La métropole virale

Jens Pecho - Housebound © Photo (détail) : Monik Richter

En août 2020, nous avons invité des artistes du Canada et d'Allemagne à soumettre leurs idées sur le thème «La ville à l'heure du virus». L'expression a inspiré aux artistes des visions oniriques des centres-villes comme terrains de jeu ou des lieux insulaires calmes - une quiétude peut-être trompeuse - dans lesquelles les personnes et les corps se déplacent librement et se ré-approprirent l'espace urbain. Sur cette page, nous présentons les artistes, le jury et les œuvres présentées avec leurs dates de projection.

Les (grandes) villes après la Covid-19

La ville pendant et après la Covid-19 : dans cette formule résonne l'es- poir des utopistes urbains qui attendent des centres-villes verts et sans voitures, de larges chemins pédestres voire de grandes artères pié- tonnes, d'imposantes pistes cyclables et des parkings transformés en terrasses. Dans le même temps, pendant la crise sanitaire, les centres- villes les plus densément peuplés furent, et demeurent, les zones les plus durement touchées. On se souvient de ces scénarios dystopiques, avec ces centres-villes morts, ces rues vides, ces galeries marchandes fermées, une vie culturelle suspendue et, au milieu de tout cela, des centres de tests provisoires dans les lieux publics, ou encore des par- kings et des parcs transformés en centres de soins.  

Notre appel s'adressait aux artistes en Allemagne et au Canada. Les œuvres soumises portaient sur les questions suivantes : À quoi ressemble la vie dans les (grandes) villes pendant une pandémie ? Quelles incidences les règles sociales et les consignes médicales en termes d'hygiène ont-elles sur nos corps ? Comment nous déplaçons-nous dans l'espace urbain ? Comment interagissons-nous ensemble ? Comment communiquons-nous à l'ère de la distance sociale ? Et surtout, comment pouvons-nous encore le supporter chez nous ? 

Les œuvres se penchent sur des futurs incertains - peut-être très déserts d’humains - mais se concentrent également sur le fait que dans certaines parties du monde - dans les zones de conflit et de guerre et dans les sociétés non libres - le confinement est une triste réalité même en dehors de la pandémie. 

Parmi les nombreuses soumissions, notre jury d'experts a sélectionné huit œuvres du Canada et de l'Allemagne, qui seront chacune présentées pendant deux semaines, entre octobre 2020 et mars 2021, à la tombée de la nuit sur grand écran, sur la façade de notre bâtiment situé boulevard Saint-Laurent. 

Les artistes et leurs travaux

Du 15 au 31 octobre 2020
 

housebound

Vidéo, 4:46 min. | Allemagne, 2020
Réalisation: Jens Pecho

Housebound - Jens Pecho
© Jens Pecho
Housebound est une œuvre commandée pour l'édition de cette année du Festival international du court métrage d'Oberhausen. Il s'agit de la contribution de Pecho à la discussion du festival :  « Peut-on et doit-on faire des films maintenant ? » Le court métrage réfléchit sur l'impact du statut social sur nos capacités individuelles à faire face aux restrictions actuelles. Il s'agit également d'une critique sur le besoin immédiat du monde de l'art de transformer la crise elle-même en production artistique.
 

mot DU JURY

Avec l'appel spontané « Peut-on et doit-on faire des films maintenant ? », le Festival international du court métrage d'Oberhausen a invité cette année un certain nombre d'artistes à faire leur déclaration sous la forme d'une courte œuvre vidéo. Créé dans ce contexte, Housebound mène une réflexion critique sur les effets de la pandémie et sur de tels appels à la production artistique. Réalisée sous forme de vidéo sur écran, l'œuvre souligne également qu'en période de distanciation sociale, les écrans d'ordinateur et l'Internet deviennent le principal moyen de perception, de production et même de discussion de l'art, et jouent plus que jamais le rôle de "fenêtre sur le monde".  (Anna Lena Seiser)

À propos de Jens Pecho

Jens Pecho a étudié à l'Académie des arts médiatiques de Cologne ainsi qu'à la Staatliche Hochschule für Bildende Künste - Städelschule à Francfort-sur-le-Main. En tant qu'artiste visuel, il travaille principalement sur des installations basées sur le texte et la vidéo. Ses œuvres ont été présentées à l'échelle internationale dans des musées ainsi que dans des festivals de cinéma, parmi lesquels le Hall d'art et d'exposition de la République fédérale d'Allemagne, le Forum d'Art Contemporain - Casino Luxembourg, le Musée d'art contemporain d'Herzliya, Israël, le Festival international du court métrage d'Oberhausen, Allemagne, le Message to Man IFF Saint Petersburg, en Russie, et le Festival international du court métrage d'Uppsala, en Suède.

De 1 novembre au 15 novembre 2020
 

jardins paradise

Vidéo, 5:24 min. | Canada, 2020 
Réalisation: Yza Laure Nouiga 

Jardins Paradise
© Yza Nouiga
Jardins d’Éden, à la française, anglais, zen, bahai, arabo-islamique etc. Le jardin est un lieu d’histoire, de culture et d’héritage. Il est l’un des rares endroits où cohabitent l’intime, le rassemblement, le plaisir et le religieux. Jardins Paradise détourne avec ironie l’image du jardin comme projection de l’Éden Céleste. Il raconte l’inventivité citoyenne des communautés stigmatisées par l’absence de verdure dans leur quartier et l’apport de la diversité culturelle sur le paysage urbain.

Le film imagine des membres de la diaspora arabe de Montréal aménager avec les moyens du bord une version laïque et démocratique du jardin de style arabo-islamique. Un parking, zone aride tout comme les déserts où ces jardins ont originellement vu le jour, est réhabilité en jardin éphémère. Pour répondre aux composantes principales du style arabo-islamique, on y trouve un point d’eau comme pièce maitresse, des carrés de plantations qui occupent les places de parking, des fleurs et des fruits, et la contemplation comme activité principale. La représentation de la nature est présentée de manière artificielle puisqu’elle n’est qu’un paradis momentané, celui des loisirs individuels.

Et si le Paradis n’était autre qu’un parking vert aménagé au goût de chacun ?
 

mot du jury

Le projet Jardins Paradise d'Yza Laure Nouiga est un récit ambivalent et surréaliste dans lequel des parasols, des tuiles de gazon et une pataugeoire pour enfants ont créé un espace de loisirs dans un parking inutilisé. Un moment de détente sur la plage ou l'accès aux prairies et aux champs ne sont pas faciles d'accès pour les citadin.es en raison des nombreux effets de la pandémie. Ce film complexe soulève de nombreuses questions, dont celle-ci : Comment pouvons-nous réorganiser nos jardins urbains en béton pour les personnes qui y vivent? (Anyse Ducharme)

à propos d'yza laure nouiga

Yza Nouiga est une réalisatrice et scénariste émergente basée à Montréal. Elle s’est installée au Canada après avoir grandi au Maroc. En 2020, elle a reçu l'aide du "Programme de création émergente" de la SODEC pour un premier long métrage, Circo, qu’elle co-scénarise avec Lamia Chraibi. Yza travaille également sur un court-métrage, L’Oasis, qui traite des thématiques des identités, de l’héritage et du retour aux sources.

De 7 décembre au 22 décembre 2020
 

imperial valley (cultivated run-off)

Vidéo, 13:58 min. | Allemagne, 2020 
Réalisation: Lukas Marxt 

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© Lukas Marxt
L'Imperial Valley est l'une des plus importantes régions de production agricole industrielle de Californie. Faisant purement partie du désert de Sonora sur le plan géologique, elle est cultivée grâce à un gigantesque système d'irrigation qui alimente le fleuve Colorado, ainsi que par le All-American Canal, construit spécialement à cet effet et devenu célèbre grâce au mouvement migratoire du Mexique vers les États-Unis. L'écoulement de ce système de tuyaux, de pompes et de canaux mène à la mer de Salton, un lac artificiel qui, comme les régions voisines du Mexique, se dirige vers une catastrophe écologique et économique.

Dans Imperial Valley (cultivated run-off), Lukas Marxt aborde ce problème de manière très sournoise : Il commence par une vue à vol d'oiseau d'un canal d'irrigation dans un paysage désertique. Le drone-caméra survole ce canal et montre enfin les paysages de la vallée impériale sous le même angle, qui sont également survolés. Au départ, il ne s'agit plus de documents spectaculaires sur les monocultures agricoles, mais les prises de vue deviennent de plus en plus abstraites - notamment en raison de l'introduction d'une partition électronique. S'agit-il encore de paysages réels existants ou simulés artificiellement ? Cette ambiguïté est précisément le point : la vallée impériale devient la «Uncanny Valley», un endroit qui ne semble pas encore ou plus «naturel» et donc sinistre. Le paysage après le paysage (ou sa représentation médiatisée) est un concept géométrique de lignes, surfaces, points et taches de couleur, qu'ils soient animés ou inanimés. Mais il n'y a pas de place pour eux, ni sur le plan ontologique ni sur le plan réel. La post-apocalypse n'a plus besoin de se produire, nous sommes déjà en plein dedans. (Claudia Slanar) 
 

mot du jury

Un film d'une grande maîtrise qui pose un regard lucide après la chute du monde industriel. Après tous les excès, que restera-t-il de nos villes ? (Miryam Charles)

à propos de lukas marxt

Lukas Marxt est un artiste et cinéaste qui vit et travaille entre Cologne et Graz. L'intérêt de Marxt pour le dialogue entre l'existence humaine et géologie et l'impact de l'homme sur la nature a été exploré pour la première fois dans ses études de géographie et de sciences de l'environnement à l'université de Graz, et a été développé davantage dans le cadre de ses études d'audiovisuel à l'université des arts de Linz. Il a obtenu son MFA à l'Académie des arts médiatiques de Cologne et a suivi le programme de troisième cycle de l'Académie des beaux-arts de Leipzig.

Marxt a partagé ses recherches dans les contextes de l'art visuel et du cinéma. Ses œuvres ont fait l'objet de nombreuses expositions individuelles et collectives, dont les plus récentes ont eu lieu à la Hamburger Bahnhof - Musée d'art contemporain (Berlin, 2019), à la Landesgalerie Niederösterreich, (Krems 2019), au Torrance Art Museum (Los Angeles, 2018), à la Biennale de peinture, Musée Dhondt-Dhaenens (Belgique, 2018), et au Musée d'art moderne et contemporain de Rijeka (Croatie, 2018). Ses films ont été présentés dans de nombreux festivals internationaux, notamment le Festival du film de Locarno (Suisse, 2019), la Viennale (Autriche, 2019), la Berlinale (Allemagne, 2017 et 2018), Curtas Vila do Conde (Portugal, 2018) et le Festival international du film de Gijón, où il a reçu le prix Principado de Asturias du meilleur court métrage (Espagne, 2018). Depuis 2017, Marxt passe beaucoup de temps au sud de la Californie, où il a fait des recherches sur les structures écologiques et sociopolitiques entourant la mer de Salton.

De 5 janvier au 20 janvier 2021
 

statu quo

Vidéo, 10:00 min. | Canada, 2020
Réalisation: Lamia Chraibi et Marion Chuniaud-Lacau 

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© Lamia Chraibi, Marion Chuniaud-Lacau
Dans un monde en attente, une histoire commune se compose. Sans la vue, sans le toucher, les corps se déplacent au rythme de la solitude. Enfermés dans leur existence, ils sont devenus impatients et enlacés. Ils roulent et s'étirent. À l'aube de la folie, ils brisent le statu quo. Dans un élan créatif, ils se lèvent ensemble et nous transportent vers l'abandon des pensées. Cependant, au fond d'eux-mêmes, ils sauront un jour que ce ne seront que des souvenirs. La mémoire est une fiction. Elle n'a ni nom ni couleur. Et souvent, face au vertige, on finit par tout oublier. Seul notre corps continuera à vibrer. C'est pourquoi nous devons sortir et danser.

STATU QUO est un court-métrage expérimental créé grâce à la participation exceptionnelle de dix danseurs et danseuses montréalais.es qui se sont produits, devant les caméras de Chraibi et de Chuniauds, pour la toute première fois depuis la pandémie de la Covid-19. Dans les rues de Montréal, ils et elles ont improvisé une danse, seul.es ou ensemble. Sans chorégraphie ni mise en scène, ils et elles ont exprimé à travers leur corps et leur regard ce que nous vivons depuis des mois et ce que l'avenir nous réserve. Chraibi et Chuniaud ont capté leurs mouvements, inspirant parfois l'angoisse de l'isolement ou la joie des retrouvailles. Ce film est un témoignage des liens qui les unissent et de l'histoire commune écrite par leurs corps.
 

mot du jury

Ce film nous présente une danse envoûtante entre la vie et la mort ou le passé le présent et le futur se côtoient pour former une ode à l'espoir. (Miryam Charles)

à propos des cinéastes

Née en France et élevée au Maroc, Lamia Chraibi a grandi dans un environnement multiculturel. Après des études en sciences politiques à la Sorbonne, à Paris, elle voyage en Amérique latine à la recherche d'histoires variées qui ont toutes en commun la même lutte cachée et secrète. Son premier documentaire primé, Amazon Voices, est un documentaire important sur la lutte des communautés indigènes contre l'exploitation pétrolière. Ayant ensuite immigré à Montréal en 2015, elle étudie le cinéma documentaire à l'INIS (Institut national de l'image et du son). Depuis, elle consacre son travail et sa vie à l'espoir de donner la parole par l’art du cinéma aux acteurs sociaux dans l’ombre.

Marion Chuniaud est titulaire d'une maîtrise en communication internationale et interculturelle. Passionnée par l'art et les relations humaines, elle s'intéresse aux questions de genre, aux questions politiques et culturelles et aux processus de transformation sociale pour une société plus juste et plus inclusive. Très vite, elle applique sa sensibilité et son sens artistique à ses réflexions, notamment à travers la photographie et la vidéo. Après un premier court métrage en Colombie, elle décide de parfaire ses connaissances documentaires à l'Institut national du son et de l'image de Montréal (INIS) à l'automne 2020.

De 21 janvier au 4 février 2021
 

why or why not?

Vidéo, 6:46 min. | Allemagne, 2020
Réalisation: Kerstin Honeit 

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© Kerstin Honeit
L'œuvre Why or Why not? a été commandée par le Festival international du court métrage d'Oberhausen. Lars Henrik Gass, le directeur du festival, a demandé à des cinéastes pendant le confinement en Allemagne de produire une contribution vidéo qui traite de la question : Peut-on et doit-on faire des films en ce moment?

Le défi de produire un film sans équipe devant ou derrière la caméra intéressait Honeit moins que d'examiner le changement de perspective massif de ses propres actions face à une pandémie mondiale. C'est pourquoi elle a réduit la question à « Pourquoi ou pourquoi pas ? », ce qui pose moins la question des possibilités ou des impossibilités d'une poursuite de la pratique (artistique) dans le confinement, mais plutôt celle d'une poursuite générale de la vie « comme avant » à l'ère du capitalocene.

La caméra, installée dans les rues de Berlin lors des premières fermetures en mars 2020, cadre plusieurs tableaux vivants de la nouvelle vie quotidienne de la Covid-19 avec des commentaires de panneaux de texte analogiques qui sont maintenus dans l'image. Deux récits opposés sont présentés dans une étrange familiarité.
 

mot du jury

En temps de pandémie, la «nouvelle normalité» s'en prend à la société. Kerstin Honeit analyse les impératifs de la logique (post) Covid-19 en déconstruisant la nouvelle réalité par un travail d'(auto)-réflexion. Un point de vue de cinéaste qui montre l'ambiguïté des affirmations quotidiennes qui affectent (ou non) la création artistique. (Peter Haueis)

à propos de kerstin honeit

Kerstin Honeit a étudié les beaux-arts et la scénographie à l'Académie des Beaux-Arts de Berlin-Weissensee. Elle vit à Berlin et enseigne les arts médiatiques à l'Académie des arts visuels de Leipzig depuis 2020. Auparavant, en plus de ses activités d'enseignement en tant qu'assistante artistique de Bjørn Melhus à la Kunsthochschule Kassel, elle a fait des recherches sur la voix en tant qu'événement queer au sein des images en mouvement.

Dans sa pratique artistique et cinématographique, elle travaille à l'interface de différentes formes de mise en scène. Sa recherche artistique se concentre sur l'étude des mécanismes de représentation dans la production de mondes d'images hégémoniques, en particulier en relation avec les modes de traduction culturels et linguistiques dans le contexte de l'image en mouvement. Depuis 2006, elle présente son travail dans des expositions et des festivals.

De 5 février au 20 février 2021
 

{null}

Vidéo, 10:41 min. | Canada, 2020
Réalisation: Andrée-Anne Roussel

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© Andrée-Anne Roussel
Un artiste de la performance, un homme qui dort, un couple qui s’embrasse… {null} est un court métrage contemplatif à la frontière entre le documentaire et la fiction, composé de dix tableaux fixes. Un portrait impressionniste dans lequel on observe des individus en quête de sens et de réelles connections.
 

mot du jury

{null} d'Andrée-Anne Roussel capture la tristesse d'une vie post-pandémique avec une beauté candide. En tant qu'observateurs, nous sommes plongés dans les réflexions du familier dans un contexte étranger, souligné par un superbe paysage sonore. (Annette Hegel)

à propos d'andrée-anne roussel

Andrée-Anne Roussel est à la fois cinéaste et artiste en arts numériques. Elle détient un baccalauréat en cinéma et une maitrise en communication (concentration recherche-création en média expérimental) de l’Université du Québec à Montréal. Ses installations vidéo interactives et ses courts métrages sensoriels sont le résultat de recherches autour des notions d’ambiguïté, de fragilité, d’empathie et de spiritualité. Ses œuvres ont notamment été diffusées au Sapporo International Short Film Festival, au Musée d’art de Joliette et au LABoral Centre de Arte.

De 21 février au 7 mars 2021
 

documentation report (no. 0617 - 0918)

Vidéo, 4:50 min. | Allemagne, 2017-2019
Réalisation: Béatrice Schuett-Moumdjian 

Photo 2
© Beatrice Moumdjian
Documentation Report est une archive d'images croissantes, numérotée séquentiellement, qui documente une représentation fictive dans l'espace public par une femme qui porte un chapeau ou dont la tête ressemble à une caméra de surveillance. Elle est vue en train de marcher dans différentes villes anciennement communistes, regardant les caméras de surveillance autour des bâtiments importants de l'espace public, par exemple, l'agence fédérale de renseignements à Berlin, ou le Palais culturel national à Sofia.

La cinéaste entretient des liens personnels avec tous les endroits où elle et son directeur de la photographie ont tourné. Par exemple, elle est née à Sofia avant la chute du mur de Berlin pendant le régime socialiste et a été filmée dans la rue où elle a vécu. Sa famille, comme beaucoup de personnes ayant vécu pendant l’ère socialiste, a été affectée par la surveillance de l'État, un détail qu'elle connaît peu.
 

mot du jury

Documentation, observation, surveillance. Surveillance des espaces publics, des bâtiments, des personnes. Béatrice Moumdjian visite des espaces urbains vides où les caméras scrutent le vide laissé par les personnes qui y sont enfermées. Que regardent-elles, quand tout le monde est chez soi ? (Peter Haueis)

à propos de beatrice schuett moumdjian

Le but principal de Moumdjian dans toutes ses recherches artistiques ainsi que son travail pratique est de considérer les structures de soutien des faits et des situations - par exemple les événements historiques - et de les rendre visibles en les faisant passer de l'obscurité à la lumière pour les examiner.

Ses méthodes sont souvent influencées par la criminologie et l'archéologie. Béatrice déconstruit souvent un objet pour pouvoir le saisir sous toutes ses facettes. Une fois que ses œuvres sont prêtes à être exposées, elles se cristallisent après des années de plusieurs cycles de recherche théorique et pratique. Elle a obtenu son MFA en art médiatique et photographie en 2020 à l'Académie des Beaux-Arts de Leipzig.

De 8 mars au 22 mars 2021
 

confinement.lands

Vidéo, 14:55 min. | Canada, 2020
Réalisation: Cinzia Campolese

Photo 2
© Cinzia Campolese
Confinement.lands est un projet lancé pendant la période de confinement. Il consiste en un corpus d'œuvres, dont un triptyque vidéo créé à partir d'enregistrements de photogrammétries prises pendant la période de confinement sur une plateforme web (Display land), qui dépeignent des maisons, des lieux et des personnes confinés partout dans le monde. La pièce vise à proposer un regard sur la réappropriation des espaces intimes et la disparition du rôle de l'urbanisme, en le remplaçant entièrement par un rôle virtuel. La fermeture d'une grande partie de notre machine capitaliste a engendré la perte de sens de nos espaces publics construits, nos quartiers, nos rues et nos terrains de jeux, et a mis l'accent sur les concepts importants de notre structure sociale déjà endommagée : de la notion de temps et de la consommation et production de masse hystérique à l'expansion ultime de nos inégalités socio-économiques.
 

mot du jury

 

à propos de cinzia campolese

Cinzia Campolese est une artiste qui vit et travaille à Montréal. La création de dispositifs et d’expériences qui questionnent le concept de perception et de conscience d’un espace sont au coeur de sa démarche. Elle travaille à différentes échelles et questionne l'ubiquité de certains éléments visuels qui font partie de notre génétique culturelle. Ses œuvres ont été exposées dans des instituts culturels, des galeries et lors d’évènements culturels tels que Stereolux, B39 space, Centre Wallonie-Bruxelles, Biennale Chroniques, Biennale Nova XX et Mutek Montreal.

Dans ses œuvres récentes, l’artiste travaille à la création d’installations interactives et des sculptures lumineuse, comme la pièce Error et Frame of reference, avec laquelle elle a reçu le prix Art Collector en novembre 2019. Ses projets ont été présentés dans The Creators Project ( Vice ), L'Œil, Juliet Art Magazine, Archdaily, Fubiz et de nombreuses autres publications. En 2019, elle figure dans le livre Exibart «222 emerging artists worth investing in» (222 artistes sur qui investir).

Le Jury

Miryam Charles © Julie Artacho
Miryam Charles est une cinéaste canadienne basée à Montréal. Elle a étudié le cinéma à l'université Concordia et a travaillé comme réalisatrice, productrice, scénariste et cinématographe. Ses courts métrages comprennent Fly, Fly Sadness (2015), Towards the Colonies (2016), A Fortress (2018) et Three Atlas (2018). Ses œuvres ont été projetées dans divers festivals de cinéma à travers le monde.  Son dernier court métrage, Second Generation (2019), a été présenté au TIFF. Une rétrospective de son travail a été présentée à la cinémathèque québécoise (2019). En 2020, une deuxième rétrospective a été présentée lors de la quatrième édition du troisième festival du film Horizon en plus d'une installation à la galerie Leonard et Ellen Bina à Montréal. Elle travaille actuellement sur son premier long métrage documentaire, qui a reçu une bourse du programme Talents à suivre (Téléfilm Canada).  

Anyse Ducharme est une artiste médiatique franco-ontarienne du nord-est de l'Ontario. Sa pratique artistique s'intéresse à la

Anyse Durcharme © Gary Franks
circulation de l'imagerie numérique et à la malléabilité des données. Elle a exposé à Sudbury, Ottawa, Toronto, Vancouver, Winnipeg, Middlesbrough, Boston et New York. Ducharme travaille comme commissaire artistique à Knot Project Space - SAW Video Media Art Centre (Ottawa), et siège au conseil d'administration de la Galerie du Nouvel-Ontario et du Media Art Network of Ontario. Elle est titulaire d'une maîtrise en beaux-arts de l'université de Colombie-Britannique (Vancouver), d'une licence en beaux-arts de l'université d'Ottawa et d'un diplôme d'études collégiales en animation 3D de la Cité collégiale (Ottawa).

Peter Haueis © Nadine Mayer
Peter Haueis est un cinéaste et commissaire de Hambourg. Il a étudié à Weimar, Lyon et Hambourg. En plus de son travail de réalisateur et de son travail pour le Festival du court métrage de Hambourg, il est membre permanent du groupe d'artistes A Wall is a Screen depuis 10 ans. Le travail du collectif se concentre sur la contextualisation du court métrage, de l'architecture et des espaces sociaux. En tant que cinéma mobile de courts métrages, A Wall is a Screen intervient dans l'espace public du monde entier et utilise des structures urbaines comme écrans. Ce faisant, ils proposent des changements de perspective en plaçant la réception des courts métrages et des arts médiatiques dans un nouveau contexte. Dans ce processus, les questions sociopolitiques, urbaines et sociales sont souvent problématisées. www.awallisascreen.com

Artiste multimédia, Annette Hegel présente son travail au Canada et en Europe. Elle travaille depuis son studio au centre-ville d’Ottawa, est membre fondatrice du Slipstream Collective et collabore avec plusieurs artistes en ville. Elle compte aussi trente ans de carrière en marketing et communication, et développe des identités et des stratégies de marques pour des entreprises privées et des organismes à but non lucratif. Avant de se joindre à l’équipe SAW Video, elle réalise et met en œuvre des stratégies de marketing et communication pour des organismes nationaux et des marques de commerce internationales. Elle est lauréate de nombreux prix, notamment pour la marque de commerce de l’année.

Anna Lena Seiser © Ina Niehoff








Anna Lena Seiser est une spécialiste des médias et des études culturelles et dirige le forum vidéo du Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.). En tant que commissaire à la Kunsthalle de Düsseldorf, elle a réalisé de nombreuses expositions individuelles et collectives ces dernières années, notamment Fire on the Mountain avec Megan Rooney, 2019, Simon Fujiwara : Figures in a Landscape, 2016/2017, et en co-commissariat avec Jasmina Merz Welcome to the Jungle, 2018, avec Jonathas de Andrade, Kristina Buch, Laura Lima, Liu Shiuyan, Alvaro Urbano et d'autres. De 2011 à 2015, Seiser a travaillé pour le Fonds des artistes de la Fondation académique nationale allemande et pour le programme de bourses d'études supérieures Karl Schmidt-Rottluff. En 2009/2010, elle a fait partie de l'équipe de programmation de transmediale - Festival pour l'art et la culture numérique. Les recherches et les publications de Seiser comprennent l'histoire médiatique de l'image vivante à l'interface entre l'art et la science. Son travail de commissaire se concentre sur des formats d'exposition expérimentaux et spécifiques à un site, la performance et les médias basés sur le temps.