Teilnehmende

Chelsea Leventhal ist Klang- und Installationskünstlerin. Ihre Arbeit umfasst ortsbezogene Installationen im öffentlichen Raum und installative Arbeiten die Skulptur, Licht und Video mit elektroakustischen Mehrkanal-Kompositionen vereinigen. Die Wiederbelebung und Artikulation von Raum, die Wahrnehmung von auditiven Archetypen und die Gestaltung von klanglichen Allegorien spielen dabei eine zentrale Rolle in ihren Werken. Die Klangwelt der häuslichen Sphäre, die psychogeografische Erforschung urbaner Räume und das Verhältnis zwischen Mensch und Naturklänge sind wiederkehrende Themen in ihrer Arbeit.

Sie produzierte Arbeiten für Organisationen wie Pépinières Européennes pour Jeunes Artistes in Paris, id11 in Delft, Kultur Mitte und Bezirksamt Neukölln in Berlin, I-Park Foundation in den USA und die Wittener Tage für neue Kammermusik und nahm an zahlreichen Residenzen teil, unter anderem im Europäischen Zentrum der Künste Hellerau und im ZKM in Karlsruhe. Ihre Werke wurden unter anderem bei Maerzmusik in Berlin, beim Dystopia Festival in Istanbul, in Berliner Galerien wie Galerie im Saalbau, Galerie im Körnerpark und Galeria Mazzoli, an der Akademie der Künste in Berlin und am Skulpturenmuseum Glaskasten in Marl präsentiert.

Während der bangaloREsidency wird Chelsea Leventhal mit Maraa Media and Arts Collectivean dem Projekt „Sounds of Labor“ arbeiten, das das tägliche Leben der Handwerker in Bangalores Kormangala Slum Cluster erforscht, und vor allem die Klangwelt die ihre Arbeit begleitet. Die Klänge dieser Arbeit, die für das Funktionieren der Stadt unverzichtbar und dennoch für viele unsichtbar oder unterbewertet ist, werden Interviews mit Menschen begleiten, die über die Suche nach ihrem Lebensunterhalt und die Entwicklung ihres Handwerks sprechen, sowie über die Herausforderung, ein Leben aufzubauen und ein Zuhause zu finden im größeren Kontext der sozialen und wirtschaftlichen Strukturen der Stadt.

Geboren 1985 in Lahr im Schwarzwald, Felix Baßler studierte Fotografie und Pädagogik an der Hochschule für Hochschulen für Angewandte Wissenschaften und absolvierte eine Ausbildung zum Projektleiter für „Fotopädagogik“ in Heidelberg. Danach absolvierte er verschiedene persönliche Assistenzen bei namenhaften Fotografen wie Beat Presser in der Schweiz, Alex Kayser († 2015) in New York City und Jan von Holleben in Berlin, wo er den Umgang mit analoger Dunkelkammer und Studioblitztechnik erlernte.

Danach reiste er in die Ukraine, nach Weißrussland, Amerika und Asien für persönliche, aber auch arbeitsbezogene fotografische Projekte. Zum Beispiel reiste er 2013 in die Ukraine, um mit dem Stern Magazin zum Thema „Objektsexualität“ zu arbeiten. Dort dokumentierte er Sandro K. - einen Mann, der sich in das Atomkraftwerk Tschernobyl verliebt hat. Die Geschichte wurde nie veröffentlicht.

In den folgenden Jahren zog er nach Berlin, wo er nun als freier Fotograf in den Bereichen Porträt, Dokumentation für Magazine wie SZ, Stern, BILD, etc. arbeitet.

Felix' fotografische Arbeit bewegt sich im Spannungsfeld zwischen dokumentarischer (Realität) und inszenierter Fotografie (Fantasie), wobei er nach innovativen Werkzeugen sucht, um diese beiden Welten zu verbinden. Um dies zu erreichen, arbeitet Felix seit 2022 mit der „Slitscan“-Technik, die er als analoges Verfahren weiter entwickelt.Diese Technik, die vollständig in der Kamera stattfindet, ermöglicht es ihm, eine dokumentarische Qualität beizubehalten und gleichzeitig mit einer surrealen Bildsprache zu arbeiten.Seitdem gab es Ausstellungen und Residenzen für analoge „Slit-Scan“-Fotografie in Deutschland, der Schweiz, Mazedonien und Amerika.

Ein Schwerpunkt während seiner bangaloREsidency wird die Weiterentwicklung der analogen Slitscan-Fotografietechnik sein. Dazu wird er eng mit der „Kāṇike“-Fotocommunity zusammenarbeiten und den Workflow der Slit-Scan-Technik vom Porträtieren von Menschen in den Straßen von Bangalore bis zum fertigen Abzug in der analogen Dunkelkammer entwickeln.

Firat Yildiz ist ein in Pforzheim lebender Künstler und Komponist für zeitgenössische elektronische Musik. Neben seiner eigenen Klangpraxis kreiert Yildiz in Zusammenarbeit mit anderen Künstler*innen Klanglandschaften für Performances, Film und Multimedia-Installationen. Seine Klangforschung manifestiert sich oft in Klangmeditationen, Listening-Sessions und auch Tanzmusik im Club. Als Sohn zweier Migranten mit Wurzeln im Osten der Türkei (Südost Anatolien).

Beeinflusst durch das Leben zwischen zwei Kulturen, Ursprüngen und Traditionen. Einem Leben zwischen Religionen, formt das künstlerische Profil vom „Dazwischen-sein“. Die Gedanken seiner Arbeit basieren auf den Fragen nach der Identität, Herkunft, Limitation, Unterdrückung und des positiven Wandels.

Im Rahmen der bangloREsidency an der Indian Sonic Research Organisation setzt sich Yildiz mit dem Teppich auseinander, als Schnittstelle für klangliches und materielles Geschichtenerzählen, als Raum für Gemeinschaft und Gastfreundschaft, als Relikt einer Zeit, die vom Zusammenprall der Kulturen auf der Suche nach neuen gemeinsamen Ausdrucksformen geprägt ist.

Teppiche sind ein lebendiges Zeugnis migrierender kultureller Praktiken und materiellen Wissens, das sich durch verschiedene Geografien bewegt; ihre algorithmischen Muster sind eine uralte Technologie, die Erinnerungen und Geschichten bewahrt und weitergibt. In den heutigen globalisierten Gesellschaften trägt jeder mit seinem individuellen Hintergrund, zu einem multikulturellen sozialen Gefüge bei, sei es im virtuellen oder physischen Raum. Elektronische Kommunikation und neue Technologien verstärken diesen kulturellen Austausch in einem rastlosen digitalen Nomadentum, das kulturelle Grenzen beschleunigt und auflöst und gleichzeitig unzählige Arten von hybriden kulturellen Ausdrucksformen hervorbringt.

Zuletzt arbeitete Yildiz gemeinsam mit Wissenschaftler*innen des Max-Planck-Instituts für Verhaltensbiologie an einer Reihe experimenteller Klanglandschaften unter Verwendung wissenschaftlicher Audiodaten. Er komponierte Stücke für Performances wie "My Burden is My Soulmate" von Leman Daricioglu (2022), "Thermal Dynamics" von Anjana Berger (2020) und für die virtuelle Performance "Der Massenmensch" von Lena Hetzel und Janina Au (2021). Darüber hinaus schuf er Klangarbeiten für die Einzelausstellung "Immaterial" des 4E-Kollektivs im Emma Kreativzentrum in Pforzheim sowie für das Vorprogramm der Ornamenta triennale in einer Kirche in Lienzingen, mit dem Medienkünstler Özgur Kar (2021).

Frida Teller ist eine interdisziplinäre künstlerische Forscherin. Sie erforscht die Poetik und Politik des Anthropozäns. Ihre Praxis umfasst kreatives Schreiben, Installationen und Collagen. Als aktives Mitglied verschiedener Künstlerkollektive leitet sie regelmäßig Workshops zu Global Citizenship Education und Kreativem Schreiben. Frida lebt derzeit in Leipzig.

Sie studierte Kulturanthropologie in Heidelberg und London und anschließend an der Universität für Angewandte Kunst in Wien Cross-Disciplinary Strategies im Master. Während ihrer Zeit in Wien absolvierte sie auch ein Semester in der Design Investigations-Klasse von Prof. Anab Jain, wo sie das Kollektiv membran mitbegründete, das den Social-Design-Preis der Vienna Design Week 2023 und den IF Design Students Award 2024 gewann.

Fridas Arbeit befasst sich mit der Schnittstelle zwischen Kunst und Politik, mit besonderem Schwerpunkt auf Klimapolitik – einem Bereich, mit dem sie sich während ihrer Arbeit für politische Institutionen wie das Europäische Parlament beschäftigte. Eines ihrer jüngsten Projekte ist „Ich wurde neben einem Loch geboren“, ist eine poetische Installation, die sich an eine Braunkohleabbaulandschaft in Ostdeutschland annähert. Frida hat ihre Forschungen zum Anthropozän in Athen, Graz, Wien und Bochum präsentiert.

Ein Stipendium im Arts of Change-Programm in Österreich bestärkte ihre Leidenschaft für die Integration von Kunst und sozialen Themen. Mit dem Kollektiv et art. produziert sie künstlerische Übersetzungen wissenschaftlicher Publikationen zur Klimakrise. Ihre Arbeiten wurden in Graz, Wien, Linz und Salzburg ausgestellt.

In Bangalore plant sie, die Materialität der vom Indian Institute of Human Settlements (IIHS) durchgeführten Forschung zu erkunden. Durch Papierherstellung, partizipative Interventionen und Feldforschung möchte sie die urbanen Manifestationen wissenschaftlicher Erkenntnisse untersuchen. Indem sie poetisch und organisch mit veröffentlichten Artikeln interagiert und gleichzeitig neue Werke schafft, versucht sie, die Beziehung zwischen Wissenschaft und Gesellschaft zu hinterfragen

Gözde Junutzt in ihren Arbeiten verschiedene Disziplinen wie Nähen, Stickerei, Fundstücke, Video und Fotografie, um die Realität und Mehrdeutigkeit der Erinnerungen, Vergangenheiten und Bewusstseinszustände von Frauen hervorzuheben. Gleichzeitig möchte sie die Rollen, die Frauen auf Fotografien einnehmen, sowie Konzepte wie Identität, Geschlecht und Erinnerung zum Gegenstand ihrer Untersuchungen machen. Indem sie Themen wie Identität, Zugehörigkeit, Erinnerung, Geschlecht, Feminismus, Kultur und Nostalgie anspricht, untersucht sie familiäre Beziehungen, die Widersprüche bei der Bildung einer Familie und gesellschaftliche Geschlechterrollen in einer dokumentarischen Herangehensweise.

Während derbangaloREsidencykonzentriert sich Gözde Ju auf textile Handwerksobjekte und Produktionsprozesse, die von Frauen geschaffen wurden. Sie untersucht, wie sich der kulturelle Wandel in Handarbeiten (wie Servietten, Tischdecken, kulturellen Talismanen) sowohl in Motiven als auch in Formen widerspiegelt. Sie führt umfangreiche Recherchen zu Haushaltsgegenständen durch, die von Frauen in Bangalore mit Stickerei und Textilien hergestellt werden. Die Künstlerin beabsichtigt, die Erfahrungen von Frauen nachzuverfolgen, Dialoge zu initiieren und häusliche Kulturgegenstände und Materialien zu identifizieren sowie individuelle Geschichten über das kulturelle Erbe zu sammeln, das von ihren Müttern in Bezug auf Handarbeiten aus verschiedenen kulturellen Ethnien weitergegeben wurde.

Nach ihrem Abschluss an einer Kunstfachschule im Jahr 2009 begann Gözde Ju ihr Studium an der Fakultät für Bildende Künste der Anadolu-Universität. Sie absolvierte ein Doppelstudium in den Abteilungen für Druckgrafik und Malerei. Im Jahr 2018 erwarb sie ihren Master-Abschluss mit einer Arbeit zum Thema „Räumliche Suchen in der zeitgenössischen Druckgrafikkunst“. Ihre Masterarbeit konzentrierte sich auf die Bewertung der Druckgrafik im Kontext von Raum und zeitgenössischer Kunst. Darüber hinaus schloss sie den Kurszeitraum des Doktoratsstudium Bildende Kunst (PhD) ab. Sie arbeitet weiterhin in ihrem Studio im AtelierFrankfurt e.V., dem Kunstzentrum, das vom Frankfurter Kulturamt in Frankfurt am Main, Deutschland, unterstützt wird. Die Künstlerin nahm an verschiedenen Ausstellungen und Künstlerresidenzen in verschiedenen Ländern teil, wie z.B. "Bien" Textile Art Biennial 2023, Kranj, Slovenia; Supermarket Independent Art Fair- Stockholm (2023-2024); Pasaj & Barin Han Little Things Studio Residency Program in Istanbul (2024); SIS Artists Residency Program in Ordu (2023).

Diese Residency wird durch basis e.v. unterstützt.

Iz Paehr arbeitet mit und an Strukturen des Virtuellen. Dabei gestaltet, programmiert und schreibt Iz entlang von Zugänglichkeit, Material und Spiel.

Ein Arbeitsschwerpunkt von Iz sind Materialien und Metaphern von Netzwerken. Der Raum zwischen Vorstellung und materieller Realität wird zum Interesse: Zum Beispiel ist die Vorstellung vom Internet als „Cloud“ verbreitet, obwohl Bits zu 99% über global ungleich verteilte Unterseekabel übertragen werden. Das öffnet Fragen nach Besitz, Entscheidungsmacht, und Zugang.

Diesen Fragen folgend sucht Iz während der bangaloREsidency am Archiv am National Centre for Biological Sciences (NCBS) nach Spuren von pflanzenbasierten Anfängen transatlantischer Kommunikation. Das Telegrafennetzwerk war ein Vorgänger des heutigen Internets und basierte auf einer Pflanze aus Indien. Der eingetrocknete Milchsaft von Palaquiumbäumen namens Guttapercha ermöglichte es, Kupferkabel vor Salzwasser zu schützen. Mit dem Verlegen der Kabel über Ozeane vertiefte sich koloniale Macht, und das Überforsten der Bäume führte zu einer der ersten technologieangetriebenen Umweltkatastrophen. Welche Archivmaterialien erzählen Geschichten zu Pflanzen und Netzwerken und wie ist das Archiv selbst vernetzt? Wie lassen sich alternative pflanzenbasierte Netzwerke erproben? Und wo in Bengaluru gibt es heute noch/wieder Palaquiumbäume?

Der Metapher der Klebrigkeit von Guttapercha folgend, möchte Iz diese frühen, pflanzenbasierten Formen der vernetzten Kommunikation und ihre ökologisch-kolonialen Auswirkungen mit dem heutigen Internet als einem „ungleichmäßig implementierten und kontrollierten globalen Kommunikationssystem“[1], das zur Klimakatastrophe beiträgt, in Verbindung bringen. Technologischer Aufbau geht in Bengaluru heute wieder mit einem Verschwinden der Baumdecke der Stadt einher – gleichzeitig ist die Stadt ein Ort des Widerstandes für ein gerechteres und zugängliches Internet. Welche Anfänge und Kontinuität globaler Netzwerke lassen sich finden, archivieren und erzählen?

Mit diesem Projekt knüpft Iz an frühere Arbeiten zu Netzwerken an, zum Beispiel einem kollaborativen Netzwerkspiel namens Code, Layers, Infrastructures mit dem HKW in der Common Room Foundation Neu-Delhi[2], und dem Workshop <MIAU ID> mit Ren Loren Britton bei Control Shift (UK)[3].


[1] https://cis-india.org/raw

[2] https://archiv.hkw.de/en/programm/projekte/veranstaltung/p_161524.php

[3] https://www.control-shift.network/2020/artwork.html?artwork=MIAU_ID

Keno Langbein ist ein Songwriter, Rapper und Künstler aus Berlin. Bis 2021 war sein Hauptprojekt die 10-köpfige urban-brass-band „MOOP MAMA“. Mit ihnen veröffentlichte er vier Studio- und zwei Live-Alben, sie erreichten Platzierungen in den deutschen Musik-Charts und überzeugten die Kritiker. Doch immer hatten sie auch eine politische Botschaft: die Rückeroberung des öffentlichen Raums.

Ihre sogenannten „Guerilla-Auftritte“ sind unangekündigte Auftritte im öffentlichen Raum. Ihr Engagement bei Themen wie Wohnungsmarkt, Klimawandel und den großen Fluchtbewegungen der letzten Jahrzehnte schlug eine Brücke zwischen Popmusik und künstlerischem Aktivismus in Form von Flashmobs und viralen Kampagnen.

Kenos aktuelles Soloalbum „Schall und Rausch“ erkundet einen experimentelleren Solo-Sound. Seine Arbeit hat einen immer stärker multidisziplinären Ansatz, mit Verbindungen zur Bildenden Kunst, Video und Soundart. Er arbeitete als Synchronsprecher, als Songwriter für bekannte deutsche Artists, schrieb Kolumnen für deutsche Zeitungen und leitete zahlreiche Videoprojekte und künstlerische Interventionen.

Projektskizze für die bangaloREsidency 2024:
Seither habe ich mehrfach Zeit in Indien verbracht und viel gelernt. Ich bin sehr daran interessiert, nachhaltige Verbindungen für zukünftige Projekte zu knüpfen, die eine Kommunikation zwischen den Kulturen ermöglichen. Musik kommuniziert über sprachliche und kulturelle Grenzen hinweg, kann Brücken schlagen. Meine Performances ernteten in Indien weniger überraschte Blicke, als vielmehr Begeisterung, Tanz und Austausch. Darauf aufbauend möchte ich tiefer in Themen eintauchen, mit denen es bei dem letzten Projekt nur erste Berührungen gab. 

Ich sehe die bangaloREsidency als Gelegenheit, mehr über die vielseitige indischen Musikkultur zu lernen. Das Indian Music Experience Museum (IME) stelle ich mir dafür als perfekte Umgebung vor.

Meike Redeker ist Bildende Künstlerin. Sie arbeitet vorrangig mit den Medien Performance und Video. In ihrer direkten Umgebung, insbesondere im öffentlichen Raum, interagiert sie mit zufälligen Passant*innen oder lädt Andere ein, in ihren Arbeiten zu performen. Ihr Interesse gilt den Normen und Systemen, die beeinflussen und regulieren, wie wir uns durch diese Räume bewegen. Die Videokamera bezieht sie in ihre Handlungen direkt ein und reflektiert, was es bedeutet zu sehen, zu zeigen und wahrzunehmen.

Meike Redekers Arbeiten wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen sowie auf Filmfestivals gezeigt, unter anderem im Kunstquartier Bethanien in Berlin, Kunstverein Hannover, Center for Contemporary Art Plovdiv (Bulgarien), Nakanojo-Biennale (Japan), EMAF Osnabrück, Kasseler DokFest, Addis Video Art Festival in Addis Abeba (Äthiopien) und Experiments In Cinema in Albuquerque (USA).

Meike Redeker studierte Bildende Kunst an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und Medienkunst am Institut Teknologi Bandung, Indonesien. Seitdem setzt sie ihre Arbeiten innerhalb von Förderungen und Stipendien um. Seit 2022 lehrt sie als Künstlerische Mitarbeiterin in der Klasse Performance der Kunsthochschule Kassel.

Während der bangaloREsidency wird sie mit Studierenden der Schauspielschule Abhinaya Taranga kollaborieren.

In der künstlerischen Arbeit von Nancy Hammermeister werden Naturgegebenheiten, wie Wolken, Bäume, Vulkane zu Symbolen von menschlichen Zuständen, Gefühlswelten, Fragen des Seins.
Zeichnung wird auch über die Haptik verstanden , so können z.b. Nagellack, Fenstermalfarbe, Buntstifte, Ölfarbe in einem Bild verwendet werden. Sie beschreibt ihren Arbeitsansatz als einen unmöglichen Versuch die Zeit einzufangen.

Nancy Hammermeister hat an der HBK Braunschweig, bei Nicola Torke und Thomas Rentmeister studiert, hatte ein Gastsemester bei Andrea Büttner an der Gutenberg Universität in Mainz und war Meisterschülerin bei Monika Brandmeier sowie Martin Honert an der HfbK Dresden, wo sie immer noch lebt und arbeitet. Sie mag es mit den Händen zu arbeiten und darüber mit Dingen in Kontakt zu kommen, über das Fühlen zu erleben. So kann auch ein mit Hingabe zerknautschter Tonklumpen zu einer Rose werden.

Ihre Projektidee für Bangalore nennt sie , „öffne deine Finger und du verstehst die Welt“. Für ihren Aufenthalt wird sie Gast in der 1Shanthiroad Studio / Gallery sein. Als Ausgangspunkt möchte sie in der Stadt nach Begebenheiten suchen, in denen Hände und ihre Handlungen im Alltag mit rituellen, religiösen, spirituellen oder sich wiederholenden Verhaltensweisen Ausdruck finden: wo tauchen sie auf, wo verschwinden sie oder werden ersetzt.

Für ihren Aufenthalt wird sie Gast in der 1Shanthiroad Studio / Gallery sein.

Robert B. Lisek ist ein Künstler, Mathematiker und Komponist, der die Schnittstellen von Systemen, Netzwerken und Prozessen erforscht – rechnerisch, biologisch und sozial. Seine Kunst befasst sich mit Themen wie künstlicher Intelligenz, Biotechnik, Informationstheorie und Quantenphysik und bezieht Elemente wie Computercode, Algorithmen, künstliche neuronale Netze und genetische Sequenzen ein, um Zufälligkeit und Ordnung zu untersuchen.

Lisek ist ein Pionier der auf maschinellem Lernen und künstlicher Intelligenz basierenden Kunst und regt zu einer kritischen Reflexion über die Auswirkungen von KI auf Privatsphäre, Entscheidungsfreiheit, Vertrauen, Kreativität und Kultur an. Darüber hinaus ist er Komponist zeitgenössischer Musik und Autor zahlreicher Projekte und Partituren an der Schnittstelle von spektraler, stochastischer, konkreter Musik und Lärm. Lisek ist auch ein Wissenschaftler, der sich mit den Grundlagen der Naturwissenschaften beschäftigt, insbesondere mit Mathematik und Informatik. Er ist Gründer des Fundamental Research Lab und des ACCESS Art Symposium.

Zu seinen Beiträgen zählen über 300 Ausstellungen und Konzerte, darunter: „GOLEM“ im ZKM Karlsruhe; „SIBYL“ im IRCAM Centre Pompidou und im MAXXI Museum Rom;  „APEIRON“ bei der Ars Electronica Linz; „QUANTUM ENIGMA“ im Harvestworks Center New York und STEIM Amsterdam; „TERROR ENGINES“ im WORM Center Rotterdam; „DEMONS“ auf der Biennale von Venedig (Begleitveranstaltungen); „NEST“ auf der ARCO Art Fair, Madrid; „FLOAT“ beim Lower Manhattan Cultural Council, NYC; und „WWAI“ bei Siggraph, Los Angeles.

Diese Residency ist Teil von Studio Quantum, unterstützt von Quantum Delta und V2.