Edición II (2025-2027)

Bolivia

Traducción Crítica es una aplicación digital que hace performativa la traducción al intervenir discursos en tiempo real. No se limita a pasar palabras de un idioma a otro, sino que revela y abre distintos niveles de significado en textos teatrales y en otros ámbitos. La app invita al público a intervenir los textos, generando múltiples versiones y mostrando que todo lenguaje está en constante cambio.

El proyecto aborda la traducción no como un proceso de conversión de palabras de un idioma a otro, sino de revelado de las capas de interpretación, distorsión y resignificación que subyacen en cada discurso, convirtiendo al espectador en un actuante que decide hacia dónde llevar su versión de cualquier obra que presencie interactuando desde/con esta herramienta.

La aplicación permite intervenir los textos de cualquier obra en tiempo real, siempre expandiendo sus sentidos, pues la app multiplica las posibilidades de un mensaje en lugar de cerrarlo. Como en el sfumato de Da Vinci, donde las formas dejan de tener límites definidos, Traducción Crítica, genera una experiencia de significado en constante transformación.

Comprendemos la traducción como un acto de empoderamiento y posibilidades. El significado nunca es fijo. Aun dentro del mismo idioma, la comunicación está atravesada por tensiones culturales, ideológicas y políticas que alteran la percepción de un mensaje. En un mundo saturado de discursos —publicitarios, políticos, mediáticos— Traducción Crítica crea un espacio donde la traducción deja de ser una equivalencia mecánica para convertirse en un acto político, poético y performático de significación siempre activa, nunca del todo cerrada.

Por ello, la app Traducción Crítica está concebida para desentrañar el significado cultural de cada obra intervenida y sus relaciones conceptuales y vivenciales, atravesando temas como la autodeterminación y el sentido colectivo. Además, genera preguntas sobre otras posibles significaciones e implicaciones en distintos contextos.

Se espera que la app pueda usarse frente a distintos eventos desnudando sus significados culturales y políticos escondidos, al tiempo que se exalta la esencia performativa de dichas acciones aparentemente cotidianas. Se trata de crear espacios donde los significados puedan ser interrogados y el consumo de ideas se convierta en un ejercicio consciente. Traducción Crítica es un proceso de emancipación y una cuestión de oportunidades más que una simple herramienta técnica.

El proyecto está integrado por Diego Aramburo, Claudia Pacheco Araoz y Ariel Siles, y cuenta con la colaboración de Diego Loza.

Brasil

"Novo Mérìndilogún" nace de la experiencia adquirida por las artistas en la creación de la instalación artística SUMIDOURO n.2, para la 35ª Bienal de São Paulo – un espacio danzante y performer compuesto por cortinas de palha-da-costa. El proyecto actual propone el desarrollo de un espacio-oráculo-performático.

Mérìndilogún es un oráculo de 16 búzios, con raíces africanas y reconocimiento en Brasil, con especial presencia en Bahía. Inspirado en la lógica algorítmica de un oráculo, el “Novo Mérìndilogún” es una investigación en arte performático y tecnología con el propósito de desarrollar un dispositivo oracular contemporáneo inspirado en esta tradición afrobrasileña.  Así como en el juego tradicional, en el que la caída de los caracoles revela caminos y sentidos, el proyecto investiga cómo estados psicofísicos y mentales pueden transformarse en sonidos y escucharse como consulta dentro de un evento escénico-performático - una predicción de la acción antes de la acción. La investigación parte del cuerpo de la performer y se expande al público, que será invitado a experimentar la performance como un espacio oracular de lectura del presente.

El proyecto busca transformar emociones, tensiones y sensaciones en paisajes sonoros en vivo mediante un dispositivo híbrido que capta y traduce señales cerebrales y corporales, adivinando las acciones. La performer actúa como ritualizadora en una performance de oráculo. Finalmente, la metodologia del “Novo Mérìndilogún” combina combina neurofeedback (EEG) para convertir ondas cerebrales en “caídas” oraculares, el Método de las Acciones Físicas (Stanilavski/Grotowski) para inducir estados de flujo y generar datos dramatúrgicos, y la sonificación con live coding para procesar e improvisar en tiempo real, creando texturas y timbres que responden a los estados físicos y mentales en escena.

El proyecto se llevará a cabo de forma híbrida, combinando encuentros en línea en la fase inicial de investigación con inmersión presencial para promover la interacción directa entre artistas, espacio y público.

Chile

GRASA es una investigación escénica y transdisciplinar que sitúa la grasa corporal como eje estético y político, explorando las relaciones entre cuerpo, tecnología y percepción social. A través de dispositivos escénicos, sonoros y audiovisuales, el proyecto visibiliza la grasa en sus dimensiones físicas, simbólicas y sensoriales, activando reflexiones sobre las múltiples formas de habitar un cuerpo.

El trabajo surge como continuidad de las colaboraciones entre Valladares, Errada y C. Guevara, en línea con obras previas como Fisura (2020) y Práctica de culos (2024). En esta última, se utilizó una cámara bajo una silla acrílica para proyectar el cuerpo desde abajo, junto a un micrófono de contacto que captaba las frecuencias graves del movimiento. La deformación de la grasa al entrar en contacto con la superficie de la silla, sus pliegues y desplazamientos, se transformaban en material visual y sonoro. Esta operación estética permitía evidenciar y revalorizar lo que culturalmente ha sido marginado o silenciado.

GRASA retoma y expande estas exploraciones, abordando la grasa como un tejido históricamente cargado de prejuicios. En contextos donde predomina la normatividad corporal, la grasa es muchas veces leída como exceso, descuido o enfermedad. Sin embargo, el proyecto propone una mirada alternativa: la grasa como reserva energética, como protección de órganos, como reguladora térmica, y también como superficie sensible que vibra, suena y se transforma.

Lejos de ofrecer una representación tradicional del cuerpo, la propuesta despliega una experiencia inmersiva que interpela los sentidos y las construcciones sociales del espectador. Al articular herramientas tecnológicas con prácticas performativas, GRASA instala una poética de la vibración, la presión y la densidad, invitando a reconfigurar los afectos y discursos que se adhieren al cuerpo y su volumen.

Este trabajo no busca hablar “sobre” la grasa, sino hacerla aparecer, desplegarla como fenómeno estético y afectivo, como lugar desde donde repensar la relación entre materia corporal y mirada social. En ese sentido, GRASA es también una acción política: desmonta imaginarios normativos, desestabiliza cánones y abre un espacio de visibilidad para corporeidades no hegemónicas.

GRASA convierte la materia grasa en un territorio de exploración, resistencia y creación, proponiendo formas diversas para escuchar, ver y sentir el cuerpo.

Uruguay

¿Qué pasa cuándo nos planteamos ser madres? ¿Qué problemas genera maternar en esta humanidad colapsada? Tener un hijo holográfico podría ser la respuesta para permitirnos transitar la sensación de la maternidad y paternidad sin la carga material, económica y emocional de criar un hijo humano.

El proyecto Casi materia propone la investigación y creación de una puesta híbrida que explore la maternidad en un contexto meta-contemporáneo. Mediante el desarrollo de hologramas, se plantea generar un niño virtual que acompañe a la protagonista en escena hasta su muerte. Nos interesa investigar la relación entre dispositivo - soledad - maternidad, entendiendo que los nuevos medios redefinen los vínculos emocionales.

A partir de este trabajo nos preguntamos: ¿Cómo la experiencia humana muta cuando la presencia física es sustituida por un simulacro digital?

Tomando como referencia a la pensadora norteamericana Sandy Stone, pensamos la identidad como un proceso performativo y no fijo, donde seria posible lograr la humanización de lo artificial. Para desafiar los límites de lo biológico, tomamos de referencia la teoría cyborg de la filósofa Donna Haraway, quien teoriza los cuerpos mediados por la tecnología y rompe con la noción conservadora de lo que significa “ser humano”.

¿Qué significa ser humano?

El proyecto propone un formato híbrido de trabajo que posibilite la interacción entre el cuerpo físico de la performer Ximena Echevarría y la presencia de un hijo virtual, desarrollado por la realizadora audiovisual María Victoria Parada, quien diseña e investiga con tecnologías de proyección interactiva. Esta narrativa transmedia es codirigida por Ximena Echevarría y Bruno Acevedo Quevedo, los tres artistas desarrollarán la dramaturgia integral del proyecto con la intervención de IA. El resultado deviene en una experiencia inmersiva que pueda montarse tanto en salas de teatro como en espacios no convencionales, en los cuales trabaja Implosivo Artes Escénicas, encargado de la producción del proyecto.

             `’Nuestras máquinas están inquietantemente vivas y nosotros, terriblemente inertes’’
                                                      Donna Haraway, Manifiesto cyborg.
 

Columbia

Proyecto escénico-digital que explora la frontera entre el sueño y la vigilia mediante palimpsestos visuales, sonoros y de realidad virtual.

Este proyecto aborda la relación entre sueño y vigilia como experiencia poética y colectiva, vinculándola con la creación artística en contextos de privación de la libertad. Cruza lenguajes escénicos y tecnologías inmersivas para generar nuevas formas de dramaturgia y participación, mientras alimenta un archivo vivo de sueños que se transforman en material creativo y narrativo. Su carácter flexible le permite adaptarse a distintos espacios y contextos, problematizando lo social desde lo estético y lo digital, a partir de tres dimensiones transversales:

Lo estético: Se conciben sueño y vigilia como conceptos inseparables, explorados como una forma poética de entender el “sueño-mundo” colectivo. Para ello, se utilizan relatos escritos y orales de personas privadas de la libertad, transformados en materiales creativos con múltiples sentidos.
Lo escénico-digital: Se experimenta con la Realidad Mixta Compartida, donde los espectadores participan activamente desde perspectivas diversas. La obra se vive entre lo íntimo y lo colectivo, en tiempos simultáneos o diferidos.

El archivo: Los sueños recopilados conforman un archivo sonoro abierto y en constante construcción. Más que registro, los sueños son materia para crear y narrar problemáticas sociales, alejándose de versiones acabadas a través de la transmedia.

Plasticidad: El proyecto se basa en la capacidad de adaptación de sus materiales y espacios. Con un dispositivo escénico simple pero flexible, puede habitar teatros, salas de exposición o espacios carcelarios.