Studio 170 | Residenz | Archiv
Projekte im Laufe der Jahre
Marcelline Mandeng Nken (geb. Yaoundé, Kamerun) arbeitet mit Skulptur und zeitbasierten Medien. Ihre Praxis basiert auf Konzepten des Synkretismus, der nicht-menschlichen Intelligenz und den Arbeitstraditionen des globalen Südens. Im Jahr 2024 erwarb sie einen MFA an der Yale School of Art und besuchte die Skowhegan School of Painting and Sculpture. Kürzlich absolvierte sie ein Tanzforschungsstipendium an der Jerome Robbins Dance Division der New York Public Library. Das Stipendium gipfelte in einer Performance-Präsentation mit dem Titel „Queening The Knight: Baryshnikov's Vulnerability and Masculinity On Display“, die im Januar 2025 in der Performing Arts Library uraufgeführt werden soll.
Rush Hour ist eine Performance-Installation, die sich in einem fahrenden Zug als filmische Erzählstruktur entfaltet. Ausgehend von den Themen Migration, Vertreibung und Zeitreise verbindet sie das Konzept von Sankofa, einem Aufruf zur Erinnerung an die Geschichte, mit der Theorie der Selbstreferenz als fruchtbaren Boden für skulpturale Formen, räumliche Interventionen und Bewegungsphrasen. Durch eine surrealistische Linse unterbricht das Werk die Dichotomien zwischen Körper und Maschine, Natur und Industrie sowie stellarer Bewegung und mechanischer Zeit. Die in drei Akten inszenierte Rush Hour bekräftigt die Sprache als Hilfsmittel, das die Selbstbestimmung jenseits des weiblichen Opfers in Geschichten und Träume verwandelt. Die Choreografie und die Anzüge der Objekte in dem Werk verweisen auf die zyklische Natur der Geschichte. Der Zug als Vehikel ist ein Grenzraum, der die Motive des Kolonialismus widerspiegelt: die Reise ins Paradies zur Entdeckung als Mittel der Eroberung. Als Stipendiatin des Studio 170 des Goethe-Instituts Boston 2025 wird Mandeng Nken eine Vorschau auf Vestibule or Act 2 geben, in der der Körper eine Projektion von Bildern als flüchtige, spielerische Übung mit Licht und Silhouette animiert. Sie wird auch Act 1, Conductor, präsentieren, in dem der Zugführer zum Geschichtenerzähler wird, der banale Beobachtungen mit kosmologischen Geheimnissen verbindet. Der Rhythmus dieses Abschnitts, der in und um eine Miniatur-Eisenbahnanlage herum spielt, folgt der Wiederholung einer tickenden Uhr, die in eine Störung ausbricht.
Installation, Performance und Künstlergespräch
Donnerstag, 24. April, 18:00 Uhr
Mehr erfahren: https://www.mandengarchives.com/
Rush Hour - Eine performative Kunstinstallation
Rush Hour ist eine Performance-Installation, die sich in einem fahrenden Zug als filmische Erzählstruktur entfaltet. Ausgehend von den Themen Migration, Vertreibung und Zeitreise verbindet sie das Konzept von Sankofa, einem Aufruf zur Erinnerung an die Geschichte, mit der Theorie der Selbstreferenz als fruchtbaren Boden für skulpturale Formen, räumliche Interventionen und Bewegungsphrasen. Durch eine surrealistische Linse unterbricht das Werk die Dichotomien zwischen Körper und Maschine, Natur und Industrie sowie stellarer Bewegung und mechanischer Zeit. Die in drei Akten inszenierte Rush Hour bekräftigt die Sprache als Hilfsmittel, das die Selbstbestimmung jenseits des weiblichen Opfers in Geschichten und Träume verwandelt. Die Choreografie und die Anzüge der Objekte in dem Werk verweisen auf die zyklische Natur der Geschichte. Der Zug als Vehikel ist ein Grenzraum, der die Motive des Kolonialismus widerspiegelt: die Reise ins Paradies zur Entdeckung als Mittel der Eroberung. Als Stipendiatin des Studio 170 des Goethe-Instituts Boston 2025 wird Mandeng Nken eine Vorschau auf Vestibule or Act 2 geben, in der der Körper eine Projektion von Bildern als flüchtige, spielerische Übung mit Licht und Silhouette animiert. Sie wird auch Act 1, Conductor, präsentieren, in dem der Zugführer zum Geschichtenerzähler wird, der banale Beobachtungen mit kosmologischen Geheimnissen verbindet. Der Rhythmus dieses Abschnitts, der in und um eine Miniatur-Eisenbahnanlage herum spielt, folgt der Wiederholung einer tickenden Uhr, die in eine Störung ausbricht.
Installation, Performance und Künstlergespräch
Donnerstag, 24. April, 18:00 Uhr
Ngoc-Tran Vu (she/her) ist eine vietnamesisch-amerikanische Multimediakünstlerin der ersten Generation, Kulturorganisatorin und Anwältin im Bostoner Stadtteil Dorchester. In ihrer sozial engagierten Kunstpraxis verwebt sie Fotografie, Malerei, Skulptur und Installation, um Themen wie Diaspora, Erinnerung und Heilung zu erforschen. Tief verwurzelt in ihrem vietnamesischen Erbe und ihrer Gemeinschaft, stärkt Ngoc-Trans Arbeit unterrepräsentierte Stimmen und fördert Verbindungen zwischen den Generationen. Sie widmet sich der Schaffung von kollaborativen und reflektierenden Räumen, die Resilienz, kulturelle Identität und soziale Gerechtigkeit ehren.
Die vietnamesisch-amerikanische Multimedia-Künstlerin und Kulturorganisatorin NGOC-TRAN VU aktiviert das Goethe-Institut Boston mit einer Installation, die Themen wie Diaspora, Erinnerung und Heilung erforscht, im Rahmen von Journey of Light: A 1975 Memory Field vom 13. bis 16. Februar 2025.
Die Reise des Lichts: Journey of Light: A 1975 Memory Field“ ist eine temporäre Kunstinstallation in Dorchester, die die Widerstandsfähigkeit und den Beitrag der vietnamesisch-amerikanischen Gemeinschaft in Boston würdigt und sich gleichzeitig mit dem bleibenden Erbe des Vietnamkriegs auseinandersetzt. Verwurzelt in vietnamesischen kulturellen Traditionen und geprägt von lokalen und kulturellen Erzählungen, schafft das Projekt einen Raum für Reflexion, Verbindung und Dialog und fördert ein tieferes Verständnis von Migration, Vertreibung und der Widerstandsfähigkeit der Gemeinschaft im Hinblick auf die langfristige Vision des Jahres 1975: Eine Gedenkstätte für die vietnamesische Diaspora.
Eröffnung der Installation
Donnerstag, 13. Februar, 2025: 18-20 Uhr
Installation Engagement and Viewing
Samstag, 15. Februar, 2025: 2-4 PM
Installation Engagement and Viewing
Sonntag, 16. Februar, 2025: 14.00 Uhr
Mehr erfahren: https://www.tranvuarts.com
Die Reise des Lichts: Journey of Light: A 1975 Memory Field“ ist eine temporäre Kunstinstallation in Dorchester, die die Widerstandsfähigkeit und den Beitrag der vietnamesisch-amerikanischen Gemeinschaft in Boston würdigt und sich gleichzeitig mit dem bleibenden Erbe des Vietnamkriegs auseinandersetzt. Verwurzelt in vietnamesischen kulturellen Traditionen und geprägt von lokalen und kulturellen Erzählungen, schafft das Projekt einen Raum für Reflexion, Verbindung und Dialog und fördert ein tieferes Verständnis von Migration, Vertreibung und der Widerstandsfähigkeit der Gemeinschaft im Hinblick auf die langfristige Vision des Jahres 1975: Eine Gedenkstätte für die vietnamesische Diaspora.
Donnerstag, 13. Februar, 2025: 18-20 Uhr
Installation Engagement and Viewing
Samstag, 15. Februar, 2025: 2-4 PM
Installation Engagement and Viewing
Sonntag, 16. Februar, 2025: 14.00 Uhr
Steph Davis ist Marimbistin, Komponistin, Wissenschaftlerin für Africana Studies und Kulturaktivistin. Ihre Musik setzt sich mit den Traditionen, Erkenntnissen und der Ästhetik der afrikanischen Diaspora auseinander, um wahrheitsgemäße Geschichtsschreibungen aufzudecken, kreative Selbstverwirklichung zu finden und nach kollektiver Befreiung zu streben.
Steph wurde von der Washington Post als „fesselnde“ Künstlerin gelobt, die „strahlende Menschlichkeit und ausdrucksstarke Tiefe“ in die zeitgenössische Musik einbringt. Sie ist Marimba-Solistin und Kammermusikerin und tritt derzeit in den gesamten Vereinigten Staaten auf, unter anderem in der Merkin Hall (NYC) und im Broward Center for the Performing Arts (Ft. Lauderdale, FL). Durch die Integration von westlicher klassischer Musik der Romantik, des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart, traditioneller afroamerikanischer Spirituals sowie traditioneller und zeitgenössischer ghanaischer Gyil-Musik erforschen ihre Auftritte die Geschichtsschreibung der afroamerikanischen Kultur und der Freiheitsbewegungen aus der Perspektive der Africana Woman, des Afrofuturismus und der Dekolonialisierung. Durch ihre Arrangements und Auftragsarbeiten hat Steph über 20 Werke schwarzer Komponisten zum Solo- und Kammermusikrepertoire der Marimba beigetragen. Sie haben Werke von Alissa Voth, Avik Chari, Bilin Zheng, Christa Duggan, Damien Geter, Jingmian Gong und Pamela Z. uraufgeführt. Als vielseitige und leidenschaftliche Kollaborateure haben sie Kammermusik mit renommierten Musikern und Konzertreihen in den gesamten Vereinigten Staaten aufgeführt. Steph ist stolz darauf, Marimba One-Instrumente und -Schlägel als Marimba One Premier Artist zu unterstützen. Zu ihren aktuellen Projekten gehören die Aufnahme ihres ersten Solo-Marimba-Albums und das Schreiben eines Buches mit Marimba-Arrangements und Adaptionen von Musik aus der afrikanischen Diaspora.
Steph ist Forscherin und Wissenschaftlerin für afroamerikanische Musik und Kultur und unterrichtet als Künstlerin bei Castle of our Skins, einer Einrichtung für schwarze Kunst. Außerdem unterrichten sie Musiktheorie am Boston Conservatory. Sie haben Aufführungen und Meisterkurse für Marimba und Vibraphon an der University of Central Florida, der University of Massachusetts Amherst und dem Center of Mallet Percussion Research der Kutztown University gegeben.
Steph erhielt Aufenthalte am Avaloch Farm Music Institute und am Boston Center for the Arts sowie Künstlerstipendien am Antenna Cloud Farm Experimental Institute und bei Music for Food. Sie waren Halbfinalisten beim Southern California Marimba International Artist Competition und Finalisten beim Boston Conservatory Concerto Competition.
Steph erhielt ihren Master of Music in Marimba Performance vom Boston Conservatory in Berklee, wo sie bei Nancy Zeltsman studierte. Sie hat außerdem einen Bachelor of Music in Schlagzeugspiel vom Konservatorium. Zu ihren weiteren Studienfächern gehören Musikkomposition, afrikanische und afroamerikanische Musik/Geschichte und Africana-Philosophie. Sie sind Vorstandsmitglieder von Castle of our Skins.
Steph wohnt auf unerlaubtem Land des Neponset-Bandes des Massachusetts-Stammes in der Nähe von Boston, MA.
Dzidzor Azaglo (sprich: Jee-Joh) ist eine Ga-Ewe-Folklorekünstlerin, die von ihrer Neugierde geleitet wird. Ihr einzigartiger Ansatz verbindet Call-and-Response mit einem reichhaltigen Klangteppich, der Poesie, Geschichtenerzählen und auditive Elemente zu einer immersiven Erfahrung verbindet, die das Publikum in seinem eigenen Körper verankert.
Mit ihrer Performance-Kunst räumt Dzidzor mit der konventionellen Vorstellung eines passiven Publikums auf und fordert es stattdessen auf, nach vorne zu treten und zu einem integralen Bestandteil der Erfahrung zu werden. Ihr Werk ist ein Wandteppich, der mit Fäden der Neugier gewebt ist und tiefgreifende Fragen über Göttlichkeit, Gemeinschaft, Heimat, Schwarzsein und Identität erforscht. Einfühlsam erkennt sie diejenigen an, die von einem System umgarnt werden, das Schwarze und Braune historisch übersehen hat. Sie lehnt sich an die Frage von Octavia E. Butler an: „Was müssen wir jetzt tun, um die Welt zu schaffen, in der wir leben wollen?“ Dzidzor erforscht die Möglichkeiten von Körpern, sich von verinnerlichter Unterdrückung zu befreien, sowohl im Geist als auch im Körper, durch Praktiken der Ruhe und der bewussten Stille.
Dzidzor ist bereits im ICA Boston, in der Old North Church, in der Isabella Stewart Gardener, in der Marsh Chapel, in Harvard, an der Universität von Ghana und vielen anderen Orten aufgetreten.
Zurzeit arbeitet Dzidzor an ihrem neuesten Projekt „Wilderness“, einer experimentellen Performance, die das Wesen und die Komplexität des schwarzen Frauendaseins, der Existenz und der Spiritualität im Kontext religiöser Lehren und des Göttlichen erforscht. Gleichzeitig arbeitet sie als Community Liaison für das Reckonings Project und studiert an der Boston University einen Master in Divinity. Ihre Leidenschaft für die Neugierde des Klangs und des Experimentierens hat ihr den angesehenen Titel „Rhythmusarchitektin“ eingebracht, der ihr von Knoel Scott vom Sun Ra Arkestra verliehen wurde.
Installation & Performance
06.-08. September 2024
Goethe-Institut Boston
6. September
6:00-9:30 PM Installation Eröffnung
7. September
ab 16:00 Uhr Installation ist geöffnet
18:30 Uhr Empfang
19:30-20:30 Uhr Live Performance
8. September
ab 12:00 Uhr Installation ist geöffnet
13:00-14:00 Uhr Postures of Prayer: A Performance Ritual
14:30-15:30 PM Podiumsdiskussion mit Gästen
Eine Einladung zum genauen Hinhören „‚Every Tongue Confess‘ ist eine abendfüllende Performance, die von Zora Neal Hurtsons Volksmärchen inspiriert ist. Durch die Überlagerung von Poesie, Marimba-Musik, Sprichwörtern und Gebeten wird der physische Raum zu einem Gefäß für Erinnerung und Heilung sowie zum Nachdenken darüber, „wie es sich anfühlt, hier auf der Erde zu sein oder zu gehen, oder über den süßen Schmerz des Durchhaltens zwischen dem Kommen und Gehen.“ (Hurston, 2001).
Dzidzors Fähigkeit, Live-Gedichte und Klanglandschaften aus Rednern, Predigten und der Natur zu collagieren, kombiniert mit Steph Davis' Fähigkeit, die Komplexität des Menschseins durch die Marimba aufzurütteln, zu evozieren und zu formen, ist eine Verschmelzung von künstlerischer Innovation und tiefgründigem Geschichtenerzählen - ein Glitch, ein unterbrechender Wandteppich aus Erinnerung und Bekenntnis. Das Publikum ist eingeladen, durch die Praxis des genauen Zuhörens (Hurston, 2001), des Rufens und Antwortens und der Verkörperung als Zeuge teilzunehmen.
In der Performance werden Themen wie Freiheit, Spiritualität, Heilung und Schmerz durch Bilder, Klänge und Bewegungen verwoben, die von traditionellen afrikanischen und afroamerikanischen Praktiken inspiriert sind. Die Performance schafft einen Raum, in dem die Zeit manipuliert und das klangliche Umfeld des Kolonialismus unterbrochen wird. Wir laden das Publikum ein, sich auf das Unbehagen und das Staunen der Toten, der Lebenden und darüber hinaus einzulassen, während wir die Traditionen der Möglichkeiten, der Widerstandsfähigkeit, der kollektiven Fürsorge, der Befreiung und des Erzählens der Wahrheit ehren.
Mehr erfahren
Steph wurde von der Washington Post als „fesselnde“ Künstlerin gelobt, die „strahlende Menschlichkeit und ausdrucksstarke Tiefe“ in die zeitgenössische Musik einbringt. Sie ist Marimba-Solistin und Kammermusikerin und tritt derzeit in den gesamten Vereinigten Staaten auf, unter anderem in der Merkin Hall (NYC) und im Broward Center for the Performing Arts (Ft. Lauderdale, FL). Durch die Integration von westlicher klassischer Musik der Romantik, des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart, traditioneller afroamerikanischer Spirituals sowie traditioneller und zeitgenössischer ghanaischer Gyil-Musik erforschen ihre Auftritte die Geschichtsschreibung der afroamerikanischen Kultur und der Freiheitsbewegungen aus der Perspektive der Africana Woman, des Afrofuturismus und der Dekolonialisierung. Durch ihre Arrangements und Auftragsarbeiten hat Steph über 20 Werke schwarzer Komponisten zum Solo- und Kammermusikrepertoire der Marimba beigetragen. Sie haben Werke von Alissa Voth, Avik Chari, Bilin Zheng, Christa Duggan, Damien Geter, Jingmian Gong und Pamela Z. uraufgeführt. Als vielseitige und leidenschaftliche Kollaborateure haben sie Kammermusik mit renommierten Musikern und Konzertreihen in den gesamten Vereinigten Staaten aufgeführt. Steph ist stolz darauf, Marimba One-Instrumente und -Schlägel als Marimba One Premier Artist zu unterstützen. Zu ihren aktuellen Projekten gehören die Aufnahme ihres ersten Solo-Marimba-Albums und das Schreiben eines Buches mit Marimba-Arrangements und Adaptionen von Musik aus der afrikanischen Diaspora.
Steph ist Forscherin und Wissenschaftlerin für afroamerikanische Musik und Kultur und unterrichtet als Künstlerin bei Castle of our Skins, einer Einrichtung für schwarze Kunst. Außerdem unterrichten sie Musiktheorie am Boston Conservatory. Sie haben Aufführungen und Meisterkurse für Marimba und Vibraphon an der University of Central Florida, der University of Massachusetts Amherst und dem Center of Mallet Percussion Research der Kutztown University gegeben.
Steph erhielt Aufenthalte am Avaloch Farm Music Institute und am Boston Center for the Arts sowie Künstlerstipendien am Antenna Cloud Farm Experimental Institute und bei Music for Food. Sie waren Halbfinalisten beim Southern California Marimba International Artist Competition und Finalisten beim Boston Conservatory Concerto Competition.
Steph erhielt ihren Master of Music in Marimba Performance vom Boston Conservatory in Berklee, wo sie bei Nancy Zeltsman studierte. Sie hat außerdem einen Bachelor of Music in Schlagzeugspiel vom Konservatorium. Zu ihren weiteren Studienfächern gehören Musikkomposition, afrikanische und afroamerikanische Musik/Geschichte und Africana-Philosophie. Sie sind Vorstandsmitglieder von Castle of our Skins.
Steph wohnt auf unerlaubtem Land des Neponset-Bandes des Massachusetts-Stammes in der Nähe von Boston, MA.
Dzidzor Azaglo (sprich: Jee-Joh) ist eine Ga-Ewe-Folklorekünstlerin, die von ihrer Neugierde geleitet wird. Ihr einzigartiger Ansatz verbindet Call-and-Response mit einem reichhaltigen Klangteppich, der Poesie, Geschichtenerzählen und auditive Elemente zu einer immersiven Erfahrung verbindet, die das Publikum in seinem eigenen Körper verankert.
Mit ihrer Performance-Kunst räumt Dzidzor mit der konventionellen Vorstellung eines passiven Publikums auf und fordert es stattdessen auf, nach vorne zu treten und zu einem integralen Bestandteil der Erfahrung zu werden. Ihr Werk ist ein Wandteppich, der mit Fäden der Neugier gewebt ist und tiefgreifende Fragen über Göttlichkeit, Gemeinschaft, Heimat, Schwarzsein und Identität erforscht. Einfühlsam erkennt sie diejenigen an, die von einem System umgarnt werden, das Schwarze und Braune historisch übersehen hat. Sie lehnt sich an die Frage von Octavia E. Butler an: „Was müssen wir jetzt tun, um die Welt zu schaffen, in der wir leben wollen?“ Dzidzor erforscht die Möglichkeiten von Körpern, sich von verinnerlichter Unterdrückung zu befreien, sowohl im Geist als auch im Körper, durch Praktiken der Ruhe und der bewussten Stille.
Dzidzor ist bereits im ICA Boston, in der Old North Church, in der Isabella Stewart Gardener, in der Marsh Chapel, in Harvard, an der Universität von Ghana und vielen anderen Orten aufgetreten.
Zurzeit arbeitet Dzidzor an ihrem neuesten Projekt „Wilderness“, einer experimentellen Performance, die das Wesen und die Komplexität des schwarzen Frauendaseins, der Existenz und der Spiritualität im Kontext religiöser Lehren und des Göttlichen erforscht. Gleichzeitig arbeitet sie als Community Liaison für das Reckonings Project und studiert an der Boston University einen Master in Divinity. Ihre Leidenschaft für die Neugierde des Klangs und des Experimentierens hat ihr den angesehenen Titel „Rhythmusarchitektin“ eingebracht, der ihr von Knoel Scott vom Sun Ra Arkestra verliehen wurde.
06.-08. September 2024
Goethe-Institut Boston
6. September
6:00-9:30 PM Installation Eröffnung
7. September
ab 16:00 Uhr Installation ist geöffnet
18:30 Uhr Empfang
19:30-20:30 Uhr Live Performance
8. September
ab 12:00 Uhr Installation ist geöffnet
13:00-14:00 Uhr Postures of Prayer: A Performance Ritual
14:30-15:30 PM Podiumsdiskussion mit Gästen
Eine Einladung zum genauen Hinhören „‚Every Tongue Confess‘ ist eine abendfüllende Performance, die von Zora Neal Hurtsons Volksmärchen inspiriert ist. Durch die Überlagerung von Poesie, Marimba-Musik, Sprichwörtern und Gebeten wird der physische Raum zu einem Gefäß für Erinnerung und Heilung sowie zum Nachdenken darüber, „wie es sich anfühlt, hier auf der Erde zu sein oder zu gehen, oder über den süßen Schmerz des Durchhaltens zwischen dem Kommen und Gehen.“ (Hurston, 2001).
Dzidzors Fähigkeit, Live-Gedichte und Klanglandschaften aus Rednern, Predigten und der Natur zu collagieren, kombiniert mit Steph Davis' Fähigkeit, die Komplexität des Menschseins durch die Marimba aufzurütteln, zu evozieren und zu formen, ist eine Verschmelzung von künstlerischer Innovation und tiefgründigem Geschichtenerzählen - ein Glitch, ein unterbrechender Wandteppich aus Erinnerung und Bekenntnis. Das Publikum ist eingeladen, durch die Praxis des genauen Zuhörens (Hurston, 2001), des Rufens und Antwortens und der Verkörperung als Zeuge teilzunehmen.
In der Performance werden Themen wie Freiheit, Spiritualität, Heilung und Schmerz durch Bilder, Klänge und Bewegungen verwoben, die von traditionellen afrikanischen und afroamerikanischen Praktiken inspiriert sind. Die Performance schafft einen Raum, in dem die Zeit manipuliert und das klangliche Umfeld des Kolonialismus unterbrochen wird. Wir laden das Publikum ein, sich auf das Unbehagen und das Staunen der Toten, der Lebenden und darüber hinaus einzulassen, während wir die Traditionen der Möglichkeiten, der Widerstandsfähigkeit, der kollektiven Fürsorge, der Befreiung und des Erzählens der Wahrheit ehren.
Gardeners for a Geologic Afterlife (Spring)
Installation mit Pflanzen, Skulpturen aus biobasierten Materialien und gefundenen Objekten, Behältern und Strukturen, die im Garten üblich sindApril 22 - Mai 4, 2024
Goethe-Institut Boston
Erin Woodbreys Gardeners for a Geologic Afterlife ist eine ortsspezifische Installation, die für das Residenzprogramm 2024 170 des Goethe-Instituts realisiert wurde. Die Installation, die in diesem Winter vor dem Aufenthalt entwickelt wurde, spiegelt die Choreografie eines Gärtners bei der Vorbereitung auf die Vegetationsperiode wider und verwebt Skulptur und Gartenarbeit zu einer räumlichen Erzählung über einen Garten im Frühling.
Eröffnung der Ausstellung
Donnerstag, 25. April, 18-20 Uhr
Open Studio/Pflanzentausch
Samstag, 27. April, 12-16 Uhr
Finissage mit Snacks und einem Auftritt von Erin Woodbrey und Sarah Williams von Aesthetically Complex Pies
Samstag, 4. Mai, 11-13 Uhr
Mehr zu Erin Woodbrey
Black Meridian
Installation mit Sound und Fotografie4-10. Dezember 2023
Goethe-Institut Boston
Was bedeutet es, "schwarz" zu sein? Vordergründig ist es die Bezeichnung du jour für die Nachkommen der afrikanischen Diaspora. Doch schon vor der Aufklärung hatte der Begriff "Schwarz" soziale, politische, religiöse, wissenschaftliche und philosophische Implikationen, die weit über die Rasse hinausgehen. Unser heutiges Verständnis von Schwarzsein wurde von diesen vorangegangenen und übereinstimmenden Formulierungen beeinflusst und ist vielleicht nicht etwas, das direkt beobachtet werden kann, aber wie schwarze Löcher kann es durch seine unmittelbare Wirkung gesehen werden. Dies ist der Ansatz von Black Meridian. Durch Sampling, Aneignung und Assemblage verengt und erweitert die Gesamtheit dieser Installation auf paradoxe Weise den Bereich der schwarzen Ontologie durch Bild, Ton und Text.
Eröffnung der Ausstellung
Montag, 4. Dezember, 18-20 Uhr
Finissage
Samstag, 9. Dezember, 16-18 Uhr
Strat Coffman nutzt die vielschichtigen Werkzeuge der Architektur, um zu erforschen, wie Kapital, Institutionen und Designdiskurse zusammenwirken, um materielle, soziale und epistemische Körper zu produzieren. Sie ist Architekturstipendiatin an der University of Michigan und Mitinitiatorin der Architekturforschungs- und Designarbeitsgruppe Proof of Concept mit Isadora Dannin. Sie haben einen BA von der Wesleyan University und einen M.Arch vom Massachusetts Institute of Technology, wo sie den Imre Halasz Thesis Prize und die AIA Henry Adams Medal erhielten. Ihre Arbeiten wurden in Log, dem MIT List Visual Arts Center und dem Multimedia Anthropology Lab am University College London veröffentlicht. Zuvor waren sie Herausgeber von Thresholds 48: Kin und Stipendiaten der MIT Transmedia Storytelling Initiative und sind derzeit 2023 Artist-in-Residence am Goethe Institut.
Aaron Powers ist ein Designer mit Sitz in Los Angeles, wo er derzeit mit dem Kreativdirektor Willo Perron zusammenarbeitet. Er hat international bei Designfirmen wie BIG - Bjarke Ingels Group und Buro Ole Scheeren gearbeitet, wo er an prominenten Projekten wie dem Serpentine Pavilion 2016 in den Serpentine Galleries in London und dem Guardian Art Center in Peking beteiligt war. Aaron war Dozent an der Ohio State University, wo er Designstudios für Studenten und Absolventen unterrichtete. Er besitzt einen Master-Abschluss des MIT.
Team:
Aaron Powers
Strat Coffman
Ellie Ervin (fabrication)
Sabrina Ramsay (fabrication)
Poly Pockets
13-19. Mai, 2023
Goethe-Institut Boston
Inspiriert von den neuen Straßennutzungen, die während der Pandemie aufkamen, ist Poly Pockets eine öffentliche Kunstinstallation in Form einer Reihe von rekonfigurierbaren Zeltstrukturen.
Während der Pandemie drehten sich die Gebäude von innen nach außen. Dinge, die früher im Inneren stattfanden, wurden auf die Straße verlagert. Das Zelt wurde zum bevorzugten Gehäuse für diese neue Fläche, aber es wurde fast ausschließlich zum Essen genutzt. Poly Pockets ist eine Reihe von Modifikationen, die an allgemeinen Zeltmaterialien vorgenommen wurden, um zu erweitern, was das Straßenzelt beherbergen kann und was auf der Straße gesetzlich erlaubt und kulturell erwünscht ist. Eine Rolle Poly-Folie wird unterteilt und zu Taschen vernäht, die vielseitig einsetzbar sind, wenn sie mit dem gefüllt werden, was gerade zur Hand ist. Sand oder zerkleinerter Zuschlagstoff zur Herstellung von beschwerten Taschen. Isolierung zur Herstellung von thermischen Massenkörpern. Weiche Füllung, um bequeme Ruhekissen herzustellen. Plattenmaterial, um starre Flächen herzustellen. Oder fast alles andere. Durch Schneiden, Nähen, Befestigen und Füllen wird die Gebäudehülle in Taschen mit besonderen Talenten zerlegt, die neu kombiniert und zu verschiedenen Formaten zusammengefügt werden können, von Pfählen über Anlehnungen bis hin zu Säulen und [ ].
Neben diesen Assemblagen wird eine neue Videoarbeit des Performers, Digitalkünstlers und Clowns Carlos Sanchez zu sehen sein, in der die Taschen die Hauptrolle spielen. Durch die Linse der gleichnamigen Polly Pockets ist "poly won't you won't you" ein absurdistischer Clown-Kurzfilm, der die Grenzen der immateriellen Kapazität der Taschen auslotet.
Pockets Eröffnung
Samstag, 13. Mai, 18-20 Uhr
Feiern Sie mit uns das große Debüt von Poly Pocket. Die Artist-in-Residents Aaron Powers und Strat Coffman stellen Poly vor, während die Besucher zu den Klängen eines DJ-Sets mit Thema "Halten und Gehaltenwerden" und die Taschen-Assemblagen umherwerfen, ziehen und unter kriechen. Es gibt leckere Hot Pockets und Empanadas zu naschen, während Sie sich auf ein paar Pocket-Stapel legen und die Premiere der Pocket-Video-Performance "poly won't you won't you" ansehen. Gemeinsam werden wir Poly neues Leben einhauchen.
Pocket Listening Session
Dienstag, 16. Mai, 19-21 Uhr
Entspannen Sie sich zwischen den Taschenstrukturen und Pfählen und lauschen Sie den Live-Klängen, die von lokalen Künstlern für Sie geschaffen wurden.
Spielabend mit Pockets
Freitag, 19. Mai, Zeit 18-20 Uhr
Enjoy an evening of game playing with our German Game Guru Stefan Sadecki amid a backdrop of pockets.
Liu Wa (geb. 1994) erhielt ihren B.A. in Anthropologie und Kunst von der Yale University und macht ihren M.S. in Kunst, Kultur und Technologie am MIT. Sie wurde u. a. mit dem International Emmy Awards Young Creatives Award, der Forbes 30 Under 30 Asia Liste und dem Porsche Young Chinese Artist of the Year ausgezeichnet. Sie wurde für die Teilnahme an internationalen Ausstellungen nominiert, darunter die Busan Biennale (2020) und die Guangzhou Triennale (2018). Ihre Werke wurden weltweit in renommierten Institutionen ausgestellt, darunter UCCA Center for Contemporary Art, TANK Shanghai, Museum of Contemporary Art Busan, Javits Convention Center of New York, Beijing Minsheng Art Museum, M Woods Museum, Today Art Museum, Museum of Contemporary Art Shanghai, Guangdong Museum of Art usw. Zu Lius Einzelpräsentationen gehören: Late Night Savage (Cc Foundation, Shanghai, 2021), SOUNDMASS (TANK Shanghai, 2021), Hear A Century Ahead (No.1 Waitanyuan, Shanghai, 2021), Moon Milk (MadeIn Gallery, Shanghai, 2020), Glimpse (Asia Now, Paris, 2019), Glimpse: a passing look (Sabsay Gallery, Kopenhagen, 2018).
Yang Bao ist ein interdisziplinärer Künstler, Komponist und Pianist mit Sitz in New York, der seine klassische Klavierausbildung an der Juilliard School und am New England Conservatory of Music bei Wha-Kyung Byun und Bruce Brubaker erhielt. Baos multimediale Werke schaffen eine erfahrungsorientierte "Synthese der Künste", die in ihrer Textur präzise und in ihrer Bewegung hypnotisierend ist. Inspiriert von klassischer Musik und posthumanem Minimalismus, verdichtet seine sinnesbasierte "physische Musik" komplexe Emotionen zu poetischen Fabeln. Ergänzt durch Film und Technologie, entführt Baos viszerale und unmittelbare Musik das Publikum aus seinem Alltag in eine grenzenlose Leere, in der jeder seine eigene Realität entwerfen und leben kann.
In seiner Live-Performance SOUNDMASS im TANK Shanghai schuf Bao eine ortsspezifische und sich ständig verändernde Klanglandschaft, die den riesigen Öltank in ein architektonisches Instrument verwandelte. Er materialisierte die nicht greifbare Musik zu einem Klangmonument, das sich ständig selbst verschlingt und erneuert. In seiner Klanginstallation Hear A Century Ahead, die von LOUIS XIII in Auftrag gegeben wurde, bricht Baos Raumklangkomposition Infinity Music-GODSPEED mit dem Fortschreiten von Zeit und Zufall innerhalb der großen Metallinstallationen. Sein Original-Soundtrack The Kitty Knight für den Kinofilm I Am What I Am wurde 2022 weltweit veröffentlicht und fand großen Anklang. Sein Film DUALISM für das Graal Theatre der Komponistin Kaija Saariaho wurde exklusiv auf Apple Music vorgestellt. Zu Baos Solo-Shows und Projekten gehören: Hear A Century Ahead (No.1 Waitanyuan, Shanghai, 2021), SOUNDMASS (Tank Shanghai, 2021), Late Night Savage (Cc Foundation, Shanghai, 2021).
Bao ist häufig in renommierten Konzertsälen wie dem Kimmel Center in Philadelphia, dem Lincoln Center in New York, der Jordan Hall in Boston und der Forbidden City Concert Hall in Peking aufgetreten. Zu seinen jüngsten Konzerten gehört Chopins Klavierkonzert Nr. 1 mit dem China Philharmonic Orchestra in der Konzertsaison Frühjahr 2022.
Savage Confessions
Multi-sensory visual-soundscape4.-9. Mai 2022
Eröffnungszeiten: 4., 5. & 9. Mai, 10-17 Uhr
Ausstellungseröffnung: Freitag, 6. Mai, 16-19 Uhr
Podiumsdiskussion und Meet the Artists: Sonntag, 8. Mai, 16-19:00 Uhr / Panel um 17 Uhr
Die Ausstellung Savage Confessions von Liu Wa & Yang Bao schafft durch Video, Musik und Malerei eine multisensorische und sich ständig weiterentwickelnde Bild- und Klanglandschaft, die unsere sinnliche Empfänglichkeit für die übermenschliche Welt steigern soll.
Im ersten Teil der Ausstellung ist das Zweikanal-Video Late Night Savage zu sehen, das den Tag und die Nacht dreier Atomkraftwerke in den Vereinigten Staaten, der ehemaligen Sowjetunion und China während des Kalten Krieges zeigt. Die beiden Künstler begaben sich auf eine 11.000 Meilen lange Reise, um in Washington State, USA, und Gansu, China, Feldforschung zu betreiben, und lebten inmitten der Anlagen. Als Symbol für den amerikanischen Westen reisen die Tumbleweeds, angetrieben von der Kraft des Windes, um radioaktive Samen am Atomreaktor im Bundesstaat Washington zu verbreiten. In Tschernobyl werden jetzt Sonnenblumen gepflanzt, als billige Korrekturmaßnahme zur Beseitigung der Kontamination. Kamelgras in der Atomstadt in Gansu, China, verkörpert den patriotischen Zeitgeist, sein Leben dem Vaterland zu widmen. Sowohl Kamelgras als auch Steppengras sind jedoch invasive Arten aus Russland, die sich nicht an die Landesgrenzen halten und ungehindert die Landschaften durchqueren. Die durch ionisierende Strahlung verursachte genetische Mutation beschleunigt den Alterungsprozess der Pflanzen und führt zu einem Anstieg ihrer Entropie. Die kurzlebigen Pflanzen leben zwar auf verlorenem Posten im Kampf gegen die Natur, zeigen aber dennoch eine unglaubliche Widerstandsfähigkeit und Wildheit.
Der stille Karneval dieser namenlosen Schauspieler ist uns nie fremd gewesen. Wir sind alle Wilde.
Im Rahmen der Ausstellung "SAVAGE CONFESSIONS" bringt die Podiumsdiskussion Yang Bao und Liu Wa im Gespräch mit zwei bahnbrechenden Künstlern und Wissenschaftlern, Bruce Brubaker und Gediminas Urbonas, zusammen. Auf der Grundlage ihrer eigenen interdisziplinären Erkundungen werden die vier Gastredner ein offenes Gespräch über die Abhängigkeit zwischen Mensch und Natur in Zeiten der globalen Erwärmung sowie über die Bedeutung einer multidisziplinären Perspektive in einer zunehmend komplexen Welt führen.
Diese Ausstellung wurde durch die großzügige Unterstützung des Programms für The Art, Culture, and Technology program at MIT und des Council for the Arts am MIT ermöglicht.
Kapplows Arbeiten wurden von amerikanischen und europäischen Regierungen gefördert, von zahlreichen privaten Stiftungen unterstützt und von Galerien, Film- und Performance-Festivals wie dem MIT List Visual Arts Center, dem ANTI-Festival und ISEA International in Auftrag gegeben.
Als begeisterte Kollaborateurin hat Kapplow Ensembleprojekte im ARoS Aarhus Kunstmuseum (DK), Guggenheim Museum (US), Institute of Contemporary Art (US), Isabella Stewart Gardner Museum (US), Museo Arte Moderno (MX), Museum of Fine Arts Boston (US) und dem Queens Museum (US) mitgestaltet und ist in Live-Kunstwerken von La Pocha Nostra, Paul Ramirez Jonas und On Kawara aufgetreten.
Kapplow is also an active member of two international art communities that produce work collectively: Flux Factory and Mobius Artists Group, and an affiliate artist at metaLAB at Harvard University. Mehr auf heatherkapplow.com.
Walker Tufts ist Künstler und Spieldesigner. Walkers Arbeit erforscht unsere Beziehung zu anderen (menschlichen und übermenschlichen) durch Spiele, Ausstellungen, Dinnerpartys und Performances.
In Zusammenarbeit mit verschiedenen Partnern entwickelt Walker Spiele, die den Körper des Spielers spielerisch in eine physische Beziehung zu globalen Systemen, Erde, Körpern und Mikrobiomen setzen. Seine Arbeiten wurden international ausgestellt, darunter: MassMoCA, Den Frie Udstillingsbygning, und Flux Factory. Seine Projekte wurden vom Danish Arts Council, dem Arts Council of Wales und der Foundation for Contemporary Art gefördert. Walker hat öffentliche Auftragsarbeiten geschaffen und an Residenzen von Sankt Petersburg bis Portland teilgenommen. Derzeit arbeitet er im Rahmen des Emerging Practices MFA an der University at Buffalo mit Bakterien zusammen, um experimentellen Beton anzubauen. Mehr unter kosmologym.com, walkertufts.com und listeningwith.com.
Autolysis
Installation und Performance1-15. Juni 2022
Goethe-Institut Boston
Erde ist die Grundlage unserer täglichen Existenz und auch der Ort, an den wir zurückkehren, wenn wir aufhören zu existieren. Sie nährt uns, und dann verschwinden wir in ihr.
In der Covid-Ära, in der wir uns zutiefst auf das Digitale ausgerichtet haben und in der Sauberkeit als ein Gebot auf Leben und Tod empfunden wird, bietet Autolysis eine immersive, taktile und olfaktorische Erfahrung der Wiederverbundenheit mit der Erde und zu Erde.
Autolysis eröffnet auch Gespräche über persönliche Beziehungen zur Erde in einer Weise, die das tatsächliche Material der Erde und nicht die Erde mit einem großen "E" hervorhebt, und schafft Raum für eine behutsame Betrachtung des Endes des Lebens/des Endes der Arten.
Samstag, 4. Juni, 1-3 PM (Raindate: 12. Juni)
Begleiten Sie die Autolysis-Künstler Heather Kapplow und Walker Tufts bei einem geführten Spaziergang, bei dem wir unsere Sinne und unsere Vorstellungskraft einsetzen, indem wir die Umgebung des Goethe-Instituts - seine Flora, seine Geschichte, seinen Boden - genau unter die Lupe nehmen und Materialien sammeln, die für die sich entwickelnden Aspekte von Autolysis verwendet werden können.
Offenes Atelier - Besucherzeiten
Dienstag, 7. Juni und Freitag, 10. Juni, 17:30 - 19:30 Uhr
Die Autolysis-Künstler Heather Kapplow und Walker Tufts werden vor Ort sein und arbeiten. Sie sind herzlich eingeladen, vorbeizukommen und sich die Arbeiten anzusehen und Fragen zu stellen. Dies ist eine zwanglose Gelegenheit, uns und unsere Arbeit kennen zu lernen. BYOB, und wenn Sie die Möglichkeit haben, bringen Sie bitte auch ein Glas oder eine Tüte mit Erde von einem Ort mit, der Ihnen wichtig ist und den Sie mit uns teilen können. Wenn Sie nicht in der Lage sind, an unseren offenen Atelierstunden teilzunehmen, melden Sie sich bei uns - wir sind auch nach Vereinbarung für Sie da.
Dirty Film: Lektionen in Finsternis
Mittwoch, 8. Juni, 18:30 Uhr
Regie: Werner Herzog, 55 Min., 1992
Kurz vor dem Ende des Zweiten Golfkriegs haben irakische Truppen beim Rückzug aus Kuwait die Ölfelder und Terminals in Brand gesteckt. Herzog und sein Kameramann versuchen, das Unfassbare, die Apokalypse, mit filmischen Mitteln zu erfassen.
Finissage mit Künstlergespräch und Dirty Karaoke
Mittwoch, 15. Juni, 18:00 - 21:30 Uhr
Feiern Sie mit uns die Abschlussparty von Autolysis! Wir beginnen mit einem Künstlergespräch, bei dem Heather Kapplow und Walker Tufts eine freie Konversation über ihre Arbeit und den Zusammenhang mit Autolysis führen werden, vielleicht mit besonderen Gästen. Dann genießen wir alle noch einmal den Boden und singen ein bisschen schmutziges Karaoke! Bringen Sie Ihren Lieblingssong über Schmutz, Tod oder Klimawandel mit, und wir werden uns gegenseitig helfen, die Stimmung zu halten, obwohl wir wissen, dass das Ende der bewohnbaren Welt nahe ist. Bringen Sie bitte einen Plastikbeutel oder ein Glas mit Erde von einem Ort mit, der Ihnen wichtig ist und den Sie mit uns für unsere laufende Sammlung teilen können.
Gathering
Ausstellung und Performance2. bis 12. Dezember 2021
Goethe-Institut Boston
170 Beacon Street, Boston
Eröffnung mit Performance und Empfang
Donnerstag, 2. Dezember, 18-20 Uhr
Finissage
Sonntag, 12. Dezember, 14-16 Uhr
Öffnungszeiten
Samstag, 4. Dezember, 14-16 Uhr
Sonntag, 5. Dezember, 14-16 Uhr
Donnerstag, 9. Dezember, 18-20 Uhr
Samstag, 11. Dezember, 14-16 Uhr
Sonntag, 12. Dezember, 14-16 Uhr
Gathering, die jüngste Ausstellung von Shane Charles Smith, befasst sich mit der Verschiebung zwischen Erscheinen und Verschwinden und der Kluft des Generationenverlusts. Seine Serie Native Soil (2015-2020) erinnert an die Arbeit seines Vaters als Vermesser der Penobscot nach dem Maine Indian Claims Settlement Act von 1980. Handgenähter Hanf mit Erde aus diesen Gebieten, vermischt mit Asche und Farbe, nimmt die Form eines kartierten Geländes an. Mit Gathering hat Smith nun ein Werk aus dieser Serie in Erinnerung an seinen Vater, der am Memorial Day 2020 verstarb, neu gestaltet. Für diese Ausstellung, an der auch die Bewegungskünstlerin Kayva Yang teilnimmt, hat er bei Kunsthandwerkern in Maine in Auftrag gegebene Arbeiten eingearbeitet. Diese Werke sind in ihrer Gesamtheit eine Meditation über den "Körper in der Landschaft" sowie über die Verantwortung und Repräsentation innerhalb der persönlichen Geschichte von Smiths Erbe.
Mit Unterstützung des Goethe-Instituts Boston stellt Gathering eine wichtige Fortsetzung in Smiths Werk dar, die die Zeitlichkeit betont, vom Ephemeren zum Skulpturalen. Wie für sein einzigartiges Schaffen charakteristisch, verwendet Smith rohe Formmaterialien (z. B. Bienenwachs, Ton, Asche) für großformatige, prozessbasierte und auf Performance ausgerichtete Arbeiten.
Kayva Yang ist eine in New York lebende Künstlerin, die durch Performance, Fotografie, Archivmaterial und ortsspezifische Bewegungsforschung die Intimität und Regeneration von Körper und Land erforscht. Ihre aktuellen Projekte "Lost 40" und "Elastic Elm" untersuchen Extraktion, Innerlichkeit und Indigenität in einem borealen Wald und einem Stadtboulevard. Sie ist 2020 Create Change Fellow des Laundromat Project und erhielt 2017 Zuschüsse von der Jerome Foundation und dem Lower Manhattan Cultural Council. Ihr abgeschlossenes Projekt Body in Flora (2016) wurde im New York University Kimmel Center ausgestellt und bei Intermedia Arts und Southern Theater in Minneapolis aufgeführt. Sie tritt auch für andere Choreografen wie Jill Sigman/ thinkdance und dustin maxwell auf und tanzte früher für Aniccha Arts und Ananya Dance Theatre. Yang ist eine unabhängige Produzentin und Autorin von Inhalten für Organisationen der darstellenden Künste. Sie hat einen M.A. in Kunstpolitik von der New York University Tisch School of the Arts.
Maria Finkelmeier, die vom Boston Globe als "Ein-Frau-Dynamo" und 2018 vom Improper Bostonian als Bostons beste "Kreativ-Katalysatorin" bezeichnet wurde, ist Perkussionistin, Komponistin, Künstlerin, Pädagogin und Kunstunternehmerin. Maria hat groß angelegte Multimedia-Events im öffentlichen Raum von Cincinnati bis Nordschweden geschaffen, mit mehreren Standorten in Boston, darunter Fenway Park, Charlestown Navy Yard, Edison Power Plant und Harvards Arnold Arboretum. Angetrieben von und neugierig auf die Welt der Klänge, findet Maria Musik, Erzählungen und Kollaboration an unerwarteten Orten.
Sofie Hodara ist eine in Boston ansässige Multimedia-Künstlerin und Pädagogin. Sie arbeitet oft in Kooperationen und erforscht die Schnittmenge zwischen traditionellen und neuen Medien, um schöne, nicht-utilitaristische Erfahrungen mit Technologie zu schaffen. Die Ergebnisse reichen von Papierwebereien über Buchdrucke bis hin zu interaktiven Installationen und Mixed Reality. Hodara hat ihre Arbeiten in ganz USA ausgestellt, unter anderem im Icebox Project Space in Philadelphia PA, im UC San Diego's Calit2 Theater und in der Bromfield Gallery in Boston MA. Ihre Arbeiten wurden im Boston Globe, Fresh Paint Magazine, Made in Mind Magazine und im Journal of the New Media Caucus veröffentlicht. Sie hat auf internationalen Konferenzen über Augmented Reality referiert, darunter der AR in Action Leadership Summit am MIT Media Lab und der IXDA Education Summit in Mailand, Italien. Sie hat Kurse und Workshops in Design, Druckgrafik, Typografie, erweiterter und virtueller Realität und kreativem Aktivismus am Massachusetts College of Art and Design, SMFA an der Tufts University, Emmanuel College, University of Massachusetts Boston und The Cooper Union for the Advancement of Science and Art unterrichtet.
U-Meleni Mhlaba-Adebo ist eine simbabwisch-amerikanische Dichterin, Performance-Künstlerin, Geschichtenerzählerin und Pädagogin mit internationaler Reichweite und einem transnationalen Blickwinkel. Ihr Debüt-Gedichtband Soul Psalms (She Writes Press) wurde im April 2016 veröffentlicht und von David Updike als "eine furchtlose weibliche Stimme ... temperiert mit Optimismus und den heilenden Möglichkeiten der Liebe" gefeiert. Zuletzt war sie in WGBHs "Suitcase Stories" und "Growing Up Black Part 2" zu sehen und arbeitete an mehreren Filmen für das Boston Globe Black History Film Festival 2021 mit. U-Meleni ist Beiratsmitglied für Write On the Dot und Mitglied des New England Poetry Club. Sie ist Empfängerin des Creative Entrepreneur Fellowship 2021 des Arts and Business Council of Boston. Sie ist außerdem die Gründerin des Maoko Project, einem kunstbasierten Ansatz für DEI, Wellness und Bildung, der sich an den Prinzipien der Ndau (Shona) orientiert. U-Meleni ist außerdem gelegentlich als Hilfsprofessorin am Endicott College (Boston) tätig und unterrichtet kreatives Schreiben und Performance-Poesie. Sie hat einen Master in Pädagogik von der Lesley University mit Schwerpunkt auf multikultureller Bildung und Theaterkunst. Außerdem ist sie sehr stolz darauf, Absolventin der UMASS Boston zu sein. Mit großer Leidenschaft setzt sie ihre Stimme für die Stärkung von Frauen, ganzheitliches Wohlbefinden und die Erforschung von "Bindestrich-Identitäten" durch ihre Arbeit ein. Wenn sie nicht gerade schreibt, auftritt oder mit anderen Künstlern zusammenarbeitet, kann man sie oft dabei erwischen, wie sie einen Riesling auf einem Weingut genießt, mit ihrem Mann und ihrem Sohn Rad fährt und für wohltätige Zwecke läuft, oder die Welt bereist. Sie lebt mit ihrer Familie in Boston. Weitere Informationen hier.
Martha Rettig ist eine Designerin, Experimentatorin und immersive Künstlerin, deren Arbeit sich auf die Verschmelzung traditioneller Medien mit neuen Technologien konzentriert. Ihre Erfahrung erstreckt sich über viele Disziplinen, darunter Designkonzept, visuelles Design, interaktives Design, Interfacedesign, Datenvisualisierung, Experience Design und Creative Direction. Sie war 2006 Mitbegründerin einer Agentur für interaktives Design, Cykod, und half bei der Entwicklung digitaler Lösungen für über zweihundert Unternehmen. Martha ist derzeit Professorin am Massachusetts College of Art + Design, wo sie in der Abteilung für Kommunikationsdesign lehrt, und ist Co-Direktorin des Dynamic Media Institute MFA-Programms der Hochschule.
24 bis 27. Juni 2021
Goethe-Institut Boston
Threads of Assumption ist eine interaktive Performance und Installation von Maria Finkelmeier, Sofie Hodara, U-Meleni Mhlaba-Adebo und Martha Rettig.
Unsere Arbeit reagiert auf reale Geschichten über erlebte Voreingenommenheit, die auf einer virtuellen, anonymen Konversationsplattform gesammelt und von einer künstlichen Intelligenz (KI), die natürliche Sprache verarbeitet, analysiert werden. Die daraus resultierende Ausstellung ist eine visuelle, akustische und taktile Darstellung menschlicher Wahrheiten und Fehler. Das Projekt fordert uns auf, unsere Annahmen über Vorurteile und das, was wir als normal akzeptieren, zu überdenken. Wie können wir von Maschinen erwarten, dass sie aus dem, was wir nicht verstehen, eine Bedeutung ziehen?
Es wurden Daten aus 22 gesammelten Gesprächen gesammelt. Jedes Gespräch wurde auf seinen emotionalen Inhalt und seine thematische Sprache hin analysiert und von der KI in Datensätze umgewandelt. Für die Künstler wurde das Konzept der Verflechtung dieser starren Daten und der menschlichen Erfahrung immer wichtiger, ähnlich wie bei der Herstellung von taktilen Webarbeiten mit einer gespannten Kette und einem eingefädelten Schuss.
Im Mittelpunkt der Ausstellung steht ein interaktiver, raumgroßer Webstuhl, während hängende Webarbeiten, gesprochene Poesie, Projektionen und musikalische Kompositionen es den Besuchern ermöglichen, die gesammelten Daten kennenzulernen und darüber zu reflektieren.
Die von uns gesammelten Daten haben uns nichts Neues gelehrt. Sie bestätigten lediglich die Akzeptanz schädlicher Strukturen in unserer Gesellschaft und die Beibehaltung starrer Annahmen durch den Einzelnen.
Vielen Dank an unsere 44 Teilnehmer, darunter:
Annie Lundsten
Bianca Mauro
Brian Calhoon
Jasmine Lellock
Kendall Rhymer
Ksenija Komljenovic
Lindsay Akens
Lisa Daria Kennedy
Lydia Lucas
Maria Servellon
Natalie Gray
Sheryl Pace
Susan Hodara
Ulrike Rettig
Wendy Richmond
Zusätzlicher Dank an: Bianca Mauro von BRM Production Management, J. Cottle, The Loop Lab, Aram Boghosian, Adam DeTour, Gabi Ammirato
Dieses Projekt wird (zum Teil) durch ein Live Arts Boston Stipendium der Boston Foundation ermöglicht.
Sofie Hodara ist eine in Boston ansässige Multimedia-Künstlerin und Pädagogin. Sie arbeitet oft in Kooperationen und erforscht die Schnittmenge zwischen traditionellen und neuen Medien, um schöne, nicht-utilitaristische Erfahrungen mit Technologie zu schaffen. Die Ergebnisse reichen von Papierwebereien über Buchdrucke bis hin zu interaktiven Installationen und Mixed Reality. Hodara hat ihre Arbeiten in ganz USA ausgestellt, unter anderem im Icebox Project Space in Philadelphia PA, im UC San Diego's Calit2 Theater und in der Bromfield Gallery in Boston MA. Ihre Arbeiten wurden im Boston Globe, Fresh Paint Magazine, Made in Mind Magazine und im Journal of the New Media Caucus veröffentlicht. Sie hat auf internationalen Konferenzen über Augmented Reality referiert, darunter der AR in Action Leadership Summit am MIT Media Lab und der IXDA Education Summit in Mailand, Italien. Sie hat Kurse und Workshops in Design, Druckgrafik, Typografie, erweiterter und virtueller Realität und kreativem Aktivismus am Massachusetts College of Art and Design, SMFA an der Tufts University, Emmanuel College, University of Massachusetts Boston und The Cooper Union for the Advancement of Science and Art unterrichtet.
U-Meleni Mhlaba-Adebo ist eine simbabwisch-amerikanische Dichterin, Performance-Künstlerin, Geschichtenerzählerin und Pädagogin mit internationaler Reichweite und einem transnationalen Blickwinkel. Ihr Debüt-Gedichtband Soul Psalms (She Writes Press) wurde im April 2016 veröffentlicht und von David Updike als "eine furchtlose weibliche Stimme ... temperiert mit Optimismus und den heilenden Möglichkeiten der Liebe" gefeiert. Zuletzt war sie in WGBHs "Suitcase Stories" und "Growing Up Black Part 2" zu sehen und arbeitete an mehreren Filmen für das Boston Globe Black History Film Festival 2021 mit. U-Meleni ist Beiratsmitglied für Write On the Dot und Mitglied des New England Poetry Club. Sie ist Empfängerin des Creative Entrepreneur Fellowship 2021 des Arts and Business Council of Boston. Sie ist außerdem die Gründerin des Maoko Project, einem kunstbasierten Ansatz für DEI, Wellness und Bildung, der sich an den Prinzipien der Ndau (Shona) orientiert. U-Meleni ist außerdem gelegentlich als Hilfsprofessorin am Endicott College (Boston) tätig und unterrichtet kreatives Schreiben und Performance-Poesie. Sie hat einen Master in Pädagogik von der Lesley University mit Schwerpunkt auf multikultureller Bildung und Theaterkunst. Außerdem ist sie sehr stolz darauf, Absolventin der UMASS Boston zu sein. Mit großer Leidenschaft setzt sie ihre Stimme für die Stärkung von Frauen, ganzheitliches Wohlbefinden und die Erforschung von "Bindestrich-Identitäten" durch ihre Arbeit ein. Wenn sie nicht gerade schreibt, auftritt oder mit anderen Künstlern zusammenarbeitet, kann man sie oft dabei erwischen, wie sie einen Riesling auf einem Weingut genießt, mit ihrem Mann und ihrem Sohn Rad fährt und für wohltätige Zwecke läuft, oder die Welt bereist. Sie lebt mit ihrer Familie in Boston. Weitere Informationen hier.
Martha Rettig ist eine Designerin, Experimentatorin und immersive Künstlerin, deren Arbeit sich auf die Verschmelzung traditioneller Medien mit neuen Technologien konzentriert. Ihre Erfahrung erstreckt sich über viele Disziplinen, darunter Designkonzept, visuelles Design, interaktives Design, Interfacedesign, Datenvisualisierung, Experience Design und Creative Direction. Sie war 2006 Mitbegründerin einer Agentur für interaktives Design, Cykod, und half bei der Entwicklung digitaler Lösungen für über zweihundert Unternehmen. Martha ist derzeit Professorin am Massachusetts College of Art + Design, wo sie in der Abteilung für Kommunikationsdesign lehrt, und ist Co-Direktorin des Dynamic Media Institute MFA-Programms der Hochschule.
Threads of Assumption: The Biases You Weave
Multimedia Performance Installation24 bis 27. Juni 2021
Goethe-Institut Boston
Threads of Assumption ist eine interaktive Performance und Installation von Maria Finkelmeier, Sofie Hodara, U-Meleni Mhlaba-Adebo und Martha Rettig.
Unsere Arbeit reagiert auf reale Geschichten über erlebte Voreingenommenheit, die auf einer virtuellen, anonymen Konversationsplattform gesammelt und von einer künstlichen Intelligenz (KI), die natürliche Sprache verarbeitet, analysiert werden. Die daraus resultierende Ausstellung ist eine visuelle, akustische und taktile Darstellung menschlicher Wahrheiten und Fehler. Das Projekt fordert uns auf, unsere Annahmen über Vorurteile und das, was wir als normal akzeptieren, zu überdenken. Wie können wir von Maschinen erwarten, dass sie aus dem, was wir nicht verstehen, eine Bedeutung ziehen?
Es wurden Daten aus 22 gesammelten Gesprächen gesammelt. Jedes Gespräch wurde auf seinen emotionalen Inhalt und seine thematische Sprache hin analysiert und von der KI in Datensätze umgewandelt. Für die Künstler wurde das Konzept der Verflechtung dieser starren Daten und der menschlichen Erfahrung immer wichtiger, ähnlich wie bei der Herstellung von taktilen Webarbeiten mit einer gespannten Kette und einem eingefädelten Schuss.
Im Mittelpunkt der Ausstellung steht ein interaktiver, raumgroßer Webstuhl, während hängende Webarbeiten, gesprochene Poesie, Projektionen und musikalische Kompositionen es den Besuchern ermöglichen, die gesammelten Daten kennenzulernen und darüber zu reflektieren.
Die von uns gesammelten Daten haben uns nichts Neues gelehrt. Sie bestätigten lediglich die Akzeptanz schädlicher Strukturen in unserer Gesellschaft und die Beibehaltung starrer Annahmen durch den Einzelnen.
Vielen Dank an unsere 44 Teilnehmer, darunter:
Annie Lundsten
Bianca Mauro
Brian Calhoon
Jasmine Lellock
Kendall Rhymer
Ksenija Komljenovic
Lindsay Akens
Lisa Daria Kennedy
Lydia Lucas
Maria Servellon
Natalie Gray
Sheryl Pace
Susan Hodara
Ulrike Rettig
Wendy Richmond
Zusätzlicher Dank an: Bianca Mauro von BRM Production Management, J. Cottle, The Loop Lab, Aram Boghosian, Adam DeTour, Gabi Ammirato
Heute ist Shane Künstler und von Jazz inspirierter Produzent. Er schreibt seine eigene Musik und arbeitet als Pianist und musikalischer Leiter mit einigen der bedeutendsten R&B- und Hip-Hop-Künstler in Boston zusammen. Erst kürzlich hat er sein Debütalbum A Star or a Lonely Dreamer veröffentlicht, das auf allen Streaming-Plattformen verfügbar ist.
Shane Dylan auf Spotify anhörensdf
Shane Dylan x Kae Alayah -- "I'm Yours"
Live-VideoperformanceDezember 2021
Der Pianist und Komponist Shane Dylan und die für den Boston Music Award nominierte R&B-Künstlerin Kae Alayah haben sich für einen neuen Song aus ihrem kommenden gemeinsamen Projekt zusammengetan und live im Studio 170 aufgenommen. Mit einem von Shane komponierten Streichquartett und unter der Regie von Kat Otuechere entsteht ein akustisches Video, das die Musik der beiden in einer intimen Atmosphäre präsentiert.
Shane Dylan - piano, composer
Kae Alayah - songwriter, lead vocals
Karim - backup vocals
Aldra - backup vocals
Tiffany Chang - violin
Caroline Jesalva - violin
Steven Tse - viola
Claire Park - cello
Kat Otuechere - video director
Sean Peloso - gaffer/lighting tech
Noel Pichardo - gaffer/lighting tech
Patrick Meany - audio recording and mixing
TBT erschien 2019 mit dem Femmetasy-Mixtape, einem gemischten Rap- und Poesie-Tape, das darüber nachdenkt, wie das Überleben von schwarzen Transfrauen im 21. Jahrhundert aussieht. Sie spielte ein paar kleine Shows und erhielt einige Presseberichte in lokalen Bostoner Zeitungen und unabhängigen Musikblogs, und ihre Single "Hex Ur Ex" aus diesem Projekt wurde 2020 auf einer redaktionellen Spotify-Playlist platziert - bis heute ist dies ihr meistgestreamter Song und brachte ihr Berichte in Bandcamp Daily ein. Nachdem sie das Jahr 2020 und die gesamte Zeit des Lockdowns damit verbracht hatten, die Gewalt, der Schwarze Trans-Menschen online ausgesetzt sind, zu erleben, mitzuerleben und darüber zu schreiben, begannen sie damit, ihre Diskografie auf Bandcamp hochzuladen und die Hälfte aller Einnahmen dafür zu verwenden, um andere Schwarze Trans-Menschen zu unterstützen.
Später, im Jahr 2021, kehrten sie mit ihrem Debütalbum CYBERBULLY zurück, über das sowohl in Dig Boston als auch im Boston Globe berichtet wurde. Außerdem traten sie beim Trans Resistance MA's 2nd Annual Trans Resistance March in Franklin Park, Massachusetts auf. Kürzlich von Boston, Massachusetts nach New York City umgezogen, arbeitet Trap Beat Tranny hart an der Fertigstellung einer EP und der Entwicklung eines bevorstehenden virtuellen Konzerts - sie freut sich darauf, ihre Arbeit mit ihren Communities zu teilen und weiterhin ihre Musik zu nutzen, um Gelder an andere schwarze Trans-Menschen in Not zu verteilen.
£!V€ hå©K
Virtuelles Multimedia-KonzertVeröffentlichung im März 2022
Live Hack ist ein virtuelles Multimedia-Konzert, das aufgezeichnete Live-Konzertmitschnitte mit Musikvideos kombiniert, um die Diskografie von Trap Beat Tranny (TBT 4 da cissies!) zu feiern. Vom Femmetasy-Mixtape bis zu TBTs Debütalbum CYBERBULLY - und sogar einer Vorschau auf das, was noch kommen wird - ist dieses Stück eine kybernetische Vision einer Welt, die unserer eigenen nicht unähnlich ist, aber in die Träume einer schwarzen Trans-Zukunft innerhalb von Systemen gekleidet ist, die unseren Tod als Treibstoff für den Motor betrachten.
Die Dreharbeiten fand im Dezember 2021 im Goethe-Institut statt. Das Video wird im März 2022 veröffentlicht und auf dieser Webseite geteilt. Die Residenz wurde aufgrund von COVID-19 von 2020 auf 2021 verschoben.
Teilnehmer:
Performer: Trap Beat Tranny
Tänzerin und Kostümdesign: Khadija Bangoura
Tänzerin: Oreine Robinson
Regie: Sarah Shin
Dramaturg, Choreograph, Projektionstechniker: Joey Cosio-Mercado
Produzent, Projektleiter, Lichtdesigner, Assistenzchoreograph: Andrea Sala
Szenisches Design: Steven Doucette
Tontechniker: Grace Hill
DJ: Chelita
Mehr erfahren
Ausstellung: Quiet Fulfilment
10. bis 16. Oktober 2020Goethe-Institut Boston
170 Beacon Street, Boston
Janne arbeitet mit Video, Animation und Fotografie. Sie beobachtet, wie sich Technologie und Kapitalismus auf Bewegung, Raum und Zeit auswirken, sie abstrahieren und neu strukturieren. In ihren jüngsten Arbeiten untersucht sie die Flugbahnen eines Flughafens, den Rhythmus von Containerschiffen und Roboter in automatisierten Lagerhallen.
Ihre Videos gehen von standardisierten Formaten und Automatisierung aus und organisieren physischen Raum mit digitalen Mitteln. Sie verweisen jeweils auf reale Orte und basieren auf gefilmtem Material. Doch durch den Einsatz von Produktions- und Postproduktionsmethoden entstehen hybride, entfremdete Räume, die zwischen real physischer und virtueller Umgebung kippen. Diese Räume sind an die Geschehnisse und den Kontext des Ortes gebunden. Sie veranschaulichen, wie eine neoliberale Dynamik Raum und Zeit dekonstruiert und transformiert und wie sie durch Virtualisierung, Digitalisierung und Optimierung von Prozessen die Entstehung mobiler Topologien fördert.
Ehemalige Jurymitglieder
Louis Chude-Sokei ist Professor für Englisch und Inhaber des Wein-Lehrstuhls für Afroamerikanistik und Black Diaspora Studies an der Boston University. Zu seinen Veröffentlichungen zählen das preisgekrönte Werk The Last Darky: Bert Williams, Black on Black Minstrelsy and the African Diaspora, The Sound of Culture: Diaspora and Black Technopoetics sowie die vielbeachtete Autobiografie Floating in A Most Peculiar Way. Außerdem: eine koreanische Übersetzung von Dr. Satan’s Echo Chamber: Reggae, Technology and the Diaspora Process und die deutsche Sammlung Race und Technologie: Essays der Migration. Als Gründer des Klangkunst-/Archivierungsprojekts „Echolocution“ hat er mit Künstlern wie Mouse on Mars, der Bill T. Jones/Arnie Zane Dance Company, Marina Rosenfeld und Mendi&Keith Obadike zusammengearbeitet. Er war Kurator des Afrofuturism Festival 2022 in der Carnegie Hall und berät derzeit die Guggenheim Art and Technology Initiative. Bei der Biennale in Venedig 2024 steuerte er eine Klanginstallation für den deutschen Nationalpavillon bei. Im Jahr 2025 wurde er mit einem Guggenheim-Stipendium für Sachbücher ausgezeichnet.
Meghan Clare Considine ist kuratorische Assistentin am Institute of Contemporary Art/Boston, wo sie unter anderem mit Portia Zvavahera, dem Bostoner African American Master Artists-in-Residence Program, Lucy Raven und Cynthia Daignault an Ausstellungen und Publikationen mitwirkt. Zuvor war sie beim MASS MoCA und am Weisman Art Museum der University of Minnesota, Twin Cities, tätig. Sie interessiert sich für Fragen rund um Performance und Verkörperung, Lesbarkeit und Beziehungen zwischen künstlerischen Praktiken und Solidaritätsbewegungen. 2023 erwarb sie einen MA am Williams College und am Clark Art Institute Graduate Program in Kunstgeschichte. Im September 2025 nahm sie am 13. Berlin Biennale Curators Workshop Fugitive Acts: Art and Politics teil.
Nach Stationen beim Goethe-Institut in Rom, Tel Aviv, Porto, Stockholm und Abidjan ist Rainer Hauswirth seit August 2025 Direktor des Goethe-Institut Boston. Rainer war Mitkurator der Ausstellungen „Motor Show“ (Ingo Vetter im Goethe-Institut Schweden, 2011), „The Alien Within – A living laboratory of Western Society“ (Christoph Schlingensief und Tania Bruguera; Malmö Konsthall 2014) und „ABJ“ (Emeka Ogboh im Kunstraum SOMETHING, Abidjan 2024).
Meghan Clare Considine ist kuratorische Assistentin am Institute of Contemporary Art/Boston, wo sie unter anderem mit Portia Zvavahera, dem Bostoner African American Master Artists-in-Residence Program, Lucy Raven und Cynthia Daignault an Ausstellungen und Publikationen mitwirkt. Zuvor war sie beim MASS MoCA und am Weisman Art Museum der University of Minnesota, Twin Cities, tätig. Sie interessiert sich für Fragen rund um Performance und Verkörperung, Lesbarkeit und Beziehungen zwischen künstlerischen Praktiken und Solidaritätsbewegungen. 2023 erwarb sie einen MA am Williams College und am Clark Art Institute Graduate Program in Kunstgeschichte. Im September 2025 nahm sie am 13. Berlin Biennale Curators Workshop Fugitive Acts: Art and Politics teil.
Nach Stationen beim Goethe-Institut in Rom, Tel Aviv, Porto, Stockholm und Abidjan ist Rainer Hauswirth seit August 2025 Direktor des Goethe-Institut Boston. Rainer war Mitkurator der Ausstellungen „Motor Show“ (Ingo Vetter im Goethe-Institut Schweden, 2011), „The Alien Within – A living laboratory of Western Society“ (Christoph Schlingensief und Tania Bruguera; Malmö Konsthall 2014) und „ABJ“ (Emeka Ogboh im Kunstraum SOMETHING, Abidjan 2024).
Ashleigh Gordon, die als „charismatische und fesselnde Künstlerin“ beschrieben wird, hat Aufnahmen mit dem Schweizer Ensemble Proton und dem deutschen Ensemble Modern gemacht, ist mit dem Grammy-Preisträger BMOP und dem für den Grammy nominierten Streicherensemble A Far Cry aufgetreten, hat beim renommierten BBC Proms Festival mit dem Chineke! Orchestra und in der Carnegie Hall mit dem Gateways Music Festival sowie mit zahlreichen anderen Ensembles. Da sie sich auf internationalen Bühnen wohlfühlt, ist sie unter anderem in der Royal Albert und der Royal Festival Hall (London), dem Konzerthaus Berlin und der Oper Frankfurt (Deutschland), dem Gare du Nord und der Dampfzentrale Bern (Schweiz), dem Centre Pompidou (Paris) und der Lee Hysan Concert Hall (Hongkong) aufgetreten.
Peter Murphy is the Stefan Engelhorn Curatorial Fellow in the Busch-Reisinger Museum at the Harvard Art Museums. He is co-curator with Lynette Roth of Made in Germany? Art and Identity in a Global Nation (Fall 2024) and curator of Katharina Sieverding: Transformer (Fall 2024). With Lynette Roth and Elizabeth Rudy, he is co-curator of Edvard Munch: Technically Speaking (Spring 2024). His current curatorial research examines the relationship between housing crises and disability in modern and contemporary art.
Lauren O'Neal ist eine interdisziplinäre Künstlerin, Kuratorin und Pädagogin, die bereits im Portland Museum of Art, an der Purdue University, der Theater Academy of Finland und der Harvard University ausgestellt und aufgetreten ist. O'Neal war Stipendiatin des Vermont Studio Center, des Somerville Arts Council, der New England Foundation for the Arts und der LEF Foundation. O'Neal lehrt derzeit an der Boston University, war Gaststipendiat an der Harvard Graduate School of Arts and Sciences und war Direktor und Kurator der Lamont Gallery an der Phillips Exeter Academy. O'Neal erwarb einen MFA am Maine College of Art and Design. In seiner Doktorarbeit an der University of the Arts Helsinki untersucht er die Überschneidung von choreografischem Denken und kuratorischer Praxis.
Peter Murphy is the Stefan Engelhorn Curatorial Fellow in the Busch-Reisinger Museum at the Harvard Art Museums. He is co-curator with Lynette Roth of Made in Germany? Art and Identity in a Global Nation (Fall 2024) and curator of Katharina Sieverding: Transformer (Fall 2024). With Lynette Roth and Elizabeth Rudy, he is co-curator of Edvard Munch: Technically Speaking (Spring 2024). His current curatorial research examines the relationship between housing crises and disability in modern and contemporary art.
Lauren O'Neal ist eine interdisziplinäre Künstlerin, Kuratorin und Pädagogin, die bereits im Portland Museum of Art, an der Purdue University, der Theater Academy of Finland und der Harvard University ausgestellt und aufgetreten ist. O'Neal war Stipendiatin des Vermont Studio Center, des Somerville Arts Council, der New England Foundation for the Arts und der LEF Foundation. O'Neal lehrt derzeit an der Boston University, war Gaststipendiat an der Harvard Graduate School of Arts and Sciences und war Direktor und Kurator der Lamont Gallery an der Phillips Exeter Academy. O'Neal erwarb einen MFA am Maine College of Art and Design. In seiner Doktorarbeit an der University of the Arts Helsinki untersucht er die Überschneidung von choreografischem Denken und kuratorischer Praxis.
Yvette Janine Jackson ist eine Komponistin und Installationskünstlerin, die mit ihren Radioopern und narrativen Soundscape-Kompositionen auf historische Ereignisse und soziale Themen aufmerksam macht. Ihr Album Freedom, das von der Fridman Gallery produziert wurde, wurde als zeitgenössisches Album des Monats in The Guardian vorgestellt, wo John Lewis schrieb: "Jeder kluge Hollywood-Produzent würde sich Jackson sofort schnappen, um Film-Soundtracks zu liefern, aber ihre Arbeit bedarf keiner visuellen Erklärung." Derzeit arbeitet sie an der Vertonung der Filmtrilogie The Cassandra Project von Barclay DeVeau. Zu ihren aktuellen und bevorstehenden Projekten gehören T-Minus für das International Contemporary Ensemble, Extant, eine interaktive Komposition für Bassklarinette, Cello und Game Engine am ZKM Zentrum für Kunst und Medien, die im SWR Experimentalstudio entwickelt wurde, Hello, Tomorrow! für Orchester und Elektronik, das gemeinsam mit dem American Composers Orchestra und der Carnegie Hall in Auftrag gegeben wurde; die Klang- und Lichtkomposition RETURN für den James Turrell Skyspace "Twilight Epiphany" an der Rice University; und ihr Radio Opera Workshop Intermedia Ensemble. Yvettes permanente Installationen Underground (Codes) und Destination Freedom sind in der Wave Farm in Acra, New York, bzw. im International African American Museum in Charleston zu sehen. Sie hat am Goethe-Institut Boston Vorträge über Klanglandschaften und Erinnerung gehalten. Yvette ist Assistenzprofessorin für Creative Practice and Critical Inquiry im Fachbereich Musik und unterrichtet für das Theater-, Tanz- und Medienprogramm an der Harvard University.
Die Auftritte von Carlos Manuel Vargas wurden von Publikum und Kritikern in den Vereinigten Staaten, Südamerika und Europa gelobt.
Jüngste Kritiken lobten Herrn Vargas für sein "hochemotionales und durchdachtes" Spiel und seine "beeindruckende Energie und kompromisslose Ehrlichkeit". Zu den Höhepunkten der kommenden Saison 2023 gehören eine Reihe von Konzerten in Neuengland und Kalifornien mit Musik aus seinem Debütalbum "Souvenirs" sowie sein Debüt mit dem Nationalen Symphonieorchester Ecuadors mit Rachmaninows Klavierkonzert Nr. 2 zu Ehren des 150.
Neben seiner Konzerttätigkeit ist Herr Vargas an mehreren spannenden Projekten beteiligt, die das breite Spektrum seiner musikalischen Interessen zeigen: Das Roxbury Piano Program, das Festival Esmeraldas und die Roxbury Concert Series
Erfahren Sie mehr: www.carlosmanuelvargas.com
Die Auftritte von Carlos Manuel Vargas wurden von Publikum und Kritikern in den Vereinigten Staaten, Südamerika und Europa gelobt.
Jüngste Kritiken lobten Herrn Vargas für sein "hochemotionales und durchdachtes" Spiel und seine "beeindruckende Energie und kompromisslose Ehrlichkeit". Zu den Höhepunkten der kommenden Saison 2023 gehören eine Reihe von Konzerten in Neuengland und Kalifornien mit Musik aus seinem Debütalbum "Souvenirs" sowie sein Debüt mit dem Nationalen Symphonieorchester Ecuadors mit Rachmaninows Klavierkonzert Nr. 2 zu Ehren des 150.
Neben seiner Konzerttätigkeit ist Herr Vargas an mehreren spannenden Projekten beteiligt, die das breite Spektrum seiner musikalischen Interessen zeigen: Das Roxbury Piano Program, das Festival Esmeraldas und die Roxbury Concert Series
Erfahren Sie mehr: www.carlosmanuelvargas.com
Randi Hopkins ist Direktorin für visuelle Künste am Boston Center for the Arts (BCA), wo sie das Ausstellungsprogramm der Mills Gallery, das kürzlich gestartete, multidisziplinäre Studio Residency Programm und die Boston Art Book Fair leitet, die im BCA in Zusammenarbeit mit Oliver Mak/Bodega veranstaltet wird. Am BCA hat sie fortlaufende Programme initiiert, darunter GERTRUDE'S artists salon und Run of the Mills (in Zusammenarbeit mit BCA Dance Manager Andrea Blesso) - ein Labor für innovative Kunst, das die Grenzen zwischen visueller und bewegungsbasierter Kunst überschreitet - und hat mit eingeladenen Kuratoren an Ausstellungen wie James Montford: Persuasions 1990-2015, Queer Threads: Crafting Identity and Community und Alida Cervantes: Majas, cambujas y virreinacas. Im Oktober 2017 organisierte sie in Zusammenarbeit mit Oliver Mak von Boston's Bodega und Fourth Wall Projects die erste, jährliche Boston Art Book Fair im BCA.
Bevor sie 2013 zum BCA kam, war Hopkins Associate Curator am Institute of Contemporary Art in Boston (2008-2011) und kuratierte Ausstellungen wie Charles LeDray: workworkworkworkwork, den James and Audrey Foster Prize 2010 und Krzysztof Wodiczko: OUT OF HERE The Veterans Project. Sie war Mitbegründerin und Co-Direktorin der Allston Skirt Gallery in Bostons SoWa (1998-2008) und langjährige wöchentliche Kunstkolumnistin für den Boston Phoenix (1998-2008). Neben unabhängigen kuratorischen Projekten unterrichtete sie 2011-2019 zeitgenössische Kunstgeschichte und kuratorische Praxis im Fachbereich Kunst und Musik an der Simmons University in Boston.
Anna Feder ist seit mehr als zwei Jahrzehnten in verschiedenen Funktionen im Bereich der Filmausstellungen tätig. Derzeit ist sie Leiterin der Filmausstellungs- und Festivalprogramme in der Abteilung für visuelle Medienkunst am Emerson College und kuratiert die Filmreihe Bright Lights. Außerdem unterrichtet sie einen von ihr entwickelten Kurs, Behind the Big Screen: Contemporary Film Programming and Exhibition". Sie war Programmgestalterin für Wicked Queer: the Boston LGBT Film Festival und SFIndie, stellvertretende Leiterin des Northampton Independent Film Festival und leitete sieben Jahre lang das Boston Underground Film Festival. Sie hat einen BA in Filmanalyse und -technik von der University of Massachusetts in Amherst und einen MFA in Filmproduktion von der Boston University. Sie ist die Regisseurin von zwei Dokumentar-Kurzfilmen, Untitled Heroes Project (2020) und Never Again Para Nadie (2021).
Louis Chude-Sokei ist Schriftsteller und Wissenschaftler, zu dessen Büchern die preisgekrönten Werke The Last Darky (2006), The Sound of Culture (2016) und die hochgelobten Memoiren Floating in A Most Peculiar Way (2021) gehören. Er ist Chefredakteur von The Black Scholar, einer der ältesten und führenden Zeitschriften für Black Studies in den Vereinigten Staaten. Chude-Sokei hat mit zahlreichen Künstlern und Performern zusammengearbeitet, darunter die Berliner Elektronik-Künstler Mouse on Mars, mit denen er Klanginstallationen und das gefeierte Album Anarchic Artificial Intelligence (2021) produziert hat. Chude-Sokei ist Gründer des internationalen Klangkunst-/Archivierungsprojekts Echolocution und leitender Künstler/Kurator von "Sometimes You Just Have to Give it Your Attention", einem einjährigen Klangkunstprojekt in Nürnberg, das sich auf historische Stätten der Nazi-Partei konzentrierte und für das er den Kulturstiftun des Bundes-Preis der Kulturstiftung des Bundes erhielt. Außerdem ist er Kurator des 2022 in der Carnegie Hall stattfindenden Afrofuturismus-Festivals.
Bevor sie 2013 zum BCA kam, war Hopkins Associate Curator am Institute of Contemporary Art in Boston (2008-2011) und kuratierte Ausstellungen wie Charles LeDray: workworkworkworkwork, den James and Audrey Foster Prize 2010 und Krzysztof Wodiczko: OUT OF HERE The Veterans Project. Sie war Mitbegründerin und Co-Direktorin der Allston Skirt Gallery in Bostons SoWa (1998-2008) und langjährige wöchentliche Kunstkolumnistin für den Boston Phoenix (1998-2008). Neben unabhängigen kuratorischen Projekten unterrichtete sie 2011-2019 zeitgenössische Kunstgeschichte und kuratorische Praxis im Fachbereich Kunst und Musik an der Simmons University in Boston.
Anna Feder ist seit mehr als zwei Jahrzehnten in verschiedenen Funktionen im Bereich der Filmausstellungen tätig. Derzeit ist sie Leiterin der Filmausstellungs- und Festivalprogramme in der Abteilung für visuelle Medienkunst am Emerson College und kuratiert die Filmreihe Bright Lights. Außerdem unterrichtet sie einen von ihr entwickelten Kurs, Behind the Big Screen: Contemporary Film Programming and Exhibition". Sie war Programmgestalterin für Wicked Queer: the Boston LGBT Film Festival und SFIndie, stellvertretende Leiterin des Northampton Independent Film Festival und leitete sieben Jahre lang das Boston Underground Film Festival. Sie hat einen BA in Filmanalyse und -technik von der University of Massachusetts in Amherst und einen MFA in Filmproduktion von der Boston University. Sie ist die Regisseurin von zwei Dokumentar-Kurzfilmen, Untitled Heroes Project (2020) und Never Again Para Nadie (2021).
Louis Chude-Sokei ist Schriftsteller und Wissenschaftler, zu dessen Büchern die preisgekrönten Werke The Last Darky (2006), The Sound of Culture (2016) und die hochgelobten Memoiren Floating in A Most Peculiar Way (2021) gehören. Er ist Chefredakteur von The Black Scholar, einer der ältesten und führenden Zeitschriften für Black Studies in den Vereinigten Staaten. Chude-Sokei hat mit zahlreichen Künstlern und Performern zusammengearbeitet, darunter die Berliner Elektronik-Künstler Mouse on Mars, mit denen er Klanginstallationen und das gefeierte Album Anarchic Artificial Intelligence (2021) produziert hat. Chude-Sokei ist Gründer des internationalen Klangkunst-/Archivierungsprojekts Echolocution und leitender Künstler/Kurator von "Sometimes You Just Have to Give it Your Attention", einem einjährigen Klangkunstprojekt in Nürnberg, das sich auf historische Stätten der Nazi-Partei konzentrierte und für das er den Kulturstiftun des Bundes-Preis der Kulturstiftung des Bundes erhielt. Außerdem ist er Kurator des 2022 in der Carnegie Hall stattfindenden Afrofuturismus-Festivals.
