma nauseabunda de asesinato en masa”, escribe el New York Times. Hasta hoy, este infernal viaje cinematográfico es controvertido. Se le acusa de avivar el mito de la “Wehrmacht (Fuerzas Armadas alemanas entre 1921 y 1945) limpia”. 

En 2004, Oliver Hirschbiegel enciende otra discusión. En La caída (Der Untergang) muestra los últimos días de Hitler, interpretado de manera brillante y angustiosa por Bruno Ganz, en el búnker de Berlín. La película obliga a pensar el mal más allá de lo monstruoso. “¿Se puede presentar al monstruo como ser humano?”, preguntan los medios y cineastas alemanes. Para muchos, la respuesta es: ¡No! En cambio, internacionalmente se aclama el drama de Hirschbiegel como una valiente ruptura del tabú. La revista estadounidense Variety elogia el “resultado fascinante” y la “magistral puesta en escena” de la “prestigiosa obra de Arthouse”.

¿Y hoy? Dramas psicológicos (del frente) como el reciente Tiger: Tanque de Guerra (Der Tiger, 2025/2026) de Dennis Gansel exploran zonas grises morales, y, gracias al streaming (en este caso, Prime Video), lo hacen con perfil internacional. En ellos se buscan en vano respuestas simples, como las que el género ofreció durante mucho tiempo con demasiada facilidad. Mejor así, pues los próximos flautistas de Hamelín ya acechan.
 

marzo 2026