24. April
StreetPower: On Contemporary Art and Independent Spaces in Southeast Asia

Wann entstand zeitgenössische Kunst in Südostasien erstmals, unter welchen Bedingungen und in welchen Formen, die sie von den vorherrschenden Ausdrucksformen der modernen Malerei unterschieden? Wie beeinflussten die für die Region spezifischen Standortbedingungen und Verbreitungswege die Entwicklung neuer, lokaler Kunstsprachen? In diesem dreiteiligen Programm untersucht die Kunsthistorikerin und Kuratorin Iola Lenzi zunächst diese Zusammenhänge aus historischer Perspektive; anschließend, in Zusammenarbeit mit den Künstlern und Gründern unabhängiger Kunsträume Jeremy Hiah (Your Mother Gallery, Singapur); Josephine Turalba (Philippinen); Justin Loke (Singapur), Mella Jaarsma (Cemeti Art House, Jogjakarta) und Natalia Kraevskaia (Salon Natasha, Hanoi) die Rolle unkonventioneller Kunstorte in Südostasien in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

Das Programm gliedert sich in drei Teile:

Einleitende Worte von Goethe-Direktorin Dr. Asma Diakité 

Teil 1: Buchvorstellung, wissenschaftliche Auseinandersetzung mit der regionalen zeitgenössischen Kunstgeschichte

Iola Lenzi stellt ihr jüngstes Werk zur Geschichte der zeitgenössischen Kunst Südostasiens vor:
Power, Politics and the Street: contemporary art in Southeast Asia after 1970 (London: Lund Humphries, 2024)

In dieser Präsentation erläutert Lenzi die zentralen Ideen ihres jüngsten Buches und beleuchtet, warum und wann die zeitgenössische Kunst Südostasiens entstand, welche Merkmale sie aufweist und wie sie sich entwickelte, wobei sie ihre eigenständige Stimme innerhalb der globalen zeitgenössischen Kunst hervorhebt. Ihr Vortrag wird die historische Rolle unabhängiger Kunsträume in Südostasien sowie deren Beitrag zur Entwicklung der regionalen zeitgenössischen Kunstgeschichtsschreibung außerhalb der üblichen institutionellen Rahmenbedingungen hervorheben.

Präsentation ca. 50 Minuten, gefolgt von einer Fragerunde.

Teil 2: Podiumsdiskussion: Unabhängige Kunsträume – Vergangenheit, Gegenwart, Zukunft

Strukturierte Podiumsdiskussion mit Schwerpunkt auf unabhängigen Kunsträumen in Südostasien – Singapur, Indonesien, Thailand, Vietnam und darüber hinaus. Aufbauend auf der historischen Darstellung aus Teil 1 werden die Teilnehmer in einem dialogorientierten Format (vorab festgelegte Diskussionspunkte geben dem Austausch einen groben Rahmen, moderiert von einem der Podiumsteilnehmer, der sich ebenfalls an der Diskussion beteiligt) die symbiotische Beziehung zwischen unabhängigen Räumen und neuartigen künstlerischen Praktiken untersuchen, die im Südostasien des späten 20. Jahrhunderts und heute entstehen. Im Mittelpunkt des Gesprächs stehen die Verbindungen zwischen inoffiziellen Orten (Cafés, Sprachschulen, Kunstgalerien, die Straße…) und innovativen Kunstformen, die das Publikum auf kritische und diskursive Weise in gemeinsame gesellschaftliche und kulturelle Themen einbeziehen. Die Podiumsteilnehmer können anhand von Folien (Format noch festzulegen) konkrete Beispiele für Kunst- und Ausstellungsstrategien vorstellen.

Das Gespräch dauert ca. 50–60 Minuten und bezieht Anmerkungen und Fragen aus dem Publikum mit ein.  

Teil 3: Performances von Mella Jaarsma; Jeremy Hiah; Josephine Turalba
           
Dauer ca. 45 Minuten, jeweils 10–15 Minuten.

Biografien der Teilnehmer: 

iola Lenzi (geb. 1962) ist eine in Singapur lebende Historikerin, Kuratorin und Dozentin für zeitgenössische südostasiatische Kunst. Mit einem Abschluss in Rechtswissenschaften (LLB) und einer Promotion in moderner asiatischer Kunstgeschichte bringt Lenzi interdisziplinäre Ansätze in die südostasiatische Kunstgeschichtsschreibung ein, die sie als Schnittstelle von visueller Kultur, historischer Erfahrung, sozialer Macht, lokaler Tradition und regionaler Vernetzung betrachtet. Sie unterrichtet Geschichte der zeitgenössischen südostasiatischen Kunst und kuratorische Methoden an der NTU in Singapur sowie im Masterstudiengang „Asian Art Histories“ an der UAS und hat rund 40 Ausstellungen in Asien und Europa allein oder als leitende Kuratorin organisiert. Als produktive Autorin hat sie zudem fünf mehrsprachige Forschungsanthologien zur modernen und zeitgenössischen Kunst Südostasiens herausgegeben und Beiträge dazu verfasst. Sie ist Autorin von „Museums of Southeast Asia“ (2004), und ihr jüngstes Buch trägt den Titel „Power, Politics and the Street: Contemporary Art in Southeast Asia after 1970“ (Lund Humphries, 2024).

Natalia Kraevskaia (geb. 1952) ist eine unabhängige Kuratorin und Kunstkritikerin mit Schwerpunkt auf zeitgenössischer vietnamesischer Kunst. 1990 gründete sie gemeinsam mit ihrem Ehemann, dem Künstler Vu Dan Tan, den ersten privaten Kunstraum in Hanoi, den „Salon Natasha“ (1990–2005), und hat seitdem zahlreiche Ausstellungen vietnamesischer Kunst in Vietnam und im Ausland organisiert und kuratiert. Sie hat einen Doktortitel in Philologie, ist Autorin von „Nostalgia Towards Exploration: Essays on Contemporary Art in Vietnam“ (2005) und schreibt regelmäßig Beiträge für Ausstellungskataloge sowie internationale Kunstzeitschriften und -magazine. Im Jahr 2025 eröffnete sie das Vu Dan Tan Museum in Hanoi, ein privates, gemeinnütziges Museum zur Ausstellung, Erforschung und Erhaltung des künstlerischen Erbes von Vu Dan Tan. Kraevskaia ist außerordentliche Professorin für Kulturanthropologie an der
Nationalen Universität „Higher School of Economics“ (HSE), Institut für Orientalistik und Klassische Studien, Moskau. 

Justin Loke (geb. 1979) ist ein multidisziplinärer Künstler und Kurator sowie Leiter des in Singapur ansässigen Kollektivs Vertical Submarine, das für seine interdisziplinären Projekte bekannt ist. Loke wurde 2009 mit dem JCCI Japan Foundation Arts Award ausgezeichnet und war 2012 auf der ROUNDTABLE: The 9th Gwangju Biennale vertreten. Er war Kreativdirektor und Autor für das Singapore Night Festival 2022 „Cathay Hotel: The Curse of The Missing Red Shoe“. Im Jahr 2023 kuratierte er „Benchmarks“, eine Placemaking-Initiative im Auftrag der Civic District Alliance. Zu seinen Auszeichnungen zählen der President’s Young Talent Award (2009), der Celeste Prize (2011) und die Finalteilnahme beim Sovereign Asian Art Prize (2015).

Josephine Turalba (geb. 1965) ist eine in Manila lebende transdisziplinäre Künstlerin, Kuratorin und Pädagogin, deren Arbeit sich mit Fragen der Trennung und Konvergenz innerhalb einer volatilen geopolitischen Weltordnung auseinandersetzt. Ihre nomadische Herangehensweise an verschiedene Medien, darunter Performance, Installation, experimentelles Video, Wandteppiche, Fotografie und Malerei, ermöglicht es ihr, sich gleichzeitig mit gesellschaftspolitischen Erzählungen, Mythen und persönlichen Geschichten auseinanderzusetzen. Turalbas Arbeiten wurden unter anderem auf der London Biennale, der Kairo Biennale und im Rahmenprogramm der Biennale von Venedig gezeigt. Sie hatte verschiedene Führungspositionen inne, darunter die der Direktorin für kunstbasierte Forschung an der Philippine Women's University sowie die einer Forschungsstipendiatin am MIT Future Heritage Lab und am Program for Arts, Culture, and Technology. Turalba hat einen Master in Forschung von der Sint-Lucas Antwerpen, KdG Belgien, und einen MFA in Neuen Medien vom Transart Institute, anerkannt von der Donau-Universität Krems, Österreich.

Mella Jaarsma (geb. 1960) ist eine multidisziplinäre Künstlerin und Kuratorin. 1988 gründete sie gemeinsam mit dem Künstler Nindityo Adipurnomo die Cemeti Art Gallery in Yogyakarta, einen unabhängigen Raum für experimentelle zeitgenössische Kunstpraktiken. Diese Einrichtung entwickelte sich später zum Cemeti Art House und zuletzt zum Cemeti Institute for Art and Society, einem Zentrum für Ausstellungen, Projekte und Residenzen mit internationalen Künstlern. Seit 1995 ist Jaarsma zudem als Vorstandsmitglied der Cemeti Art Foundation tätig, aus der später das Indonesian Visual Art Archive (IVAA) hervorging, und seit 2009 ist sie Vorstandsmitglied der Yogyakarta Biennale Foundation. Jaarsmas Kunst- und Performance-Arbeiten wurden weltweit gezeigt, unter anderem bei der 3. Asia-Pacific Triennial of Contemporary Art, QAGOMA; im Singapore Art Museum; bei der Gwangju Biennale; bei der Yokohama Triennale; in der National Gallery of Indonesia und in der Royal Academy of Arts, London, und befinden sich in den Sammlungen verschiedener internationaler öffentlicher Institutionen.  

Jeremy Hiah (geb. 1972) ist ein multidisziplinärer Künstler und Kurator, der als Mitglied von „The Artists Village“ in Singapur in verschiedenen Funktionen als Organisator von Kunstgemeinschaften und Performance-Festivals tätig war und Ausstellungen in Südost- und Nordasien kuratierte. Hiah arbeitet in den Bereichen Malerei, Skulptur, Installation und Performancekunst, um soziale und kulturelle Themen zu erforschen. Im Jahr 2004 gründete er die Your Mother Gallery, die als einer der wenigen „Underground“-Räume für experimentelle Kunst in Singapur gilt und die er zwei Jahrzehnte lang, bis 2025, leitete. Im Jahr 2018 war Hiah Mitbegründer der Wuwei Performance Series. Hiah hat international ausgestellt und wurde für seine Federzeichnung „Gulliver’s Travels“ mit dem UOB Painting of the Year (Singapur) 2023 ausgezeichnet.