"Alles verändert, völlig verändert:
Eine schreckliche Schönheit ist geboren"
[Easter, 1916. The Collected Poems of W. B. Yeats (1989)]
Klimawandel, Umweltzerstörung, Artensterben - Begriffe, die heute immer häufiger fallen - sind Symptome einer tieferen planetarischen Notlage. Die Ursache lässt sich in einer historischen Entfremdung von der Natur finden, die die gelebte Naturbeziehungen in eine abstrakte Idee der Getrenntheit verwandelt hat. Die Kommerzialisierung der Natur hat ihre vielstimmigen Werte in einen singulären monetären Wert umgewandelt. Eine hyperreale metaverse Technosphäre hat komplexe Ökosysteme weiter auf bloße Daten reduziert. Extraktive, kapital- und technologiegetriebene Ökonomien - angetrieben durch Kolonisierung und rücksichtslose Industrialisierung - haben dazu geführt, dass die planetarischen Grenzen überschritten wurden, und haben uns ins Anthropozän katapultiert. Die jüngsten Zootonviruse sind ein "Phänomen", das durch die "intra-acting" (in Karen Barads Worten) Netzwerke des Kapitals und seiner Institutionen hervorgerufen wird, und Vorboten der sich anbahnenden Gefahren. Außerdem sind die miteinander verflochtenen Welten von Kultur und Natur, die wir lange Zeit glorreich bewohnt haben, von Auslöschungen bedroht. Die Wiederentdeckung einer Heterogenität von Natur-Kulturen, nicht als Binäres, sondern als "in der Natur eingeschlossene Kultur, (und) in der Kultur überarbeitete Natur..." (A.K Ramanujan) ist bereits heute eine radikale Aufgabe. Wie die Biogenetik zeigt, sind wir alle nichts anderes als Assemblagen, die sich gemeinsam mit anderen Lebewesen entwickelt haben. Wir müssen dringend Wege finden, um eine bescheidenere, umfassendere Existenz mit der übermenschlichen Welt anzunehmen.
Diese Ausstellung ist ein Vorschlag, die Welt, wie wir sie heute kennen, neu zu überdenken. Sie ist ein Gespräch zwischen verschiedenen künstlerischen Positionen und ihren Überlegungen zu den Welten, die sie bewohnen. Sie möchte dazu beitragen, eine Ethik der Heilung, der Fürsorge und der Verantwortung zu schaffen. Die hier vorgestellten Künstler und Denker sind seit langem mit Fragen der Natur befasst. Sie suchen jenseits disziplinärer Grenzen nach Beziehungen, die Identität, Sprache, Politik, Lebensgrundlagen und Weltanschauungen formen. Dabei zeigen sie, wie die Natur durch alltägliches lokales und situiertes Wissen, Anliegen und Kämpfe ständig "produziert" wird - und stellen damit eine Gegenerzählung zu ihrer homogenen und totalisierenden Vorstellung dar. Sie zeigen auf, wie wir sind, wie wir geworden sind und wie wir sein könnten, in dieser zähflüssigen Lava prekärer Neuformulierungen. Als intime Zuhörer und Gestalter ihrer Welten sind sie Vorboten einer neuen Zukunft.
Ravi Agarwal
Curator
PRAKTIKEN DER HOFFNUNG
Vor fünfzig Jahren warnte uns der Club of Rome in seinem bahnbrechenden Bericht "Die Grenzen des Wachstums" (1972) vor der Katastrophe, die aus unserer rücksichtslosen wirtschaftlichen Expansion und unserer unerbittlichen Ausbeutung der Ressourcen der Erde resultieren würde - ein Fest der Gier, das sich entfaltet, als gäbe es kein Morgen. Heute stehen wir an einer der prekärsten Schwellen der Geschichte und wissen nicht, ob es ein Morgen geben wird.
Wir haben die Reserven unseres Planeten an fossilen Brennstoffen erschöpft, seine Böden mit Giftstoffen belastet und giftige Abwässer in Luft und Wasser eingeleitet. Wir haben eine rasante Zerstörung des Lebensraums für eine alarmierend große Zahl von Arten bewirkt. Wir haben die Freisetzung von Treibhausgasen beschleunigt, die Ozonschicht durchlöchert und das Abschmelzen der arktischen und antarktischen Eiskappen sowie den Abbau der Eisdecke am "Dritten Pol", dem Hindukusch-Karakorum-Himalaya-Gürtel, ausgelöst. Dies wiederum hat einen Anstieg des Meeresspiegels in Gang gesetzt, der viele Küstenstädte der Welt - darunter auch Mumbai - von einer drohenden Überschwemmung bedroht.Jahrzehnte bevor diese Katastrophe über uns hereinbrach, stellte der Anthropologe und Kybernetik-Pionier Gregory Bateson vorausschauend fest, dass eine Spezies, die ihren Lebensraum übersteigt, dem Untergang geweiht ist. Wir sind diese Spezies. Wir haben uns eingebildet, die Eigentümer der Erde zu sein, obwohl wir nur ihre vorübergehenden und absichtlichen Mieter sind. Wir haben die Rechte und Bedürfnisse der Arten, die unsere Mitbewohner auf diesem Planeten sind, missachtet. Mit jedem Schritt, den wir tun, mit jeder Schuld, die wir gegenüber unseren Ökosystemen haben, belasten wir die Erde und garantieren unser eigenes Aussterben als Spezies.
Wie können wir Abhilfemaßnahmen vorschlagen und Lösungen für diese Katastrophe erarbeiten? In New Natures bringen wir Stimmen aus der Literatur, den Geisteswissenschaften, den Naturwissenschaften, dem Aktivismus und der Architektur zusammen, um uns mit der dringenden Frage zu befassen, wie wir in einer artenreichen Welt verantwortungsvoll leben können. In der Konferenz und dem sich entwickelnden Programm literarischer Veranstaltungen, die integraler Bestandteil dieses Projekts sind, sowie in dieser Ausstellung bringen wir eine Gruppe von Dichtern, Prosaisten und Denkern zusammen, die uns an die sich erneuernden Praktiken von Mitgefühl, Weisheit, Solidarität, Liebe, Mut und Hoffnung erinnern.
Ranjit Hoskote
Curator of Literature
Ravi Agarwal ist ein interdisziplinärer Künstler, Fotograf, Umweltaktivist, Autor und Kurator. Er befasst sich mit den verwickelten Fragen der Natur und ihrer Zukunft, indem er Fotografie, Video, Text und Installation einsetzt und zwischen Kunst und Aktivismus agiert. Seine Arbeiten erstrecken sich von langen Dokumentationen bis hin zu konzeptionellen und performativen Arbeiten. Regelmäßig veröffentlicht er Fotobücher und Tagebücher und hat große indisch-europäische Kunstprojekte im öffentlichen Raum kuratiert (Yamuna-Elbe - Zwillingsstadtprojekt - 2011 und Embrace our Rivers - 2018). Er ist Herausgeber von Büchern (The Crisis of Climate Change, Routledge, 2021; Embrace Our Rivers - Kerber, 2017) und Zeitschriften (Marg- Art and Ecology issue - April 2020, IIC journal Spring 2020). Er is der Kurator von "New Natures; A Terrible Beauty is Born", organisiert vom Goethe-Institut Mumbai (Februar 2022), und war der Fotografie-Kurator für das Serendipity Arts Festival (2018 und 2019).
© Ranjit Hoskote, Photo: Nancy Adajania
Ranjit Hoskote ist ein führender anglophoner indischer Dichter, der auch als wegweisender Beitrag zur indischen Kunstkritik gefeiert wird. Zu seinen Büchern gehören Vanishing Acts: New & Selected Poems 1985-2005 (Penguin, 2006), Central Time (Penguin/ Viking, 2014) und Jonahwhale (Penguin/ Hamish Hamilton, 2018). Seine Gedichte sind in deutscher Übersetzung als Die Ankunft der Vögel (Carl Hanser Verlag, 2006) und Feldnotizen des Magiers (Editions Offenes Feld, 2015) erschienen. Seine Übersetzung des kaschmirischen Mystikers Lal Ded aus dem 14. Jahrhundert ist unter dem Titel I, Lalla: The Poems of Lal Ded (Penguin Classics, 2011) veröffentlicht.Hoskote war Stipendiat des International Writing Program an der University of Iowa und hat in der Villa Waldberta, München, im Theater der Welt, Essen-Mülheim, und im Polnischen Institut, Berlin, geschrieben. Er war Researcher-in-Residence am BAK/ basis voor actuele kunst, Utrecht. Er wurde mit dem Sahitya Akademi Golden Jubilee Award, dem Sahitya Akademi Award for Translation und dem S H Raza Award for Literature ausgezeichnet. Hoskote war Juror für internationale Literatur für den Stipendienzyklus 2015-2017 an der Akademie Schloss Solitude, Stuttgart.
Arunkumar HG
In the Making of Himself
Upcycled industrial scrap wood, steel
126" x 34" x 42"
2021
In the Making of Himself (Die Entstehung seiner selbst)
Die technischen Errungenschaften der Menschheit haben in jüngster Zeit einen nie dagewesenen Höhepunkt erreicht. Aber gleichzeitig haben so viel technische Leistungen und Weisheit der Ökologie der Erde so viel Schaden zugefügt, dass dieser irreversibel ist. Heute wissen die meisten Menschen, dass ganze Lebewesen am Rande des Aussterbens stehen. Das liegt daran, dass die Menschheit sich selbst in den Mittelpunkt gestellt hat und alles für sich selbst gemacht hat. Kein anderes Lebewesen hat jemals so viel Schaden auf der Erde angerichtet. Vor langer Zeit hat die Weisheit vieler religiöser Philosophien wie Jain und Buddhismus eine naturverträgliche Lebensweise und eine Einstellung zum Leben ohne Anhaftung praktiziert. Doch leider hat die technologische Entwicklung der Menschheit die meisten natürlichen Ressourcen der Erde, wie z. B. das Erbe der unberührten Wälder, zerstört.
Standort: Rasenflächen des Kindermuseums, CSMVS
Arunkumar HG
Nature of SARA.
Upcycled industrial scrap wood, found materials from nature, farm produce and digital printing.
6 hinged panels of size 64" x 34" x 3” | expanded 162”
2021
Nature of SARA
Die Bauern sind die wichtigsten Beschützer der lokalen Ökologie und des lokalen Wissenssystems. Lokales Wissen wird über viele Generationen hinweg weitergegeben und in der täglichen Praxis bewahrt, und es ist kaum möglich, es anders zu erhalten. Sie wussten, wie man mit der Bodenfruchtbarkeit, der Saatgutvielfalt und der lokalen biologischen Vielfalt umgeht, bis das System der industriellen Landwirtschaft es langsam verdrängte. Das von bäuerlichen Künstlern mitbegründete SARA-Zentrum ist eine Plattform für den Austausch von Ideen über das lokale Wissenssystem und nachhaltige Alternativen angesichts der sich verändernden Szenarien.
Standort: Gallery MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Die Wahl des Mediums (wiederverwendete und wiederverwertete Waren) und folglich die Umsetzung dieser Anliegen spiegeln eine Verhandlung zwischen dem Leben in der Vorstadt und der Sehnsucht nach einer Rückkehr zu seinen ländlichen Wurzeln wider. Der Landwirt übernimmt die Rolle des Protagonisten und wird auch zum Subjekt, um die integrale Rolle zu verdeutlichen, die er bei der Erhaltung der biologischen Vielfalt in der Umwelt spielt.
Zu den Einzelausstellungen von Arunkumar gehören: CON-struction, Gallery Espace, New Delhi [2018]; In-site, Aicon Gallery, New York [2018]; Seed of Reckoning, Mumbai Art Room [2012]; Tract, Nature Morte, New Delhi [2010]; Feed, Nature Morte in New Delhi und Sakshi Gallery in Mumbai [2006]. Darüber hinaus hat er an zahlreichen Gruppenausstellungen in Indien und im Ausland teilgenommen und sich an zahlreichen Künstleraufenthalten beteiligt. Im Jahr 2014 gründete er das Centre for Knowledge and Environment (www.saracentre.org) in der Region Western Ghats in Karnataka, Indien.
Mehr Informationen: Arunkumar HG
In the Making of Himself
Upcycled industrial scrap wood, steel
126" x 34" x 42"
2021
In the Making of Himself (Die Entstehung seiner selbst)
Die technischen Errungenschaften der Menschheit haben in jüngster Zeit einen nie dagewesenen Höhepunkt erreicht. Aber gleichzeitig haben so viel technische Leistungen und Weisheit der Ökologie der Erde so viel Schaden zugefügt, dass dieser irreversibel ist. Heute wissen die meisten Menschen, dass ganze Lebewesen am Rande des Aussterbens stehen. Das liegt daran, dass die Menschheit sich selbst in den Mittelpunkt gestellt hat und alles für sich selbst gemacht hat. Kein anderes Lebewesen hat jemals so viel Schaden auf der Erde angerichtet. Vor langer Zeit hat die Weisheit vieler religiöser Philosophien wie Jain und Buddhismus eine naturverträgliche Lebensweise und eine Einstellung zum Leben ohne Anhaftung praktiziert. Doch leider hat die technologische Entwicklung der Menschheit die meisten natürlichen Ressourcen der Erde, wie z. B. das Erbe der unberührten Wälder, zerstört.
Standort: Rasenflächen des Kindermuseums, CSMVS
Arunkumar HG
Nature of SARA.
Upcycled industrial scrap wood, found materials from nature, farm produce and digital printing.
6 hinged panels of size 64" x 34" x 3” | expanded 162”
2021
Nature of SARA
Die Bauern sind die wichtigsten Beschützer der lokalen Ökologie und des lokalen Wissenssystems. Lokales Wissen wird über viele Generationen hinweg weitergegeben und in der täglichen Praxis bewahrt, und es ist kaum möglich, es anders zu erhalten. Sie wussten, wie man mit der Bodenfruchtbarkeit, der Saatgutvielfalt und der lokalen biologischen Vielfalt umgeht, bis das System der industriellen Landwirtschaft es langsam verdrängte. Das von bäuerlichen Künstlern mitbegründete SARA-Zentrum ist eine Plattform für den Austausch von Ideen über das lokale Wissenssystem und nachhaltige Alternativen angesichts der sich verändernden Szenarien.
Standort: Gallery MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Über Arunkumar H G:
Arunkumars nachhaltige künstlerische Auseinandersetzung mit einer Vielzahl ökologischer Belange bringt Disharmonien ans Licht, die durch die ausufernde Konsumkultur hervorgerufen werden. Diese Ausbreitung steht in umgekehrtem Verhältnis zu dem starken Rückgang der natürlichen Ressourcen und Lebensräume. Mit jedem Werk bringt Arunkumar sein eigenes lokales, historisches und kulturelles Milieu ein. Das Werk wird eher zu einem generativen als zu einem abschließenden Kommentar seiner Sorgen um die Umwelt im Allgemeinen.
Die Wahl des Mediums (wiederverwendete und wiederverwertete Waren) und folglich die Umsetzung dieser Anliegen spiegeln eine Verhandlung zwischen dem Leben in der Vorstadt und der Sehnsucht nach einer Rückkehr zu seinen ländlichen Wurzeln wider. Der Landwirt übernimmt die Rolle des Protagonisten und wird auch zum Subjekt, um die integrale Rolle zu verdeutlichen, die er bei der Erhaltung der biologischen Vielfalt in der Umwelt spielt.
Zu den Einzelausstellungen von Arunkumar gehören: CON-struction, Gallery Espace, New Delhi [2018]; In-site, Aicon Gallery, New York [2018]; Seed of Reckoning, Mumbai Art Room [2012]; Tract, Nature Morte, New Delhi [2010]; Feed, Nature Morte in New Delhi und Sakshi Gallery in Mumbai [2006]. Darüber hinaus hat er an zahlreichen Gruppenausstellungen in Indien und im Ausland teilgenommen und sich an zahlreichen Künstleraufenthalten beteiligt. Im Jahr 2014 gründete er das Centre for Knowledge and Environment (www.saracentre.org) in der Region Western Ghats in Karnataka, Indien.
Mehr Informationen: Arunkumar HG
Jemand hat ein Pferd am Ufer zurückgelassen (2007)
Tintenstrahldruck auf Archivpapier
Größe: 60 Zoll x 89 Zoll
Dies ist eine großformatige Skulptur aus Holz. Die Idee des trojanischen Pferdes ist es, die gegenwärtige urbane Realität zu erzählen. Nach ihrer Herstellung wurde die Skulptur an verschiedene Orte am Rande der Stadt Delhi gebracht und mit der umgebenden Landschaft fotografiert. Es war ein Kommentar zur alltäglichen Ausdehnung des Stadtbildes mit der Kraft eines riesigen Landmafia-Netzwerks in der Stadt. Ein Verrat und eine Eroberung in der heutigen Zeit.
Straßenlaterne (2010)
Tintenstrahldruck auf Archivpapier
60 Zoll x 89 Zoll
Ein skulpturaler Eingriff in die urbane Wildnis. Inspiriert von der Logik der unlogischen Konstruktionen und dem sich ständig verändernden Charakter der Stadterweiterung. Die Art und Weise, wie wir uns einen Raum vorstellen, birgt immer ein Element des aufstrebenden guten Willens, der jedoch durch die chaotische Natur unseres Verständnisses von ihm zusammenbricht.
Standort: Rasenfläche des Kindermuseums, CSMVS
© Gigi Scaria
Gigi Scaria wurde 1973 in Kothanalloor, einem Dorf im südlichen Kerala, Indien, geboren. Nach seinem Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst am College of Fine Arts in Thiruvananthapuram zog Scaria 1995 nach Neu-Delhi, wo er an der Jamia Millia Islamia einen Master-Abschluss in Kunst erwarb. Mitte der 1990er Jahre, als er seine Karriere als professioneller Künstler begann, illustrierte Scaria auch Kinderbücher und unterrichtete Kunst an einer experimentellen Schule in Neu-Delhi. Im Jahr 2000 wurde er zunehmend international bekannt, was sich in prestigeträchtigen Aufenthaltsmöglichkeiten und Einzelausstellungen in Indien, Deutschland, Amerika, Ungarn, der Republik Korea und der Republik Trinidad und Tobago niederschlug. Scarias kreatives Repertoire umfasst Malerei, Fotografie, Installation, Skulptur und Video.
Zu seinen bemerkenswerten Gruppenbeteiligungen zählen unter anderem die Ishara Art Foundation, Dubai (2019), die 54. Biennale von Venedig, die Prager Biennale und die 3. Singapur-Biennale im Jahr 2011, die Oz Asia Festival Exhibition im Jahr 2012 und die Kochi Muziris Biennale im Jahr 2014. Gigi Scaria war 2012 Macgeorge-Stipendiatin der University of Melbourne, erhielt 2002 ein Inlaks-Stipendium und hat eine Reihe von Aufenthalten absolviert, darunter Circulating AiR, Stiftelsen 3. 14, Bergen, Norwegen (2016); das National Art Studio, National Museum of Contemporary Art, Chantong, Seoul, Korea (2007-08); CCA7 (Caribbean Contemporary Arts), Trinidad und Tobago, Westindien (2005); Khoj studios, Khirkee Village, Neu-Delhi (2004); und Unidee at Cittadellarte, Foundation Pistoletto, Biella, Italien (2002).
Im Jahr 2017 fand seine große Einzelausstellung in der Aicon Gallery, New York, statt. Darüber hinaus waren seine Arbeiten in zahlreichen Einzelausstellungen und unabhängigen Installationen zu sehen, unter anderem in der Gallery Chemould (Mumbai), der Vadehra Art Gallery (Neu-Delhi), dem Videospace Budapest, dem Smart Museum of Art, der University of Chicago und dem Laumeier Sculpture Park, St. Louis, USA.
Der Künstler lebt und arbeitet in Delhi.
Tintenstrahldruck auf Archivpapier
Größe: 60 Zoll x 89 Zoll
Dies ist eine großformatige Skulptur aus Holz. Die Idee des trojanischen Pferdes ist es, die gegenwärtige urbane Realität zu erzählen. Nach ihrer Herstellung wurde die Skulptur an verschiedene Orte am Rande der Stadt Delhi gebracht und mit der umgebenden Landschaft fotografiert. Es war ein Kommentar zur alltäglichen Ausdehnung des Stadtbildes mit der Kraft eines riesigen Landmafia-Netzwerks in der Stadt. Ein Verrat und eine Eroberung in der heutigen Zeit.
Straßenlaterne (2010)
Tintenstrahldruck auf Archivpapier
60 Zoll x 89 Zoll
Ein skulpturaler Eingriff in die urbane Wildnis. Inspiriert von der Logik der unlogischen Konstruktionen und dem sich ständig verändernden Charakter der Stadterweiterung. Die Art und Weise, wie wir uns einen Raum vorstellen, birgt immer ein Element des aufstrebenden guten Willens, der jedoch durch die chaotische Natur unseres Verständnisses von ihm zusammenbricht.
Standort: Rasenfläche des Kindermuseums, CSMVS
Über den Künstler
© Gigi Scaria
Gigi Scaria wurde 1973 in Kothanalloor, einem Dorf im südlichen Kerala, Indien, geboren. Nach seinem Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst am College of Fine Arts in Thiruvananthapuram zog Scaria 1995 nach Neu-Delhi, wo er an der Jamia Millia Islamia einen Master-Abschluss in Kunst erwarb. Mitte der 1990er Jahre, als er seine Karriere als professioneller Künstler begann, illustrierte Scaria auch Kinderbücher und unterrichtete Kunst an einer experimentellen Schule in Neu-Delhi. Im Jahr 2000 wurde er zunehmend international bekannt, was sich in prestigeträchtigen Aufenthaltsmöglichkeiten und Einzelausstellungen in Indien, Deutschland, Amerika, Ungarn, der Republik Korea und der Republik Trinidad und Tobago niederschlug. Scarias kreatives Repertoire umfasst Malerei, Fotografie, Installation, Skulptur und Video.Zu seinen bemerkenswerten Gruppenbeteiligungen zählen unter anderem die Ishara Art Foundation, Dubai (2019), die 54. Biennale von Venedig, die Prager Biennale und die 3. Singapur-Biennale im Jahr 2011, die Oz Asia Festival Exhibition im Jahr 2012 und die Kochi Muziris Biennale im Jahr 2014. Gigi Scaria war 2012 Macgeorge-Stipendiatin der University of Melbourne, erhielt 2002 ein Inlaks-Stipendium und hat eine Reihe von Aufenthalten absolviert, darunter Circulating AiR, Stiftelsen 3. 14, Bergen, Norwegen (2016); das National Art Studio, National Museum of Contemporary Art, Chantong, Seoul, Korea (2007-08); CCA7 (Caribbean Contemporary Arts), Trinidad und Tobago, Westindien (2005); Khoj studios, Khirkee Village, Neu-Delhi (2004); und Unidee at Cittadellarte, Foundation Pistoletto, Biella, Italien (2002).
Im Jahr 2017 fand seine große Einzelausstellung in der Aicon Gallery, New York, statt. Darüber hinaus waren seine Arbeiten in zahlreichen Einzelausstellungen und unabhängigen Installationen zu sehen, unter anderem in der Gallery Chemould (Mumbai), der Vadehra Art Gallery (Neu-Delhi), dem Videospace Budapest, dem Smart Museum of Art, der University of Chicago und dem Laumeier Sculpture Park, St. Louis, USA.
Der Künstler lebt und arbeitet in Delhi.
रुई, कपडा और सम्मान! (Saatgut, Kleidung & Statur!)
Through The Book (2022) - über bewussten Konsum durch den Cotton to Cloth-Prozess sprechen
"रोटी, कपडा और मकान", d.h. Nahrung, Kleidung & Obdach sind die Grundbedürfnisse des Menschen. Aber die Ironie unserer Gesellschaft ist heute so, dass diejenigen, die diese Grundbedürfnisse anderer erfüllen, selbst ihrer Grundrechte beraubt werden. Dies gilt vor allem für diejenigen, die an der Herstellung von Stoffen beteiligt sind.
Die Baumwollerzeuger, die den Hauptrohstoff für unsere Kleidung produzieren, haben keine Kontrolle mehr über das रुई, den Baumwollsamen, den sie säen. Baumwolltuch ist zu einem Luxus geworden, den sich weder diese Erzeuger noch die Spinner und Weber bei der Tuchherstellung leisten können. Wir haben sie so sehr ihrer Würde beraubt, dass sie lieber verhungern würden, um sicherzustellen, dass ihre nächste Generation einen Platz in einem anderen Beruf als ihrem findet...
"Seed, Clothing & Stature" hofft, uns die Geschichten vor Augen zu führen, die damit verbunden sind, um unsere Gesellschaft zu kleiden, und wie wir von hier aus weitermachen können, einige mögliche Lösungen.
Das Buch wird aus Rohstoffen hergestellt, die im Rahmen eines vielfältigen Agrarökosystems angebaut werden, in dem einheimische, nicht gentechnisch veränderte und von geistigen Eigentumsrechten freie Baumwolle zusammen mit anderen Nahrungs- und Futtermittelpflanzen biologisch angebaut wird. Dieses Material kann handgesponnene, handgewebte Stoffe aus einheimischer Baumwolle, Papier aus Ernterückständen der Roselle usw. umfassen. Dieses Material kann dann von Hand bedruckt, gestempelt, im Blockdruckverfahren bedruckt, handgeschrieben, bestickt usw. werden, um verschiedene Geschichten zu erzählen. Das Material wird von Herstellern handgefertigt, die das ganze Jahr über an den kollektiven Arbeiten des Gram Art Project beteiligt sind.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Ihr Dorf ist wie jedes andere indische Dorf: Abwanderung, Menschen, die nach Arbeit suchen, um dem von Armut geprägten Kreislauf der Landwirtschaft zu entkommen, patriarchalische Verhältnisse, Menschen, die versuchen, an ihren Traditionen, ihrem Aberglauben und ihrem religiösen Glauben festzuhalten, ...
Vor dem Hintergrund dieser Reise versuchen sie, ein kollektives Bewusstsein zu schaffen, um diese Reise, ihre Auswirkungen, das Wesentliche und das Unwesentliche zu verstehen und dabei ausdrucksstark zu sein. Dieser Ausdruck kommt durch ihre Arbeit und ihre Kunstwerke zum Ausdruck. Manchmal nehmen diese Kunstwerke die Form von Landarts an, manchmal die Form von Garngegenständen, die aus der von ihnen angebauten nicht gentechnisch veränderten, IPR-freien (Intellectual Property Rights), nicht hybriden einheimischen Baumwolle hergestellt werden. Diese Ausdrucksformen nehmen auch die Form von pflanzbaren Saatgutpapieren und essbaren Artefakten an, die aus den Bio-Produkten ihrer Betriebe hergestellt werden. Abgesehen davon nutzen sie auch Performances, Kunstwerke usw. als weitere Ausdrucksformen.
Für sie ist Kunst nicht nur eine berufliche Praxis, sondern eine Möglichkeit, sich auf die Art und Weise auszudrücken, die sie für die Dinge, denen sie während ihres Lebens auf dem Land in Paradsinga begegnen, als sinnvoll erachten... Darum geht es in ihrem Kollektiv, dem Gram Art Project - ein kollektiver Raum, in dem sie ihre Anliegen als Teil eines durchschnittlichen indischen Dorfes in Formen und Medien ausdrücken können, die sozial und ökologisch nicht ausbeuterisch sind.
Through The Book (2022) - über bewussten Konsum durch den Cotton to Cloth-Prozess sprechen
"रोटी, कपडा और मकान", d.h. Nahrung, Kleidung & Obdach sind die Grundbedürfnisse des Menschen. Aber die Ironie unserer Gesellschaft ist heute so, dass diejenigen, die diese Grundbedürfnisse anderer erfüllen, selbst ihrer Grundrechte beraubt werden. Dies gilt vor allem für diejenigen, die an der Herstellung von Stoffen beteiligt sind.
Die Baumwollerzeuger, die den Hauptrohstoff für unsere Kleidung produzieren, haben keine Kontrolle mehr über das रुई, den Baumwollsamen, den sie säen. Baumwolltuch ist zu einem Luxus geworden, den sich weder diese Erzeuger noch die Spinner und Weber bei der Tuchherstellung leisten können. Wir haben sie so sehr ihrer Würde beraubt, dass sie lieber verhungern würden, um sicherzustellen, dass ihre nächste Generation einen Platz in einem anderen Beruf als ihrem findet...
"Seed, Clothing & Stature" hofft, uns die Geschichten vor Augen zu führen, die damit verbunden sind, um unsere Gesellschaft zu kleiden, und wie wir von hier aus weitermachen können, einige mögliche Lösungen.
Das Buch wird aus Rohstoffen hergestellt, die im Rahmen eines vielfältigen Agrarökosystems angebaut werden, in dem einheimische, nicht gentechnisch veränderte und von geistigen Eigentumsrechten freie Baumwolle zusammen mit anderen Nahrungs- und Futtermittelpflanzen biologisch angebaut wird. Dieses Material kann handgesponnene, handgewebte Stoffe aus einheimischer Baumwolle, Papier aus Ernterückständen der Roselle usw. umfassen. Dieses Material kann dann von Hand bedruckt, gestempelt, im Blockdruckverfahren bedruckt, handgeschrieben, bestickt usw. werden, um verschiedene Geschichten zu erzählen. Das Material wird von Herstellern handgefertigt, die das ganze Jahr über an den kollektiven Arbeiten des Gram Art Project beteiligt sind.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
ÜBER DIE KÜNSTLER
GAP ist eine Gruppe von Bauern, Künstlern, Frauen, Machern, .... Es sind Menschen mit unterschiedlichen Ideen und Identitäten. Aber die Idee und Identität, die sie alle verbindet und sie zu einem Kollektiv macht, ist, dass sie alle in und um ein Dorf leben und arbeiten und sich um dieses Dorf kümmern. Dieses Dorf ist Paradsinga, das im Sausar Tehsil des Bezirks Chhindwara in Madhya Pradesh, Indien, liegt.Ihr Dorf ist wie jedes andere indische Dorf: Abwanderung, Menschen, die nach Arbeit suchen, um dem von Armut geprägten Kreislauf der Landwirtschaft zu entkommen, patriarchalische Verhältnisse, Menschen, die versuchen, an ihren Traditionen, ihrem Aberglauben und ihrem religiösen Glauben festzuhalten, ...
Vor dem Hintergrund dieser Reise versuchen sie, ein kollektives Bewusstsein zu schaffen, um diese Reise, ihre Auswirkungen, das Wesentliche und das Unwesentliche zu verstehen und dabei ausdrucksstark zu sein. Dieser Ausdruck kommt durch ihre Arbeit und ihre Kunstwerke zum Ausdruck. Manchmal nehmen diese Kunstwerke die Form von Landarts an, manchmal die Form von Garngegenständen, die aus der von ihnen angebauten nicht gentechnisch veränderten, IPR-freien (Intellectual Property Rights), nicht hybriden einheimischen Baumwolle hergestellt werden. Diese Ausdrucksformen nehmen auch die Form von pflanzbaren Saatgutpapieren und essbaren Artefakten an, die aus den Bio-Produkten ihrer Betriebe hergestellt werden. Abgesehen davon nutzen sie auch Performances, Kunstwerke usw. als weitere Ausdrucksformen.
Für sie ist Kunst nicht nur eine berufliche Praxis, sondern eine Möglichkeit, sich auf die Art und Weise auszudrücken, die sie für die Dinge, denen sie während ihres Lebens auf dem Land in Paradsinga begegnen, als sinnvoll erachten... Darum geht es in ihrem Kollektiv, dem Gram Art Project - ein kollektiver Raum, in dem sie ihre Anliegen als Teil eines durchschnittlichen indischen Dorfes in Formen und Medien ausdrücken können, die sozial und ökologisch nicht ausbeuterisch sind.
Himali Singh Soin
Statischer Bereich, 2020
laufend, multimedial
Über die Arbeit:
Static Range ist ein multidisziplinäres und vielschichtiges Projekt, das eine reale Spionagegeschichte im indischen Himalaya als Leinwand für Spekulationen und Reflexionen über Nuklearkultur, Porosität, Lecks, Toxizität und Liebe, spirituell-wissenschaftliche Verstrickungen, Umweltkatastrophen und Post-Nationsstaaten nutzt. Diese Serie von Übertragungen, die den "statischen Bereich" ausmachen, umfasst eine animierte Briefmarke, Briefe, Musik, Stickerei, Heilung, Keramik, Bepflanzung und eine Performance-Installation.
Nanda Devi, die Göttin des Glücks, ist der Schutzberg des indischen Himalayas. Während des Kalten Krieges im Jahr 1965 arbeitete die CIA mit dem indischen Geheimdienst zusammen, um auf dem Berg ein nuklearbetriebenes Überwachungsgerät zu installieren, das die Daten chinesischer Atomraketen abfangen sollte. Die Berggöttin, eine temperamentvolle Revolutionärin, entfachte einen gewaltigen Sturm, und die Expedition musste umkehren. Das mit Plutonium betriebene Gerät wurde auf dem Berg versteckt, um es in der folgenden Saison zu bergen, aber es wurde bis heute nicht gefunden und "könnte immer noch irgendwo ticken".
Seit 1965 entweicht aus dem mit Plutonium betriebenen Generator, der halb so groß ist wie die über Hiroshima abgeworfene Bombe, Radioaktivität in den Berg, wodurch blau schimmernde Eishöhlen entstehen. In den Sherpa-Gemeinschaften der umliegenden Dörfer häufen sich rätselhafte Krebsfälle, und der Berg ist seitdem für weitere Expeditionen gesperrt.
1978, in den zwei Jahren, in denen das Heiligtum wieder geöffnet war, nahm mein Vater, ein Bergsteiger, an einer Expedition teil, um den Dunagiri zu besteigen. Von dort aus machten sie ein Foto von Nanda Devi, das vom indischen Telegrafenamt zu einer Briefmarke verarbeitet wurde.
In Anlehnung an die Briefmarke beginnt static range mit einem giftigen Liebesbrief des Spionagegeräts an den Berg.
In einer 15-minütigen Animation wird das Bild der Briefmarke so verändert, als ob es einer Strahlung ausgesetzt wäre, und erstrahlt in nuklearer Erhabenheit. Das Wort "Indien" verschwindet, löscht den Nationalstaat und seine auslöschenden Gewalttaten aus und lenkt die Aufmerksamkeit auf leere Briefmarken und Briefe, die die Menschen in den Konfliktzonen nie erreichen. Verlorene oder nie erwiderte Liebe.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Ein therapeutischer Garten
Ein Biosanierungs-Pflanzprojekt im CSMVS Children's Museum im Rahmen von Static Range, einem multimedialen Kunstwerk über die Nuklearkultur und die unsichtbaren Giftstoffe, mit denen wir leben. Der Garten besteht aus einer Vielzahl von Arten, die Strahlung absorbieren.
Ort: Rasenflächen des Kindermuseums, CSMVS
© Himali Singh Soin
Himali arbeitet in den Bereichen Text, Performance und Bewegtbild. Sie verwendet Metaphern aus der natürlichen Umgebung, um spekulative Kosmologien zu konstruieren, die nichtlineare Verflechtungen zwischen menschlichem und nicht-menschlichem Leben aufzeigen. Ihre poetische Methodik erforscht die unzähligen Technologien des Wissens, von wissenschaftlichen bis hin zu intuitiven, indigenen und alchemistischen Prozessen. Zu ihren Inspirationen gehören die antiken Stoiker und die zeitgenössische Literatur, Reisetagebücher und antike Diagramme. Im Angesicht des Aussterbens besteht ihre Arbeit auf einer Wiederbelebung.
Soins Kunst wurde international ausgestellt: Khoj (Delhi), Somerset House, Mimosa House, Serpentine Gallery, Whitechapel Gallery (London), Gropius Bau, EWERK, HKW (Berlin), Migros Museum (Zürich), Anchorage Museum (Alaska), Kadist (San Francisco) und die Shanghai Biennale. Sie war Empfängerin des Frieze Artist Award 2019, Teil des Kuratorenteams der Momenta Biennale 2021 in Montréal und Writer-in-Residence an der Whitechapel Gallery in London 2020-2021.
Statischer Bereich, 2020
laufend, multimedial
Über die Arbeit:
Static Range ist ein multidisziplinäres und vielschichtiges Projekt, das eine reale Spionagegeschichte im indischen Himalaya als Leinwand für Spekulationen und Reflexionen über Nuklearkultur, Porosität, Lecks, Toxizität und Liebe, spirituell-wissenschaftliche Verstrickungen, Umweltkatastrophen und Post-Nationsstaaten nutzt. Diese Serie von Übertragungen, die den "statischen Bereich" ausmachen, umfasst eine animierte Briefmarke, Briefe, Musik, Stickerei, Heilung, Keramik, Bepflanzung und eine Performance-Installation.
Nanda Devi, die Göttin des Glücks, ist der Schutzberg des indischen Himalayas. Während des Kalten Krieges im Jahr 1965 arbeitete die CIA mit dem indischen Geheimdienst zusammen, um auf dem Berg ein nuklearbetriebenes Überwachungsgerät zu installieren, das die Daten chinesischer Atomraketen abfangen sollte. Die Berggöttin, eine temperamentvolle Revolutionärin, entfachte einen gewaltigen Sturm, und die Expedition musste umkehren. Das mit Plutonium betriebene Gerät wurde auf dem Berg versteckt, um es in der folgenden Saison zu bergen, aber es wurde bis heute nicht gefunden und "könnte immer noch irgendwo ticken".
Seit 1965 entweicht aus dem mit Plutonium betriebenen Generator, der halb so groß ist wie die über Hiroshima abgeworfene Bombe, Radioaktivität in den Berg, wodurch blau schimmernde Eishöhlen entstehen. In den Sherpa-Gemeinschaften der umliegenden Dörfer häufen sich rätselhafte Krebsfälle, und der Berg ist seitdem für weitere Expeditionen gesperrt.
1978, in den zwei Jahren, in denen das Heiligtum wieder geöffnet war, nahm mein Vater, ein Bergsteiger, an einer Expedition teil, um den Dunagiri zu besteigen. Von dort aus machten sie ein Foto von Nanda Devi, das vom indischen Telegrafenamt zu einer Briefmarke verarbeitet wurde.
In Anlehnung an die Briefmarke beginnt static range mit einem giftigen Liebesbrief des Spionagegeräts an den Berg.
In einer 15-minütigen Animation wird das Bild der Briefmarke so verändert, als ob es einer Strahlung ausgesetzt wäre, und erstrahlt in nuklearer Erhabenheit. Das Wort "Indien" verschwindet, löscht den Nationalstaat und seine auslöschenden Gewalttaten aus und lenkt die Aufmerksamkeit auf leere Briefmarken und Briefe, die die Menschen in den Konfliktzonen nie erreichen. Verlorene oder nie erwiderte Liebe.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Ein therapeutischer Garten
Ein Biosanierungs-Pflanzprojekt im CSMVS Children's Museum im Rahmen von Static Range, einem multimedialen Kunstwerk über die Nuklearkultur und die unsichtbaren Giftstoffe, mit denen wir leben. Der Garten besteht aus einer Vielzahl von Arten, die Strahlung absorbieren.
Ort: Rasenflächen des Kindermuseums, CSMVS
Über die Künstlerin
© Himali Singh Soin
Himali arbeitet in den Bereichen Text, Performance und Bewegtbild. Sie verwendet Metaphern aus der natürlichen Umgebung, um spekulative Kosmologien zu konstruieren, die nichtlineare Verflechtungen zwischen menschlichem und nicht-menschlichem Leben aufzeigen. Ihre poetische Methodik erforscht die unzähligen Technologien des Wissens, von wissenschaftlichen bis hin zu intuitiven, indigenen und alchemistischen Prozessen. Zu ihren Inspirationen gehören die antiken Stoiker und die zeitgenössische Literatur, Reisetagebücher und antike Diagramme. Im Angesicht des Aussterbens besteht ihre Arbeit auf einer Wiederbelebung. Soins Kunst wurde international ausgestellt: Khoj (Delhi), Somerset House, Mimosa House, Serpentine Gallery, Whitechapel Gallery (London), Gropius Bau, EWERK, HKW (Berlin), Migros Museum (Zürich), Anchorage Museum (Alaska), Kadist (San Francisco) und die Shanghai Biennale. Sie war Empfängerin des Frieze Artist Award 2019, Teil des Kuratorenteams der Momenta Biennale 2021 in Montréal und Writer-in-Residence an der Whitechapel Gallery in London 2020-2021.
Ishan Tankha
Ein Frühlingsdonner
Fotografische Arbeiten
A Peal of Spring Thunder" befasst sich mit dem anhaltenden und gewaltsamen Kampf zwischen den maoistischen Rebellen und dem indischen Staat, der in einigen der sozioökonomisch am stärksten angeschlagenen Regionen Tausende von Toten und viele weitere Vertriebene gefordert hat. Der Film versucht, eine Region ins Rampenlicht zu rücken, die von der Regierung weitgehend ignoriert wird, für die die enormen natürlichen Ressourcen der Region wichtiger zu sein scheinen als ihre Bewohner. Die Bilder folgen indigenen Adivasi und maoistischen Soldaten, die die bewohnten, bewaldeten und kargen Landschaften bevölkern, die von kommerziellen und politischen Schürfern stark beeinträchtigt werden.
Jal Satyagraha
Wie gefühllos kann eine Regierung sein, wenn die einzige Möglichkeit, auf sich aufmerksam zu machen, darin besteht, bis zum Hals im Wasser zu hocken? Diese Bilder wurden 2012 in Khandwa, Madhya Pradesh, aufgenommen.
Es ist ja nicht so, dass die "jal satyagrahis" von Khandwa nicht auch andere Mittel ausgeschöpft hätten. Über zwei Jahrzehnte lang haben sie auf allen verfügbaren Foren agitiert und die Regierung lediglich aufgefordert, die Folgen ihres massiven Projekts zur Aufstauung der Narmada zu verstehen.
Der Indira-Sagar-Damm hat die größte Überflutungsfläche aller Staudämme des Landes. Ein Gebiet, das 255 Dörfer umfasst und die Vertreibung von fast drei Lakh Menschen erzwingt. Die meisten Menschen wurden trotz der offiziellen Politik der Narmada Valley Development Authority, die durch ein Urteil des Obersten Gerichtshofs im Jahr 2011 bekräftigt wurde, gewaltsam und ohne Entschädigung vertrieben.
Die Entscheidung betrifft mindestens weitere 91 Dörfer am Rande des derzeitigen Sperrgebiets. Es werden noch mehr betroffen sein, denn der Plan - und nicht einmal die Zentrale Wasserkommission - hat keinen Mechanismus, um die Auswirkungen der Erhöhung des Staudamms auf die Gebiete entlang der verschiedenen großen Flüsse, die in die Narmada münden, zu berechnen. Es ist diese Entscheidung, wie auch eine ähnliche Erhöhung, die letztes Jahr für den Omkareshwar-Damm vorgeschlagen wurde, die die Dorfbewohner von Khandwa dazu brachte, schwere Krankheiten zu riskieren, indem sie tagelang im schmutzigen Flusswasser saßen. Ihr Protest steht symbolisch für die große Ironie ihrer Tragödie: wie Wasser, die Quelle allen Lebens, dazu benutzt wird, das ihre zu zerstören.
Die Stimmung in Khandwa war düster. Dies sind keine feurigen Aktivisten, die für ein Ideal kämpfen, sondern Dorfbewohner, die sich gegen die Macht des Staates gestellt und verloren haben. Alles, was sie jetzt wollen, ist das, was ihnen zusteht. Es sind Männer und Frauen, die ebenso um ihr Auskommen kämpfen wie um Gerechtigkeit. Eine mündliche Zusage der Landesregierung, den Damm nicht zu erhöhen, beendete schließlich den zweiwöchigen Aufruhr. Aber Versprechen wurden in der Vergangenheit immer wieder gebrochen. Und die Demonstranten erwarten nichts anderes als einen langen, erbitterten Kampf. Wie Atma Ram, einer der Satyagrahis, es ausdrückte: "Es hört nie auf, diese langsame Zerstörung unserer Welt".
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
© Ishan Tankha
Ishan Tankha ist ein unabhängiger Fotograf, der in seinen Bildern die Beziehung zwischen der sozialen und der physischen Umwelt untersucht. Seine Arbeit konzentriert sich auf die Umweltzerstörung und die damit einhergehende Vertreibung und Enteignung indigener Gemeinschaften, das Leben in Zeiten zunehmender Luftverschmutzung und die sich verändernde Form des städtischen und ländlichen Lebens und der Landschaft auf dem Subkontinent. "A Peal of Spring Thunder" ist eine Serie über das soziale Leben und die Umwelt in Chhattisgarh in Ost- und Zentralindien vor dem Hintergrund eines anhaltenden und gewalttätigen Konflikts zwischen dem Staat und bewaffneten Guerillas.
Ein Frühlingsdonner
Fotografische Arbeiten
A Peal of Spring Thunder" befasst sich mit dem anhaltenden und gewaltsamen Kampf zwischen den maoistischen Rebellen und dem indischen Staat, der in einigen der sozioökonomisch am stärksten angeschlagenen Regionen Tausende von Toten und viele weitere Vertriebene gefordert hat. Der Film versucht, eine Region ins Rampenlicht zu rücken, die von der Regierung weitgehend ignoriert wird, für die die enormen natürlichen Ressourcen der Region wichtiger zu sein scheinen als ihre Bewohner. Die Bilder folgen indigenen Adivasi und maoistischen Soldaten, die die bewohnten, bewaldeten und kargen Landschaften bevölkern, die von kommerziellen und politischen Schürfern stark beeinträchtigt werden.
Jal Satyagraha
Wie gefühllos kann eine Regierung sein, wenn die einzige Möglichkeit, auf sich aufmerksam zu machen, darin besteht, bis zum Hals im Wasser zu hocken? Diese Bilder wurden 2012 in Khandwa, Madhya Pradesh, aufgenommen.
Es ist ja nicht so, dass die "jal satyagrahis" von Khandwa nicht auch andere Mittel ausgeschöpft hätten. Über zwei Jahrzehnte lang haben sie auf allen verfügbaren Foren agitiert und die Regierung lediglich aufgefordert, die Folgen ihres massiven Projekts zur Aufstauung der Narmada zu verstehen.
Der Indira-Sagar-Damm hat die größte Überflutungsfläche aller Staudämme des Landes. Ein Gebiet, das 255 Dörfer umfasst und die Vertreibung von fast drei Lakh Menschen erzwingt. Die meisten Menschen wurden trotz der offiziellen Politik der Narmada Valley Development Authority, die durch ein Urteil des Obersten Gerichtshofs im Jahr 2011 bekräftigt wurde, gewaltsam und ohne Entschädigung vertrieben.
Die Entscheidung betrifft mindestens weitere 91 Dörfer am Rande des derzeitigen Sperrgebiets. Es werden noch mehr betroffen sein, denn der Plan - und nicht einmal die Zentrale Wasserkommission - hat keinen Mechanismus, um die Auswirkungen der Erhöhung des Staudamms auf die Gebiete entlang der verschiedenen großen Flüsse, die in die Narmada münden, zu berechnen. Es ist diese Entscheidung, wie auch eine ähnliche Erhöhung, die letztes Jahr für den Omkareshwar-Damm vorgeschlagen wurde, die die Dorfbewohner von Khandwa dazu brachte, schwere Krankheiten zu riskieren, indem sie tagelang im schmutzigen Flusswasser saßen. Ihr Protest steht symbolisch für die große Ironie ihrer Tragödie: wie Wasser, die Quelle allen Lebens, dazu benutzt wird, das ihre zu zerstören.
Die Stimmung in Khandwa war düster. Dies sind keine feurigen Aktivisten, die für ein Ideal kämpfen, sondern Dorfbewohner, die sich gegen die Macht des Staates gestellt und verloren haben. Alles, was sie jetzt wollen, ist das, was ihnen zusteht. Es sind Männer und Frauen, die ebenso um ihr Auskommen kämpfen wie um Gerechtigkeit. Eine mündliche Zusage der Landesregierung, den Damm nicht zu erhöhen, beendete schließlich den zweiwöchigen Aufruhr. Aber Versprechen wurden in der Vergangenheit immer wieder gebrochen. Und die Demonstranten erwarten nichts anderes als einen langen, erbitterten Kampf. Wie Atma Ram, einer der Satyagrahis, es ausdrückte: "Es hört nie auf, diese langsame Zerstörung unserer Welt".
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
ÜBER DEN KÜNSTLER
© Ishan Tankha
Ishan Tankha ist ein unabhängiger Fotograf, der in seinen Bildern die Beziehung zwischen der sozialen und der physischen Umwelt untersucht. Seine Arbeit konzentriert sich auf die Umweltzerstörung und die damit einhergehende Vertreibung und Enteignung indigener Gemeinschaften, das Leben in Zeiten zunehmender Luftverschmutzung und die sich verändernde Form des städtischen und ländlichen Lebens und der Landschaft auf dem Subkontinent. "A Peal of Spring Thunder" ist eine Serie über das soziale Leben und die Umwelt in Chhattisgarh in Ost- und Zentralindien vor dem Hintergrund eines anhaltenden und gewalttätigen Konflikts zwischen dem Staat und bewaffneten Guerillas.
Karan Shrestha
We Exist (2018)
digitale Fotografien
Stealing Earth (2018)
HD, 1920 x 1080
Mikania Micrantha (2021)
digitale Collage
Camouflage (2022)
Stoff, künstliches Moos, Draht, Acryl
Gemeinsame Sinneseindrücke (2020 -2021)
Tinte auf Papier
Eine Erzählung (2018)
Gedicht
Der Chitwan-Nationalpark, das erste Schutzgebiet in Nepal, wurde 1973 gegründet, nachdem er über ein Jahrhundert lang ein beliebtes Ziel für die Jagd und den Handel der nepalesischen Könige und britischen Kolonisten war. Seitdem steht er im Zeichen des Schutzes der biologischen Vielfalt und der Entwicklung des Tourismus. Der Nationalpark hat sich im Laufe der Jahre immer weiter ausgedehnt. Dies geht auf Kosten der Lebensgrundlage indigener Gemeinschaften wie Bote, Majhi, Musahar, Kumal, Chepang und Tharu, die von Vertreibungen, Landverlust, Verhaftungen, Folter und sexuellen Übergriffen durch die Streitkräfte betroffen sind. Das Schutzgebietsgesetz erinnert wie viele andere Gesetze der 2015 in Kraft getretenen neuen Verfassung an den autokratischen Monarchiestaat. Die Regierung kann in jedem Gebiet Schutzgebiete und Pufferzonen ausrufen, ohne die lokale und indigene Bevölkerung zu konsultieren. stealing earth zeigt auf, wie die Rhetorik des Naturschutzes genutzt wird, um Land, Wald und Wasser für die Reichen und Mächtigen einzuschließen, während Gemeinschaften, die seit Jahrhunderten eine symbiotische Beziehung zu diesen Gebieten unterhalten, entrechtet werden.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
We Exist (2018)
digitale Fotografien
Stealing Earth (2018)
HD, 1920 x 1080
Mikania Micrantha (2021)
digitale Collage
Camouflage (2022)
Stoff, künstliches Moos, Draht, Acryl
Gemeinsame Sinneseindrücke (2020 -2021)
Tinte auf Papier
Eine Erzählung (2018)
Gedicht
Der Chitwan-Nationalpark, das erste Schutzgebiet in Nepal, wurde 1973 gegründet, nachdem er über ein Jahrhundert lang ein beliebtes Ziel für die Jagd und den Handel der nepalesischen Könige und britischen Kolonisten war. Seitdem steht er im Zeichen des Schutzes der biologischen Vielfalt und der Entwicklung des Tourismus. Der Nationalpark hat sich im Laufe der Jahre immer weiter ausgedehnt. Dies geht auf Kosten der Lebensgrundlage indigener Gemeinschaften wie Bote, Majhi, Musahar, Kumal, Chepang und Tharu, die von Vertreibungen, Landverlust, Verhaftungen, Folter und sexuellen Übergriffen durch die Streitkräfte betroffen sind. Das Schutzgebietsgesetz erinnert wie viele andere Gesetze der 2015 in Kraft getretenen neuen Verfassung an den autokratischen Monarchiestaat. Die Regierung kann in jedem Gebiet Schutzgebiete und Pufferzonen ausrufen, ohne die lokale und indigene Bevölkerung zu konsultieren. stealing earth zeigt auf, wie die Rhetorik des Naturschutzes genutzt wird, um Land, Wald und Wasser für die Reichen und Mächtigen einzuschließen, während Gemeinschaften, die seit Jahrhunderten eine symbiotische Beziehung zu diesen Gebieten unterhalten, entrechtet werden.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
ÜBER DEN KÜNSTLEr
© Karan Shresta
Karan Shrestha arbeitet mit Zeichnungen, Skulpturen, Fotografien, Texten, Filmen und Videos, die die komplexen, verschlungenen Beziehungen zwischen Menschen, Zeit und Ort thematisieren und die belastete Fortschrittsrhetorik im Zusammenhang mit der jüngsten Geschichte Nepals untersuchen. Shrestha präsentiert Werke, die ein Archiv physischer Landschaften, politischer Geschichten und flüchtiger Erinnerungen sind, sowie eine spekulative Welt, die die Realität außer Kraft setzt und Raum schafft, um über Vorstellungen von der Gegenwart nachzudenken.
Ein kognitiver Prozess (2020-2021)
Fotodrucke auf Plexiglas, 23,6 x 16,6 Zoll / 60cm x 42cm.
Diese Arbeiten sind aus Altafs Interesse an der Erforschung des Konzepts der ökologischen Demokratie im Verhältnis zu den repräsentativen Demokratien entstanden, die wir erlebt haben und die herrschsüchtig und ungerecht sind. Sie schließen nicht nur andere Lebensformen oder Organismen auf dem Planeten aus, sondern grenzen auch bestimmte Teile der menschlichen Gesellschaft aus.
Während der Pandemie wurde ich neugierig darauf, wie unser Leben und das Leben von Tieren und Pflanzen usw. von demokratischen Kommunikationsprinzipien abhängt - wie der Verlust der Vielfalt und das Aussterben verschiedener Arten auch die menschliche Mikrobiota betrifft, die sich auf unsere Gesundheit und unser Wohlbefinden auswirkt - denn Mikrobiotas sind in jedem Lebewesen vorhanden.
Eine kritische Reflexion über den menschlichen Kampf um Errungenschaften ist nicht isoliert von einem gleichzeitigen Zusammenbruch der Umwelt, Konflikten und den Widersprüchen zwischen den Warnzeichen der Umweltwissenschaftler und den gelebten Erfahrungen der Menschen und den Handlungen der Machthaber, einschließlich der dahinter stehenden Politik. Es geht darum, wie die Verfahren der Urbanisierung mit einer Mischung aus Umweltstörungen und -veränderungen einhergingen und wie nicht alle Veränderungen oder Modifikationen von Vorteil waren.
Wasser fließt 2021 -Video [ auf dem linken Monitor ]
Einzelprojektionsvideo, 75 Minuten, Farbe, Ton, Loop
Water flows, ein laufendes Projekt, das von dem kollektiven Versuch der Bürger handelt, ihre Rechte zu nutzen, um Freiräume für die öffentliche Nutzung durch demokratische Verfahren zu retten, wiederherzustellen und zu entwickeln, mit dem Ziel, Mensch und Natur zu integrieren. Eine enge Beziehung zwischen Mensch und Natur hat es historisch gesehen schon immer gegeben. Es geht darum, auf Nachhaltigkeit und eine nachhaltige Ökologie in Mumbai hinzuarbeiten, wo 30 Prozent der Stadt aus Naturgebieten bestehen, die eng mit der Landmasse verbunden sind. "Wenn diese integriert werden, eröffnet das neue Wege, die Idee von Freiräumen zu betrachten, nicht das, was in Entwicklungsplänen reserviert ist, sondern die Idee von Naturgebieten, die eine Idee von Freiräumen bilden, und Menschen, die beginnen, sich mit ihnen zu beschäftigen, um ihren Wert zu verstehen ... und an der Entscheidungsfindung teilzunehmen". [P.K. Das]
Body City Flows 2015 -Video [ auf dem rechten Monitor ]
Einzelprojektionsvideo, 18 Minuten, Farbe, Ton, Loop
Body City Flows befasst sich mit der Frage, wie sich der Missbrauch und die Aneignung natürlicher Ressourcen in Mumbai, das über vier Flusseinzugsgebiete verfügt, auf den Wasserfluss auswirkt. Altaf sieht eine Verbindung zwischen dem Fluss der Flüsse und ihrer Nebenflüsse und dem Gefäßsystem des menschlichen Körpers - seinen Venen und Arterien.
Um eine bessere Wahrnehmung des Lebensflusses sowohl in Bezug auf den menschlichen Körper als auch auf die natürliche Umwelt zu schaffen, enthält das Video neben dem recherchierten und gedrehten Material über vier Flüsse (Mithi, Poiser, Oshiwara und Dahisar) und dem von Ärzten und Krankenhäusern erhaltenen Filmmaterial über den Blutfluss und Verstopfungen im menschlichen Körper auch eine speziell für diese Arbeit erstellte Animation über den Blutfluss sowie ein Gespräch mit Dr. Modak (Gründer der Ekonnect Knowledge Foundation) über die aktuelle Wassersituation in Mumbai.
Die Adern des Körpers, die Wurzeln eines Baumes und das Flussdelta vermitteln visuell ein Gefühl für die Zeitlosigkeit ähnlicher Formen. Die Flüsse sind wie das Blut in den Adern oder die Wurzeln unter den Bäumen, denn sie sind Träger des Lebens und sorgen für Nahrung. Und aufgrund ihrer organischen Verbindung mit der Erde und dem Wasser haben Zivilisationen durch das Flusssystem gedeihen können. Im metaphorischen Sinne wurden Flüsse mit der Seele verglichen, als ob sie die endlose Suche nach Wurzeln oder Wegen zur Erkenntnis und Wahrnehmung der Natur implizieren würden. Hier möchte ich den Kreis schließen, indem ich den Blutfluss des Körpers mit dem heutigen System der Wasserversorgung und dem Zustand der vier Flüsse in Mumbai verbinde.
Standort: Gallery MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
© Navjot Altaf
Navjot Altaf (geb. 1949) ist eine transkulturelle Künstlerin, deren erfindungsreiche multimediale Arbeit politische und ästhetische Anliegen widerspiegelt, die durch dialogische Arbeitsweisen geprägt sind. Ihre Praxis basiert auf der Metapher des Fließens - über Materialität und Theorie, über Ort und Menschen hinweg - und auf der Suche nach einer transdisziplinären Perspektive, in der sich Untersuchung und Selbstbefragung überschneiden. Ihre ideologischen Positionen reichen vom Marxismus in den 1970er Jahren über den Feminismus in den 1980er-1990er Jahren bis hin zum Ökofeminismus seit Anfang 2000, wobei sie sich kritisch mit den Überschneidungen zwischen natürlichen Systemen, Gemeinschaftswachstum und Entwicklung auseinandersetzt.
Ihr intellektueller Werdegang ist ebenso wie ihr kreativer Prozess durch Lebenserfahrungen und theoretische Lektüre geprägt und beinhaltet eine nachhaltige Auseinandersetzung mit indigenen Kulturen, lokalen Wissenssystemen, Ökologie und sozialer Gerechtigkeit. Er ist von Komplexität, Konflikten und phantasievollen Wendungen geprägt. Ausgehend von einer formalistischen Ausbildung in der westlichen Moderne war sie auf der Suche nach einer konzeptuellen und künstlerischen Sprache durch Formen der "kritischen Verortung" oder der erfahrungsmäßigen Zugehörigkeit zu verschiedenen Orten. Dies hat sie dazu veranlasst, in Bombay und Bastar zu arbeiten, sich mit der Lebenswelt der Adivasi, mit Adivasi-Künstlern sowie mit Künstlern und Forschern aus anderen Teilen Indiens und darüber hinaus auseinanderzusetzen.
Ihre umfassenden Dialoge mit Adivasi-Gemeinschaften und Künstlern führten zur Mitbegründung der Dialogue Interactive Artists' Association (DIAA, 2000) in Kondegaon, Bastar, die sich darauf konzentriert, eine integrative und experimentelle Plattform für gleiche ästhetische Rechte zu schaffen und gleichzeitig Systeme der Wissensproduktion zu untersuchen. Ihr Engagement in Forschung und Praxis besteht darin, die Beziehung zwischen Tiefenökologie, Nachhaltigkeit und Spiritualität zu verstehen, wobei der Schwerpunkt auf der Umweltphilosophie liegt. Rückblickend betrachtet sie die Forschung als einen fortlaufenden Prozess im Dialog mit verschiedenen Formen des kreativen Denkens.
Fotodrucke auf Plexiglas, 23,6 x 16,6 Zoll / 60cm x 42cm.
Diese Arbeiten sind aus Altafs Interesse an der Erforschung des Konzepts der ökologischen Demokratie im Verhältnis zu den repräsentativen Demokratien entstanden, die wir erlebt haben und die herrschsüchtig und ungerecht sind. Sie schließen nicht nur andere Lebensformen oder Organismen auf dem Planeten aus, sondern grenzen auch bestimmte Teile der menschlichen Gesellschaft aus.
Während der Pandemie wurde ich neugierig darauf, wie unser Leben und das Leben von Tieren und Pflanzen usw. von demokratischen Kommunikationsprinzipien abhängt - wie der Verlust der Vielfalt und das Aussterben verschiedener Arten auch die menschliche Mikrobiota betrifft, die sich auf unsere Gesundheit und unser Wohlbefinden auswirkt - denn Mikrobiotas sind in jedem Lebewesen vorhanden.
Eine kritische Reflexion über den menschlichen Kampf um Errungenschaften ist nicht isoliert von einem gleichzeitigen Zusammenbruch der Umwelt, Konflikten und den Widersprüchen zwischen den Warnzeichen der Umweltwissenschaftler und den gelebten Erfahrungen der Menschen und den Handlungen der Machthaber, einschließlich der dahinter stehenden Politik. Es geht darum, wie die Verfahren der Urbanisierung mit einer Mischung aus Umweltstörungen und -veränderungen einhergingen und wie nicht alle Veränderungen oder Modifikationen von Vorteil waren.
Wasser fließt 2021 -Video [ auf dem linken Monitor ]
Einzelprojektionsvideo, 75 Minuten, Farbe, Ton, Loop
Water flows, ein laufendes Projekt, das von dem kollektiven Versuch der Bürger handelt, ihre Rechte zu nutzen, um Freiräume für die öffentliche Nutzung durch demokratische Verfahren zu retten, wiederherzustellen und zu entwickeln, mit dem Ziel, Mensch und Natur zu integrieren. Eine enge Beziehung zwischen Mensch und Natur hat es historisch gesehen schon immer gegeben. Es geht darum, auf Nachhaltigkeit und eine nachhaltige Ökologie in Mumbai hinzuarbeiten, wo 30 Prozent der Stadt aus Naturgebieten bestehen, die eng mit der Landmasse verbunden sind. "Wenn diese integriert werden, eröffnet das neue Wege, die Idee von Freiräumen zu betrachten, nicht das, was in Entwicklungsplänen reserviert ist, sondern die Idee von Naturgebieten, die eine Idee von Freiräumen bilden, und Menschen, die beginnen, sich mit ihnen zu beschäftigen, um ihren Wert zu verstehen ... und an der Entscheidungsfindung teilzunehmen". [P.K. Das]
Body City Flows 2015 -Video [ auf dem rechten Monitor ]
Einzelprojektionsvideo, 18 Minuten, Farbe, Ton, Loop
Body City Flows befasst sich mit der Frage, wie sich der Missbrauch und die Aneignung natürlicher Ressourcen in Mumbai, das über vier Flusseinzugsgebiete verfügt, auf den Wasserfluss auswirkt. Altaf sieht eine Verbindung zwischen dem Fluss der Flüsse und ihrer Nebenflüsse und dem Gefäßsystem des menschlichen Körpers - seinen Venen und Arterien.
Um eine bessere Wahrnehmung des Lebensflusses sowohl in Bezug auf den menschlichen Körper als auch auf die natürliche Umwelt zu schaffen, enthält das Video neben dem recherchierten und gedrehten Material über vier Flüsse (Mithi, Poiser, Oshiwara und Dahisar) und dem von Ärzten und Krankenhäusern erhaltenen Filmmaterial über den Blutfluss und Verstopfungen im menschlichen Körper auch eine speziell für diese Arbeit erstellte Animation über den Blutfluss sowie ein Gespräch mit Dr. Modak (Gründer der Ekonnect Knowledge Foundation) über die aktuelle Wassersituation in Mumbai.
Die Adern des Körpers, die Wurzeln eines Baumes und das Flussdelta vermitteln visuell ein Gefühl für die Zeitlosigkeit ähnlicher Formen. Die Flüsse sind wie das Blut in den Adern oder die Wurzeln unter den Bäumen, denn sie sind Träger des Lebens und sorgen für Nahrung. Und aufgrund ihrer organischen Verbindung mit der Erde und dem Wasser haben Zivilisationen durch das Flusssystem gedeihen können. Im metaphorischen Sinne wurden Flüsse mit der Seele verglichen, als ob sie die endlose Suche nach Wurzeln oder Wegen zur Erkenntnis und Wahrnehmung der Natur implizieren würden. Hier möchte ich den Kreis schließen, indem ich den Blutfluss des Körpers mit dem heutigen System der Wasserversorgung und dem Zustand der vier Flüsse in Mumbai verbinde.
Standort: Gallery MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Über die Künstlerin
© Navjot Altaf
Navjot Altaf (geb. 1949) ist eine transkulturelle Künstlerin, deren erfindungsreiche multimediale Arbeit politische und ästhetische Anliegen widerspiegelt, die durch dialogische Arbeitsweisen geprägt sind. Ihre Praxis basiert auf der Metapher des Fließens - über Materialität und Theorie, über Ort und Menschen hinweg - und auf der Suche nach einer transdisziplinären Perspektive, in der sich Untersuchung und Selbstbefragung überschneiden. Ihre ideologischen Positionen reichen vom Marxismus in den 1970er Jahren über den Feminismus in den 1980er-1990er Jahren bis hin zum Ökofeminismus seit Anfang 2000, wobei sie sich kritisch mit den Überschneidungen zwischen natürlichen Systemen, Gemeinschaftswachstum und Entwicklung auseinandersetzt. Ihr intellektueller Werdegang ist ebenso wie ihr kreativer Prozess durch Lebenserfahrungen und theoretische Lektüre geprägt und beinhaltet eine nachhaltige Auseinandersetzung mit indigenen Kulturen, lokalen Wissenssystemen, Ökologie und sozialer Gerechtigkeit. Er ist von Komplexität, Konflikten und phantasievollen Wendungen geprägt. Ausgehend von einer formalistischen Ausbildung in der westlichen Moderne war sie auf der Suche nach einer konzeptuellen und künstlerischen Sprache durch Formen der "kritischen Verortung" oder der erfahrungsmäßigen Zugehörigkeit zu verschiedenen Orten. Dies hat sie dazu veranlasst, in Bombay und Bastar zu arbeiten, sich mit der Lebenswelt der Adivasi, mit Adivasi-Künstlern sowie mit Künstlern und Forschern aus anderen Teilen Indiens und darüber hinaus auseinanderzusetzen.
Ihre umfassenden Dialoge mit Adivasi-Gemeinschaften und Künstlern führten zur Mitbegründung der Dialogue Interactive Artists' Association (DIAA, 2000) in Kondegaon, Bastar, die sich darauf konzentriert, eine integrative und experimentelle Plattform für gleiche ästhetische Rechte zu schaffen und gleichzeitig Systeme der Wissensproduktion zu untersuchen. Ihr Engagement in Forschung und Praxis besteht darin, die Beziehung zwischen Tiefenökologie, Nachhaltigkeit und Spiritualität zu verstehen, wobei der Schwerpunkt auf der Umweltphilosophie liegt. Rückblickend betrachtet sie die Forschung als einen fortlaufenden Prozess im Dialog mit verschiedenen Formen des kreativen Denkens.
1. Parag Tandel
(Installationen 2022)
1. The coast is clear: Underscapes & आमचं तं सगलंच गेलं?/ We have lost everything?
2. Into the Bones'
3. 'Estuaries of waning sounds-2'
Eine Dokumentation eines Waldes im Wald - das ist das uralte Gefühl der Tandel-Gemeinschaft, die den Ozean als Wald wahrnimmt. Die Vertreibung der Krabben aus dem Zahnputz ist eine allegorische Darstellung der Gefühle meiner Gemeinschaft, die das Trauma von Vertreibung und Verlust durchlebt.
Die skulpturale Installation 'Into the Bones' ist eine vergleichende Untersuchung zwischen der irdischen Kultur an Land und im Meer. Hier ist die materielle Kultur sehr wichtig für den Zyklus der Bilderzeugung, jedes Material erschafft das Bild im Kopf, wenn wir es rezitieren, es schafft Mind-Maps der Anthropologie, die Technik, die für die Formulierung verwendet wird, ist als Dokhra-Kunsthandwerk bekannt.
'Estuaries of waning sounds-2' sozial engagiertes Pop-up-Museum der einheimischen Fischerstämme von Mumbai, ein Museum des sprachlichen Erbes, Koli-Stämme haben ihren eigenen Jargon, der mit dem Leben im Meer verbunden ist. Sprache" ist eine archäologische Stätte, um ihre vergangenen Erzählungen zu enträtseln, die sie seit der Steinzeit mit ihrer Intuition verbinden. In diesen Klimakrisen sehnen wir uns nach einer Sprache, die uns über langfristige Nachhaltigkeit informiert.
In jeder Arbeit wird untersucht, wie die Felder im Material in ein neues Werkzeug umgewandelt werden können. Excavation of language as locality untersucht Luft als Element, das mit Klang als Entität verbunden ist. Papier als einfache Substanz wandert über die Membranen von Land und Wasser hinaus und verändert sich selbst, es dient als flüssiger Formwandler.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Ort: Rasenfläche des Kindermuseums, CSMVS
© Parag Tandel
Parag Tandel (geb. 1978) ist ein in Mumbai lebender Künstler mit einem Post-Diplom in kreativer Bildhauerei von der M. S University, Baroda (2005) und einem Diplom in Bildhauerei und Modellieren von der Sir J.J School of Art, Mumbai (2003). Zu Tandels Einzelausstellungen gehören Pregnant Room 1 und Pregnant Room 2, die beide in der Pundole Art Gallery, Mumbai, gezeigt wurden (2008 & 2010), Chronicleat TARQ, Mumbai (2016) und Autopolisphilia, kuratiert von Noopur Desai in der Sudarshan Art Gallery, Pune, Indien (2018). Er hat auch an verschiedenen Gruppenausstellungen in Indien teilgenommen, darunter Baroda March, Mumbai (2015); Small is Big, Durbar Hall, Kochi (2013); Earth Art Project Tansa, Arka Art Trust, Mumbai (2013); Upvan Art Festival, Thane (2013); Small is Beautiful, Tao Art Gallery, Mumbai (2012); The Art of Drawing, The Guild, Mumbai (2011); TAKE 2, Aarushi Arts, Delhi (2011); Untitled 2010, Artkonsult, Delhi (2010); und AvaGard, Threshold Art Gallery, Delhi (2009) und andere.
Zu seinen Kunstprojekten im öffentlichen Raum zählen Tandel Fund of Archives, Pop-up Museum of Fisherfolk, Mumbai (2020 & 2019); (En)counters- Daily Rations Public art project, kuratiert von Artoxygen, Breathing art works, Mumbai (2017); Geographies of consumptions, Mumbai (2015); Big Catch, Kala Ghoda Arts Festival, Mumbai (2012); und Sandarbh, Rajasthan (2011). Tandel wurde mit dem Jhunjhunwala Scholarship Award (2003), dem Maharashtra State Art Award (2003) und dem All India Art and Craft Society State Award (2003) ausgezeichnet. Darüber hinaus hat er an Residenzen im Banboo Curtain Studio, Taiwan (2018), Piramal Art Residency (2017), Space 118 (2015), Mumbai und in Partapur, Rajasthan teilgenommen.
Er lebt und arbeitet derzeit in Thane, Mumbai.
(Installationen 2022)
1. The coast is clear: Underscapes & आमचं तं सगलंच गेलं?/ We have lost everything?
2. Into the Bones'
3. 'Estuaries of waning sounds-2'
Eine Dokumentation eines Waldes im Wald - das ist das uralte Gefühl der Tandel-Gemeinschaft, die den Ozean als Wald wahrnimmt. Die Vertreibung der Krabben aus dem Zahnputz ist eine allegorische Darstellung der Gefühle meiner Gemeinschaft, die das Trauma von Vertreibung und Verlust durchlebt.
Die skulpturale Installation 'Into the Bones' ist eine vergleichende Untersuchung zwischen der irdischen Kultur an Land und im Meer. Hier ist die materielle Kultur sehr wichtig für den Zyklus der Bilderzeugung, jedes Material erschafft das Bild im Kopf, wenn wir es rezitieren, es schafft Mind-Maps der Anthropologie, die Technik, die für die Formulierung verwendet wird, ist als Dokhra-Kunsthandwerk bekannt.
'Estuaries of waning sounds-2' sozial engagiertes Pop-up-Museum der einheimischen Fischerstämme von Mumbai, ein Museum des sprachlichen Erbes, Koli-Stämme haben ihren eigenen Jargon, der mit dem Leben im Meer verbunden ist. Sprache" ist eine archäologische Stätte, um ihre vergangenen Erzählungen zu enträtseln, die sie seit der Steinzeit mit ihrer Intuition verbinden. In diesen Klimakrisen sehnen wir uns nach einer Sprache, die uns über langfristige Nachhaltigkeit informiert.
In jeder Arbeit wird untersucht, wie die Felder im Material in ein neues Werkzeug umgewandelt werden können. Excavation of language as locality untersucht Luft als Element, das mit Klang als Entität verbunden ist. Papier als einfache Substanz wandert über die Membranen von Land und Wasser hinaus und verändert sich selbst, es dient als flüssiger Formwandler.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Ort: Rasenfläche des Kindermuseums, CSMVS
ÜBER DEN KÜNSTLER
© Parag Tandel
Parag Tandel (geb. 1978) ist ein in Mumbai lebender Künstler mit einem Post-Diplom in kreativer Bildhauerei von der M. S University, Baroda (2005) und einem Diplom in Bildhauerei und Modellieren von der Sir J.J School of Art, Mumbai (2003). Zu Tandels Einzelausstellungen gehören Pregnant Room 1 und Pregnant Room 2, die beide in der Pundole Art Gallery, Mumbai, gezeigt wurden (2008 & 2010), Chronicleat TARQ, Mumbai (2016) und Autopolisphilia, kuratiert von Noopur Desai in der Sudarshan Art Gallery, Pune, Indien (2018). Er hat auch an verschiedenen Gruppenausstellungen in Indien teilgenommen, darunter Baroda March, Mumbai (2015); Small is Big, Durbar Hall, Kochi (2013); Earth Art Project Tansa, Arka Art Trust, Mumbai (2013); Upvan Art Festival, Thane (2013); Small is Beautiful, Tao Art Gallery, Mumbai (2012); The Art of Drawing, The Guild, Mumbai (2011); TAKE 2, Aarushi Arts, Delhi (2011); Untitled 2010, Artkonsult, Delhi (2010); und AvaGard, Threshold Art Gallery, Delhi (2009) und andere. Zu seinen Kunstprojekten im öffentlichen Raum zählen Tandel Fund of Archives, Pop-up Museum of Fisherfolk, Mumbai (2020 & 2019); (En)counters- Daily Rations Public art project, kuratiert von Artoxygen, Breathing art works, Mumbai (2017); Geographies of consumptions, Mumbai (2015); Big Catch, Kala Ghoda Arts Festival, Mumbai (2012); und Sandarbh, Rajasthan (2011). Tandel wurde mit dem Jhunjhunwala Scholarship Award (2003), dem Maharashtra State Art Award (2003) und dem All India Art and Craft Society State Award (2003) ausgezeichnet. Darüber hinaus hat er an Residenzen im Banboo Curtain Studio, Taiwan (2018), Piramal Art Residency (2017), Space 118 (2015), Mumbai und in Partapur, Rajasthan teilgenommen.
Er lebt und arbeitet derzeit in Thane, Mumbai.
Paribartana Mohanty
Liebes Dokument Fukushima
Videoinstallation mit mehreren Bildschirmen
Dauer variabel (Loop)
2014-2021
Flüssiger Elefant und der Spiegel, 1 min, 2014-2021
Das Glasfenster spiegelt. Reflektiert den Nachbarn. Das Bild des Kernkraftwerks Daichi ist fast drei Kilometer weit gereist, um sich im Glasfenster des Nachbarn zu spiegeln. Es hat den Zaun überquert. Das tut es immer. Und in Zukunft wird es auf ewig an unserer Vorstellungskraft vorbeiziehen, so wie Bodhisattva ohne ihre Erlaubnis in den Traum der Königin Maya eindrang.
Liebes Dokument Fukushima Nr. 3, 1 min, 2014-2021
Ein nuklear verstrahlter Raum erschöpft sich nie, er scheint sich in einer Endlosschleife zu befinden. Was sich in dieser Endlosschleife manifestiert, ist Abstraktion.
Dear Document Fukushima No. 4, (Hey, was in aller Welt ist dieses Loch?) 1 min, 2014-2021
Wir geben vor, uns zu kümmern, wir geben vor, zu heilen. Wir sind rhetorische Spieler.
A Sacred Utterance, 3.45 min, 2014-2021
Umbrical Cord, 1.49 min, 2014-2021
Liebes Dokument Fukushima Nr.17, 40 sec, 2014-2021
Viele nahmen die Atomkatastrophe von Tschernobyl zum Anlass, dem Land zu dienen. Die Krise war geprägt von einem propagandistischen Nationalismus. Es gibt immer noch Plakate, auf denen zu lesen ist: "Unser Ziel ist das Glück der gesamten Menschheit." "Das Weltproletariat wird siegen." Und "Die Ideen Lenins sind unsterblich".
Auf einem stand: "Um zu beten, gab es früher den Kommunismus statt Gott, aber jetzt gibt es nichts mehr, also beten sie zu Gott."
Manchmal verliere ich meinen Verstand. Dies ist dieser Moment
Hier arbeitet eine Uhr, 1.3 min, 2014-2021
Es fühlt sich an, als ob der Evakuierungsprozess immer noch andauert. Eine Uhr funktioniert noch. Unter Tausenden von toten Uhren funktioniert noch eine. Sie zeigt die Zeit an, die der Zeit entspricht, die wir dorthin gebracht haben - genau 9.40 Uhr am Morgen. Ein Register unseres Treffens. Wir haben die Zeit notiert. Die Uhr machte einen Vermerk über uns am 19. März 2014.
Ein Gebet und die Beute, 1.37 min, 2014-2021
Liebes Dokument Fukushima Nr. 19, 1.24 min, 2014-2021
The Hubris, 40 sec, 2014-2021
An einem Ort der Katastrophe sind alle Formen von Referenzen gültig. So haben sie sich an die Katastrophe erinnert. So haben sie überlebt.
Eine Traumsequenz (Begegnung), 1 min, 2014-2021
Kamerabrecher, 4.23 min, 2014-2021
Liebes Dokument Fukushima Nr. 21 (Überall Fukushima Überall Fukushima), 1 min, 2014-2021
Ich habe dieses Foto von Pilgern aus Odisha im radioaktiven Pazifik in Fukushima nebeneinander gestellt. Sie warten darauf, ob sie das Wasser berühren und ihr Ritual durchführen können. Für die Sünden der Menschheit könnte Fukushima die Pilgerstätte der Zukunft werden.
Liebes Dokument Fukushima Nr. 23, 1 min, 2014-2021
Ein Vorschlag für ein Fußballfeld, 2.6 min, 2014-2021
Setsuko, 57 Sekunden, 2014-2021
Setsuko Yokokawa ist ein Kleinkind und die jüngere Schwester von Seita Yokokawa in dem Studio-Ghibli-Film Grave of the Fireflies. Sie wurde 1941 geboren, stirbt aber gegen Ende des Films im Jahr 1945.
Liebes Dokument Fukushima Nr. 6, 1 min, 2014-2021
1986 assoziierten die Einwohner Weißrusslands die Nuklearkatastrophe von Tschernobyl und die Strahlung sowie die Nachwirkungen dieser Katastrophe mit Kommunismus, Krieg und Krankheit. Heute, in der Zeit der Covid-Pandemie, sind wir mit dem Bild von Handschuhen, Masken und PSA-Ausrüstungen umgeben. Es scheint, als ob wir, die liberalen säkularen Künstler, Wissenschaftler, Aktivisten und die Öffentlichkeit im Allgemeinen, in einer seltsamen Raumzeit an diesem ungewöhnlichen, seltsamen Punkt zwischen Gegenwart und Zukunft hängen, genau wie diese Gummihandschuhe in Fukushima.
Wie Masken schützen uns auch Handschuhe vor dem, was eine bloße Hand nicht berühren sollte. Ich frage mich, wie sich diese "Unberührbarkeit" von der Kaste unterscheidet?
A Dream Sequence, 6.24 min, 2014-2021
Das wilde verlassene Fukushima ist der Lebensraum anderer Sterblicher. Die innere Chemie solcher Orte provoziert imaginäre Schauspiele im Kopf und prophezeit ein Gefühl von unerschöpflicher Zeit, allzu vertraut und fremd zugleich.
Wie kann man solche Zonen oder Prophezeiungen begreifen, die sich zu wilden Zufluchtsorten neuer mutierender Tiere, Flora und Fauna oder zu Aufbewahrungsorten der Untoten wie in einem Naturkundemuseum entwickeln?
Das Projekt "Dear Document Fukushima" nähert sich der audiovisuellen Dokumentation der radioaktiven Ausschlusszone von Fukushima als potenzielle Entwürfe für den "Horror Vacui" (die Angst vor dem leeren Raum), ein Begriff, der in der frühen Kartografie verwendet wurde, um die Tendenz zu beschreiben, diese unentdeckten leeren Räume mit fiktiven dekorativen Tier-, Flora- und Faunadesigns in den Prozessen der Kartenerstellung zu füllen. Jedes vermittelte Bild von Fukushima ist ein Dokument, keine Aufzeichnung oder Zeugenaussage eines nuklearen Unfalls, der sich am 11. März 2011 ereignete, sondern ein Wesen, das Leben, Tentakel und Einfluss hat. All diese Bilder sind so wild wie die künstlerischen Interventionen, Handlungen oder Performances, die in den wandernden Zeit- und Erinnerungsschleifen dieser Orte hängen bleiben. Sie eröffnen eine rätselhafte, gefährliche und unverständliche Zone, die Fredric Jameson als "radikal anderen Raum" bezeichnet.
Die Dokumentation von Fukushima kann parallel zu anderen verlassenen Orten auf der Erdoberfläche wie Tschernobyl oder der Minamata-Bucht und vielen neu entstehenden Ödlandgebieten betrachtet werden, die durch Verschüttung, Krieg, Klimawandel, Bergbau, Strahlung, Verschmutzung, Grenzstreitigkeiten und Niemandsland usw. der menschlichen Besiedlung entgleiten. In unseren geschlossenen, überfüllten Städten leben wir unbewusst parallel zu solchen Hyperwelten, die Michel Foucault als "Heterotopien" bezeichnet, die dem Menschen feindlich erscheinen, aber viele unerhörte Geschichten der Zukunft verbergen.
Dear Document Fukushima" ist ein forschungsbasiertes Multi-Screen-Videoinstallationsprojekt (bestehend aus Videos, Bildern und Text). Die Arbeit spekuliert über Umwelt-Katastrophen-Landschaften, befragt nicht-menschliche Akteure, Charaktere und Positionen rund um urbane Ödlandschaften und deren Intensität und ruft sie auf. Das Projekt und das Engagement wurden während Paribartana Mohantys erstem Besuch in Fukushima 2014 zusammen mit Yoi Kuwakubo, Pedro Inoue, Irwan Ahmet und Tita Salina initiiert.
Projekt-Link: https://paribartanamohanty.wordpress.com/2017/03/22/dear-document-fukushima/
Referenzen:
Archaeologies of the Future: The Desire Called Utopia and Other Science Fictions, Fredric Jameson.
Von anderen Räumen: Utopien und Heterotopien, Michel Foucault.
'How Cartographers Confronted Empty Spaces', Ausstellung, Harvard Map Collection, Pusey Library, 12. November 2015
He-y, come on ou-t!, eine Kurzgeschichte von Shinichi Hoshi, übersetzt von Stanleigh Jones. Diese Geschichte erschien in The Best Japanese Science Fiction Stories, herausgegeben von John L. Apostolou und Martin H. Greenberg (1989).
Standort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
© Paribartana Mohanty
Paribartana Mohanty (geb. 1982) ist ein in Delhi lebender Geschichtenerzähler. Er erwarb einen Master-Abschluss in Kunstgeschichte am National Museum Institute, Neu-Delhi (2006), und einen Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst am Dhauli College of Art and craft, Bhubaneswar (2004). In seinen jüngsten Arbeiten untersucht er, wie sich die ländlichen Landschaften in den Küstenbezirken von Odisha aufgrund der zahlreichen Umweltkatastrophen in der Region, insbesondere nach dem berüchtigten Super-Zyklon von 1999, rasch verändern. Paribartanas Arbeit spekuliert über die entstehenden apokalyptischen Landschaften nach der Katastrophe, den Kampf um den Lebensunterhalt, den Verlust der Kultur und die Umweltzerstörung und darüber, wie neue Kommunikationstechnologien, öffentliche Maßnahmen, bestimmte Gemeinschaften und Einzelpersonen zu diesen Veränderungen beitragen.
Paribartana hat mehrere Stipendien, Preise und Aufenthalte erhalten, darunter eine Nominierung für Asiens führenden Preis für Medienkünstler - den 4. VH-Preis und einen Online-Aufenthalt bei EyeBeam, die Auseinandersetzung mit der Frage des "kritischen Tourismus" bei Art Inside Out in Schweden, das Onassis International Residency Program in Athen, das SOMA Summer Program in Mexiko, Atelieraufenthaltsprogramm an der Skowhegan School of Painting and Sculpture, New York, Gaststipendium am South Asia Institute, Harvard University, Boston, Tokyo Wonder Site International Creator Residency, FICA Emerging Artist Award und City as Studio 1, Sarai-CSDS Media Lab Associate Fellowship for Contemporary Art and Media Practices usw. Er arbeitete als einer der Kuratoren für die Kochi Students' Biennale als Teil der Kochi Muziris Biennale 2016. Er ist auch Teil des Künstlerkollektivs WALA und organisiert Treffen, Versammlungen, öffentliche Performances und Führungen. Paribartana hatte seine zweite Einzelausstellung "Trees are Stranger Than Aliens in the Movies" in der Vadehra Art Gallery, New Delhi, 2018. Er präsentierte und performte auf dem March Meeting 2018, Sharjah, School of Arts and Aesthetics (JNU), InC gathering of artists, Dhalao and Sarai Reader CSDS, New Delhi, Kochi Muziris Biennale Symposia On the Future of Art Education in India, Taj Ske residency 2015 in Bangalore und vielen anderen. Seine Videos, Gemälde und Installationen wurden in zahlreichen Gruppenausstellungen, Filmfestivals, Seminaren und Symposien ausgestellt.
Liebes Dokument Fukushima
Videoinstallation mit mehreren Bildschirmen
Dauer variabel (Loop)
2014-2021
Flüssiger Elefant und der Spiegel, 1 min, 2014-2021
Das Glasfenster spiegelt. Reflektiert den Nachbarn. Das Bild des Kernkraftwerks Daichi ist fast drei Kilometer weit gereist, um sich im Glasfenster des Nachbarn zu spiegeln. Es hat den Zaun überquert. Das tut es immer. Und in Zukunft wird es auf ewig an unserer Vorstellungskraft vorbeiziehen, so wie Bodhisattva ohne ihre Erlaubnis in den Traum der Königin Maya eindrang.
Liebes Dokument Fukushima Nr. 3, 1 min, 2014-2021
Ein nuklear verstrahlter Raum erschöpft sich nie, er scheint sich in einer Endlosschleife zu befinden. Was sich in dieser Endlosschleife manifestiert, ist Abstraktion.
Dear Document Fukushima No. 4, (Hey, was in aller Welt ist dieses Loch?) 1 min, 2014-2021
Wir geben vor, uns zu kümmern, wir geben vor, zu heilen. Wir sind rhetorische Spieler.
A Sacred Utterance, 3.45 min, 2014-2021
Umbrical Cord, 1.49 min, 2014-2021
Liebes Dokument Fukushima Nr.17, 40 sec, 2014-2021
Viele nahmen die Atomkatastrophe von Tschernobyl zum Anlass, dem Land zu dienen. Die Krise war geprägt von einem propagandistischen Nationalismus. Es gibt immer noch Plakate, auf denen zu lesen ist: "Unser Ziel ist das Glück der gesamten Menschheit." "Das Weltproletariat wird siegen." Und "Die Ideen Lenins sind unsterblich".
Auf einem stand: "Um zu beten, gab es früher den Kommunismus statt Gott, aber jetzt gibt es nichts mehr, also beten sie zu Gott."
Manchmal verliere ich meinen Verstand. Dies ist dieser Moment
Hier arbeitet eine Uhr, 1.3 min, 2014-2021
Es fühlt sich an, als ob der Evakuierungsprozess immer noch andauert. Eine Uhr funktioniert noch. Unter Tausenden von toten Uhren funktioniert noch eine. Sie zeigt die Zeit an, die der Zeit entspricht, die wir dorthin gebracht haben - genau 9.40 Uhr am Morgen. Ein Register unseres Treffens. Wir haben die Zeit notiert. Die Uhr machte einen Vermerk über uns am 19. März 2014.
Ein Gebet und die Beute, 1.37 min, 2014-2021
Liebes Dokument Fukushima Nr. 19, 1.24 min, 2014-2021
The Hubris, 40 sec, 2014-2021
An einem Ort der Katastrophe sind alle Formen von Referenzen gültig. So haben sie sich an die Katastrophe erinnert. So haben sie überlebt.
Eine Traumsequenz (Begegnung), 1 min, 2014-2021
Kamerabrecher, 4.23 min, 2014-2021
Liebes Dokument Fukushima Nr. 21 (Überall Fukushima Überall Fukushima), 1 min, 2014-2021
Ich habe dieses Foto von Pilgern aus Odisha im radioaktiven Pazifik in Fukushima nebeneinander gestellt. Sie warten darauf, ob sie das Wasser berühren und ihr Ritual durchführen können. Für die Sünden der Menschheit könnte Fukushima die Pilgerstätte der Zukunft werden.
Liebes Dokument Fukushima Nr. 23, 1 min, 2014-2021
Ein Vorschlag für ein Fußballfeld, 2.6 min, 2014-2021
Setsuko, 57 Sekunden, 2014-2021
Setsuko Yokokawa ist ein Kleinkind und die jüngere Schwester von Seita Yokokawa in dem Studio-Ghibli-Film Grave of the Fireflies. Sie wurde 1941 geboren, stirbt aber gegen Ende des Films im Jahr 1945.
Liebes Dokument Fukushima Nr. 6, 1 min, 2014-2021
1986 assoziierten die Einwohner Weißrusslands die Nuklearkatastrophe von Tschernobyl und die Strahlung sowie die Nachwirkungen dieser Katastrophe mit Kommunismus, Krieg und Krankheit. Heute, in der Zeit der Covid-Pandemie, sind wir mit dem Bild von Handschuhen, Masken und PSA-Ausrüstungen umgeben. Es scheint, als ob wir, die liberalen säkularen Künstler, Wissenschaftler, Aktivisten und die Öffentlichkeit im Allgemeinen, in einer seltsamen Raumzeit an diesem ungewöhnlichen, seltsamen Punkt zwischen Gegenwart und Zukunft hängen, genau wie diese Gummihandschuhe in Fukushima.
Wie Masken schützen uns auch Handschuhe vor dem, was eine bloße Hand nicht berühren sollte. Ich frage mich, wie sich diese "Unberührbarkeit" von der Kaste unterscheidet?
A Dream Sequence, 6.24 min, 2014-2021
Das wilde verlassene Fukushima ist der Lebensraum anderer Sterblicher. Die innere Chemie solcher Orte provoziert imaginäre Schauspiele im Kopf und prophezeit ein Gefühl von unerschöpflicher Zeit, allzu vertraut und fremd zugleich.
Wie kann man solche Zonen oder Prophezeiungen begreifen, die sich zu wilden Zufluchtsorten neuer mutierender Tiere, Flora und Fauna oder zu Aufbewahrungsorten der Untoten wie in einem Naturkundemuseum entwickeln?
Das Projekt "Dear Document Fukushima" nähert sich der audiovisuellen Dokumentation der radioaktiven Ausschlusszone von Fukushima als potenzielle Entwürfe für den "Horror Vacui" (die Angst vor dem leeren Raum), ein Begriff, der in der frühen Kartografie verwendet wurde, um die Tendenz zu beschreiben, diese unentdeckten leeren Räume mit fiktiven dekorativen Tier-, Flora- und Faunadesigns in den Prozessen der Kartenerstellung zu füllen. Jedes vermittelte Bild von Fukushima ist ein Dokument, keine Aufzeichnung oder Zeugenaussage eines nuklearen Unfalls, der sich am 11. März 2011 ereignete, sondern ein Wesen, das Leben, Tentakel und Einfluss hat. All diese Bilder sind so wild wie die künstlerischen Interventionen, Handlungen oder Performances, die in den wandernden Zeit- und Erinnerungsschleifen dieser Orte hängen bleiben. Sie eröffnen eine rätselhafte, gefährliche und unverständliche Zone, die Fredric Jameson als "radikal anderen Raum" bezeichnet.
Die Dokumentation von Fukushima kann parallel zu anderen verlassenen Orten auf der Erdoberfläche wie Tschernobyl oder der Minamata-Bucht und vielen neu entstehenden Ödlandgebieten betrachtet werden, die durch Verschüttung, Krieg, Klimawandel, Bergbau, Strahlung, Verschmutzung, Grenzstreitigkeiten und Niemandsland usw. der menschlichen Besiedlung entgleiten. In unseren geschlossenen, überfüllten Städten leben wir unbewusst parallel zu solchen Hyperwelten, die Michel Foucault als "Heterotopien" bezeichnet, die dem Menschen feindlich erscheinen, aber viele unerhörte Geschichten der Zukunft verbergen.
Dear Document Fukushima" ist ein forschungsbasiertes Multi-Screen-Videoinstallationsprojekt (bestehend aus Videos, Bildern und Text). Die Arbeit spekuliert über Umwelt-Katastrophen-Landschaften, befragt nicht-menschliche Akteure, Charaktere und Positionen rund um urbane Ödlandschaften und deren Intensität und ruft sie auf. Das Projekt und das Engagement wurden während Paribartana Mohantys erstem Besuch in Fukushima 2014 zusammen mit Yoi Kuwakubo, Pedro Inoue, Irwan Ahmet und Tita Salina initiiert.
Projekt-Link: https://paribartanamohanty.wordpress.com/2017/03/22/dear-document-fukushima/
Referenzen:
Archaeologies of the Future: The Desire Called Utopia and Other Science Fictions, Fredric Jameson.
Von anderen Räumen: Utopien und Heterotopien, Michel Foucault.
'How Cartographers Confronted Empty Spaces', Ausstellung, Harvard Map Collection, Pusey Library, 12. November 2015
He-y, come on ou-t!, eine Kurzgeschichte von Shinichi Hoshi, übersetzt von Stanleigh Jones. Diese Geschichte erschien in The Best Japanese Science Fiction Stories, herausgegeben von John L. Apostolou und Martin H. Greenberg (1989).
Standort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
ÜBER Den Künstler
© Paribartana Mohanty
Paribartana Mohanty (geb. 1982) ist ein in Delhi lebender Geschichtenerzähler. Er erwarb einen Master-Abschluss in Kunstgeschichte am National Museum Institute, Neu-Delhi (2006), und einen Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst am Dhauli College of Art and craft, Bhubaneswar (2004). In seinen jüngsten Arbeiten untersucht er, wie sich die ländlichen Landschaften in den Küstenbezirken von Odisha aufgrund der zahlreichen Umweltkatastrophen in der Region, insbesondere nach dem berüchtigten Super-Zyklon von 1999, rasch verändern. Paribartanas Arbeit spekuliert über die entstehenden apokalyptischen Landschaften nach der Katastrophe, den Kampf um den Lebensunterhalt, den Verlust der Kultur und die Umweltzerstörung und darüber, wie neue Kommunikationstechnologien, öffentliche Maßnahmen, bestimmte Gemeinschaften und Einzelpersonen zu diesen Veränderungen beitragen.Paribartana hat mehrere Stipendien, Preise und Aufenthalte erhalten, darunter eine Nominierung für Asiens führenden Preis für Medienkünstler - den 4. VH-Preis und einen Online-Aufenthalt bei EyeBeam, die Auseinandersetzung mit der Frage des "kritischen Tourismus" bei Art Inside Out in Schweden, das Onassis International Residency Program in Athen, das SOMA Summer Program in Mexiko, Atelieraufenthaltsprogramm an der Skowhegan School of Painting and Sculpture, New York, Gaststipendium am South Asia Institute, Harvard University, Boston, Tokyo Wonder Site International Creator Residency, FICA Emerging Artist Award und City as Studio 1, Sarai-CSDS Media Lab Associate Fellowship for Contemporary Art and Media Practices usw. Er arbeitete als einer der Kuratoren für die Kochi Students' Biennale als Teil der Kochi Muziris Biennale 2016. Er ist auch Teil des Künstlerkollektivs WALA und organisiert Treffen, Versammlungen, öffentliche Performances und Führungen. Paribartana hatte seine zweite Einzelausstellung "Trees are Stranger Than Aliens in the Movies" in der Vadehra Art Gallery, New Delhi, 2018. Er präsentierte und performte auf dem March Meeting 2018, Sharjah, School of Arts and Aesthetics (JNU), InC gathering of artists, Dhalao and Sarai Reader CSDS, New Delhi, Kochi Muziris Biennale Symposia On the Future of Art Education in India, Taj Ske residency 2015 in Bangalore und vielen anderen. Seine Videos, Gemälde und Installationen wurden in zahlreichen Gruppenausstellungen, Filmfestivals, Seminaren und Symposien ausgestellt.
Prabhakar Pachpute
Untitled
Rice husk, shadu clay, multani clay,
gum Arabic, paper pulp, cow dung,
orange peel powder and fenugreek powder 7 x 7 x 4.5 inches
2020
Prabhakar Pachpute
Moving cities
Rice husk, terracotta clay, multani clay, gum Arabic, fenugreek powder,
cow dung and glass
6.5 x 5.5 x 3 inches
2020
Prabhakar Pachpute
Rattling knot II (maquette)
Rice husk, red clay, shadu clay multani clay, gum Arabic, paper pulp, fenugreek powder, bamboo and cloth
19.5 x 14.5 x 12 inches
2020
Prabhakar Pachpute
A Fight Over the Mounds
Acrylic, gesso, multani clay, cutouts and pencil on canvas
2021
204 x 192 in; 204 x 141 in; 204 x 141 in
Ort: Gallery MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
© Prabhakar Pachpute
Prabhakar Pachpute (geb. 1986) aus Sasti in Chandrapur, Maharashtra, lebt und arbeitet in Pune, Indien.
Pachpute arbeitet mit einer Vielzahl von Medien und Materialien, darunter Zeichnung, Licht, Stop-Motion-Animationen, Sound und skulpturale Formen. Die Verwendung von Holzkohle steht in direktem Zusammenhang mit seinem Thema und seinen familiären Wurzeln: Kohlebergwerke und Bergleute. In seinen ortsspezifischen Arbeiten schafft Pachpute oft eindringliche und dramatische Umgebungen, indem er Porträts und Landschaften mit surrealistischen Tropen kombiniert, um sich kritisch mit der Arbeit im Bergbau und den Auswirkungen des Bergbaus auf die natürliche und menschliche Landschaft auseinanderzusetzen. Ausgehend von Maharashtra verbindet er Recherchen aus der ganzen Welt mit persönlichen Erfahrungen, wobei er vom Persönlichen zum Globalen übergeht und die Komplexität historischer Veränderungen auf wirtschaftlicher, gesellschaftlicher und ökologischer Ebene untersucht.
Pachpute erhielt seinen Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst in Bildhauerei von der Indira Kala Sangit University, Khairagarh (Chhattisgarh, 2009) und seinen MFA von der Maharaja Sayajirao University of Baroda (Gujarat, 2011). Er hat zahlreiche Ausstellungen absolviert, darunter Einzelausstellungen in der Clark House Initiative, Mumbai (2012); Experimenter, Kolkata (2013, 2017 & 2020); National Gallery of Modern Art, Mumbai (2016); Asilo Via Porpora, Mailand (2018); und Glasgow School of Art, Schottland (2019). Er hat auch an Gruppenausstellungen im Van Abbemuseum, Eindhoven, Niederlande (2013); Kadist Art Foundation, Paris (2013); IFA, Stuttgart & Berlin (2013); DRAF, London (2014); MACBA, Barcelona (2015); Parasite, Hongkong (2017); Asia Cultural Centre, Gwangju, Südkorea (2017); STUK, Leuven, Belgien (2018); AV Festival, Newcastle, UK (2018) teilgenommen; und war Teil der 31. São Paulo Biennale (2014); 5. Fukuoka Asian Art Triennale (2014); 14. Istanbul Biennale (2015); 8. Asia Pacific Triennial, Brisbane (2015); und Dhaka Art Summit (2018); 2. Yinchuan Biennale (2018) und die 4. Kochi-Muziris Biennale (2018); Jameel Arts Centre, Dubai (2019); 3. Industrial Art Biennale (2020); Artes Mundi 9, Cardiff (2021); Kunsthalle Wien, Wien (2021); und Kunsthalle Bratislava (2021). Prabhakar Pachpute wird von Experimenter, Kolkata, vertreten.
Untitled
Rice husk, shadu clay, multani clay,
gum Arabic, paper pulp, cow dung,
orange peel powder and fenugreek powder 7 x 7 x 4.5 inches
2020
Prabhakar Pachpute
Moving cities
Rice husk, terracotta clay, multani clay, gum Arabic, fenugreek powder,
cow dung and glass
6.5 x 5.5 x 3 inches
2020
Prabhakar Pachpute
Rattling knot II (maquette)
Rice husk, red clay, shadu clay multani clay, gum Arabic, paper pulp, fenugreek powder, bamboo and cloth
19.5 x 14.5 x 12 inches
2020
Prabhakar Pachpute
A Fight Over the Mounds
Acrylic, gesso, multani clay, cutouts and pencil on canvas
2021
204 x 192 in; 204 x 141 in; 204 x 141 in
Ort: Gallery MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Über den Künstler
© Prabhakar Pachpute
Prabhakar Pachpute (geb. 1986) aus Sasti in Chandrapur, Maharashtra, lebt und arbeitet in Pune, Indien.Pachpute arbeitet mit einer Vielzahl von Medien und Materialien, darunter Zeichnung, Licht, Stop-Motion-Animationen, Sound und skulpturale Formen. Die Verwendung von Holzkohle steht in direktem Zusammenhang mit seinem Thema und seinen familiären Wurzeln: Kohlebergwerke und Bergleute. In seinen ortsspezifischen Arbeiten schafft Pachpute oft eindringliche und dramatische Umgebungen, indem er Porträts und Landschaften mit surrealistischen Tropen kombiniert, um sich kritisch mit der Arbeit im Bergbau und den Auswirkungen des Bergbaus auf die natürliche und menschliche Landschaft auseinanderzusetzen. Ausgehend von Maharashtra verbindet er Recherchen aus der ganzen Welt mit persönlichen Erfahrungen, wobei er vom Persönlichen zum Globalen übergeht und die Komplexität historischer Veränderungen auf wirtschaftlicher, gesellschaftlicher und ökologischer Ebene untersucht.
Pachpute erhielt seinen Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst in Bildhauerei von der Indira Kala Sangit University, Khairagarh (Chhattisgarh, 2009) und seinen MFA von der Maharaja Sayajirao University of Baroda (Gujarat, 2011). Er hat zahlreiche Ausstellungen absolviert, darunter Einzelausstellungen in der Clark House Initiative, Mumbai (2012); Experimenter, Kolkata (2013, 2017 & 2020); National Gallery of Modern Art, Mumbai (2016); Asilo Via Porpora, Mailand (2018); und Glasgow School of Art, Schottland (2019). Er hat auch an Gruppenausstellungen im Van Abbemuseum, Eindhoven, Niederlande (2013); Kadist Art Foundation, Paris (2013); IFA, Stuttgart & Berlin (2013); DRAF, London (2014); MACBA, Barcelona (2015); Parasite, Hongkong (2017); Asia Cultural Centre, Gwangju, Südkorea (2017); STUK, Leuven, Belgien (2018); AV Festival, Newcastle, UK (2018) teilgenommen; und war Teil der 31. São Paulo Biennale (2014); 5. Fukuoka Asian Art Triennale (2014); 14. Istanbul Biennale (2015); 8. Asia Pacific Triennial, Brisbane (2015); und Dhaka Art Summit (2018); 2. Yinchuan Biennale (2018) und die 4. Kochi-Muziris Biennale (2018); Jameel Arts Centre, Dubai (2019); 3. Industrial Art Biennale (2020); Artes Mundi 9, Cardiff (2021); Kunsthalle Wien, Wien (2021); und Kunsthalle Bratislava (2021). Prabhakar Pachpute wird von Experimenter, Kolkata, vertreten.
Rajyashri Goody
Picknick (2021)
Installation - Keramiken
8 Fuß im Durchmesser
Ein Rezept/Gedicht und Hunderte von keramischen Objekten, die Lebensmitteln und Elementen aus der Natur ähneln, werden in einem Ring zu einem "Picknick" zusammengefügt. Picknick" ist sowohl ein Text als auch eine visuelle Erkundung, die von den Erfahrungen des Dalit-Schriftstellers Sharankumar Limbale inspiriert ist, der als junger Schüler in den 1960er Jahren in Maharashtra ausgegrenzt und diskriminiert wurde. Die Diskriminierung fand sowohl innerhalb des Klassenzimmers als auch außerhalb statt, bei Veranstaltungen wie diesen Picknicks; sie durchdrang eine natürliche Landschaft, die scheinbar frei von menschlichen Eingriffen war, mit tief verwurzelten Praktiken der Unberührbarkeit.
Picknick" als Rezept lädt den Leser dazu ein, sich in Limbale hineinzuversetzen, so als würde er Schritt für Schritt einer Anleitung folgen, die letztlich zu einer zutiefst unangenehmen Situation führt. Die keramischen Objekte, von denen viele Blättern und Stöcken sowie maharashtrischen Lebensmitteln wie Bhakris, Papad, Vadis, Bhajjis, Bhel usw. ähneln, tragen noch mehr zur Unaussprechlichkeit der Situation bei. Ich habe mich für das Medium Keramik entschieden, weil es mit Schlamm, Erde und Erde assoziiert wird und beim Brennen das Potenzial hat, Tausende von Jahren zu überdauern - wie die Resilienz der Dalits.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
@ Rajyashri Goody
Rajyashri Goody stammt aus Pune, Indien. Sie lebt und arbeitet in Amsterdam in den Niederlanden.
Goody schloss 2011 ihren BA in Soziologie am Fergusson College in Pune ab und 2013 einen MA in Visueller Anthropologie am Granada Centre for Visual Anthropology an der Universität Manchester, England.
Goodys künstlerische Praxis ist von ihrem akademischen Hintergrund und ihren ambedkaritischen Wurzeln geprägt. Durch Schreiben, Keramik, Fotografie und Skulptur versucht sie, die alltägliche Macht und den Widerstand der Dalit-Gemeinschaften in Indien zu entschlüsseln und sichtbar zu machen.
Im Juli 2018 hatte sie eine Einzelausstellung, Eat With Great Delight, in der Clark House Initiative, Mumbai. Zu den ausgewählten Gruppenausstellungen gehören Hungry For Time, Akademie der bildenden Künste, Wien, Österreich, 2021; At The Kitchen Table, One Shanthi Road, Bengaluru, 2021; Imprint After bei Pulp Society, New Delhi, 2020; Sunnata Samanta bei Devi Art Foundation, New Delhi, 2020; Look Outside This House beim Serendipity Arts Festival, Goa, 2019; Body Building bei der Ishara Art Foundation, Dubai, 2019; Experiment with Truth, Sahmat, New Delhi, 2019; Within/Without, Asia House, London, 2018; Working Practices, The Showroom, London, 2018; Revelations: Reclaiming South Asian Narratives, Harvard University, Cambridge, 2018; und World Next Door, Khoj International, Neu-Delhi, 2017. Ihre Arbeit wurde auch auf Literaturfestivals in Indien präsentiert.
Goody ist derzeit Artist-in-Residence an der Rijksakademie Van Beeldende Kunsten, Amsterdam. Ihre früheren Aufenthalte und Stipendien fanden bei Art Omi, Gent, ISCP, New York, Harvard University, Cambridge, Khoj International, Neu-Delhi, Asia Culture Centre, Gwangju, Bamboo Curtain Studio, Taipeh, Piramal Art Residency, Mumbai, und TIFA, Pune, statt. Im Jahr 2018 wurde sie mit dem Emerging Artist Award von India Today ausgezeichnet.
Picknick (2021)
Installation - Keramiken
8 Fuß im Durchmesser
Ein Rezept/Gedicht und Hunderte von keramischen Objekten, die Lebensmitteln und Elementen aus der Natur ähneln, werden in einem Ring zu einem "Picknick" zusammengefügt. Picknick" ist sowohl ein Text als auch eine visuelle Erkundung, die von den Erfahrungen des Dalit-Schriftstellers Sharankumar Limbale inspiriert ist, der als junger Schüler in den 1960er Jahren in Maharashtra ausgegrenzt und diskriminiert wurde. Die Diskriminierung fand sowohl innerhalb des Klassenzimmers als auch außerhalb statt, bei Veranstaltungen wie diesen Picknicks; sie durchdrang eine natürliche Landschaft, die scheinbar frei von menschlichen Eingriffen war, mit tief verwurzelten Praktiken der Unberührbarkeit.
Picknick" als Rezept lädt den Leser dazu ein, sich in Limbale hineinzuversetzen, so als würde er Schritt für Schritt einer Anleitung folgen, die letztlich zu einer zutiefst unangenehmen Situation führt. Die keramischen Objekte, von denen viele Blättern und Stöcken sowie maharashtrischen Lebensmitteln wie Bhakris, Papad, Vadis, Bhajjis, Bhel usw. ähneln, tragen noch mehr zur Unaussprechlichkeit der Situation bei. Ich habe mich für das Medium Keramik entschieden, weil es mit Schlamm, Erde und Erde assoziiert wird und beim Brennen das Potenzial hat, Tausende von Jahren zu überdauern - wie die Resilienz der Dalits.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
ÜBER DIE KÜNSTLERIN
@ Rajyashri Goody
Rajyashri Goody stammt aus Pune, Indien. Sie lebt und arbeitet in Amsterdam in den Niederlanden. Goody schloss 2011 ihren BA in Soziologie am Fergusson College in Pune ab und 2013 einen MA in Visueller Anthropologie am Granada Centre for Visual Anthropology an der Universität Manchester, England.
Goodys künstlerische Praxis ist von ihrem akademischen Hintergrund und ihren ambedkaritischen Wurzeln geprägt. Durch Schreiben, Keramik, Fotografie und Skulptur versucht sie, die alltägliche Macht und den Widerstand der Dalit-Gemeinschaften in Indien zu entschlüsseln und sichtbar zu machen.
Im Juli 2018 hatte sie eine Einzelausstellung, Eat With Great Delight, in der Clark House Initiative, Mumbai. Zu den ausgewählten Gruppenausstellungen gehören Hungry For Time, Akademie der bildenden Künste, Wien, Österreich, 2021; At The Kitchen Table, One Shanthi Road, Bengaluru, 2021; Imprint After bei Pulp Society, New Delhi, 2020; Sunnata Samanta bei Devi Art Foundation, New Delhi, 2020; Look Outside This House beim Serendipity Arts Festival, Goa, 2019; Body Building bei der Ishara Art Foundation, Dubai, 2019; Experiment with Truth, Sahmat, New Delhi, 2019; Within/Without, Asia House, London, 2018; Working Practices, The Showroom, London, 2018; Revelations: Reclaiming South Asian Narratives, Harvard University, Cambridge, 2018; und World Next Door, Khoj International, Neu-Delhi, 2017. Ihre Arbeit wurde auch auf Literaturfestivals in Indien präsentiert.
Goody ist derzeit Artist-in-Residence an der Rijksakademie Van Beeldende Kunsten, Amsterdam. Ihre früheren Aufenthalte und Stipendien fanden bei Art Omi, Gent, ISCP, New York, Harvard University, Cambridge, Khoj International, Neu-Delhi, Asia Culture Centre, Gwangju, Bamboo Curtain Studio, Taipeh, Piramal Art Residency, Mumbai, und TIFA, Pune, statt. Im Jahr 2018 wurde sie mit dem Emerging Artist Award von India Today ausgezeichnet.
Ranbir Kaleka
Haus des undurchsichtigen Wassers
3 Kanäle auf 65" LED-Monitoren 10 min 33 sec
2012
Nach einem langen, vorsichtigen Blick sagt der Mann: "Das ist mein Zuhause"... "Unsere Kühe weideten am Banyan-Baum"... "Dort drüben stand ein Baum, der bei einem Sturm umstürzte, und die Kinder spielten zwischen seinen Ästen". Wir sehen nichts... er ist mitten im Meer.
Die Inseln der Sundarbans in Bengalen, die den größten Mangrovenwald der Welt beherbergen, werden durch den ständig steigenden Meeresspiegel infolge der globalen Erwärmung und anderer vom Menschen verursachter Katastrophen verschluckt.
Sheikh Lal Mohan, dessen Name eine merkwürdige Mischung aus muslimischen und hinduistischen Namen ist, führte uns zu der Stelle im Meer, unter der sein Dorf versunken ist.
Er lebt jetzt auf einer anderen Insel, Sagardweep, und ist an den Ort seines abgrundtiefen Dorfes zurückgekehrt. Aber es gibt keine wirkliche Rückkehr. In einem Ritual der Rückgewinnung formt er eine Lehmkarte seines Dorfes und seines Hauses als Heilungsritus. Wir folgen ihm und tauchen ein in einen fiebrigen Traum von Verlust und Sehnsucht.
In einer Art Überlauf aus der Realität werden erfundene Ereignisse in fiktiven Räumen inszeniert, die die imaginäre Innerlichkeit des Protagonisten projizieren. Die Binaritäten von Kunst und Dokumentation werden aufgelöst, um auf eine andere Art von Wahrheit hinzuweisen, die über das Informative hinausgeht. Bei meiner Beschäftigung mit dem Mann und der Insel ging es darum, in der Welt zu sein und die Welt zu öffnen. Der Mann und die Insel werden zu einem Portal in den Rest der Welt.
Zwei breite Bildschirme, die weit voneinander entfernt auf dem Boden platziert sind, und die dritte Projektion in der Mitte an einer Wand dazwischen schaffen eine immersive Umgebung mit Sound.
Anmerkung: Der Ausgangspunkt für diese Installation war eine Passage aus dem Buch "Mean Sea Level" des Umweltschützers und Aktivisten Pradip Saha.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
@ Ranbir Kaleka
Ranbir Kaleka wurde 1953 geboren, wuchs in der Stadt Patiala auf und studierte am College of Art in Chandigarh (1970-75) und erhielt 1987 einen Master-Abschluss in Malerei vom Royal College of Art in London.
"Ranbir Kaleka hat sowohl in Großbritannien als auch in Indien gearbeitet. In den dreieinhalb Jahrzehnten seines künstlerischen Schaffens hat er sowohl eine bemerkenswerte Reihe von Gemälden geschaffen, die von Phantasmagorie und epischer Beunruhigung geprägt sind, als auch eine Reihe von medienübergreifenden Arbeiten, die konzeptuelle Raffinesse mit einer kalibrierten Opulenz der Bilder verbinden." Ranjit Hoskote.
Ranbir Kalekas Werk spiegelt eine stark verinnerlichte Sicht auf die Welt wider, die sich auf das Nebeneinanderstellen von Unwahrscheinlichkeiten zu verlassen scheint. In seinen figurativen Gemälden und Skulpturen ist die Beziehung zur metaphysischen und surrealistischen Vorstellungskraft eher schräg als direkt; er verbindet persönliche Erfahrungen mit allgemeineren und allgemeineren Themen. Ein späteres Werk zeigt ihn als Maler des expressionistischen Fabulierens. Kalekas Hinwendung zur Videokunst, bei der er ein Video auf eine gemalte Leinwand projizierte, war ein wesentliches Unterfangen bei seiner weiteren Erforschung des "psychologischen Ereignisses", das sich nur außerhalb der physischen Grenzen des Bildrahmens abspielen kann, und zwar durch den Einsatz von Licht zur Erzeugung des Bildes und der anschließenden Aura des Bildes. Kaleka hat auch konstruierte Fotografien, Skulpturen und Installationen geschaffen und ausgestellt. Seit seinen frühen Jahren wurde sein Werk mit verschiedenen Preisen ausgezeichnet, in den wichtigsten Städten der Welt ausgestellt und von Museen, Institutionen und privaten Sammlern in Indien und im Ausland gesammelt.
Haus des undurchsichtigen Wassers
3 Kanäle auf 65" LED-Monitoren 10 min 33 sec
2012
Nach einem langen, vorsichtigen Blick sagt der Mann: "Das ist mein Zuhause"... "Unsere Kühe weideten am Banyan-Baum"... "Dort drüben stand ein Baum, der bei einem Sturm umstürzte, und die Kinder spielten zwischen seinen Ästen". Wir sehen nichts... er ist mitten im Meer.
Die Inseln der Sundarbans in Bengalen, die den größten Mangrovenwald der Welt beherbergen, werden durch den ständig steigenden Meeresspiegel infolge der globalen Erwärmung und anderer vom Menschen verursachter Katastrophen verschluckt.
Sheikh Lal Mohan, dessen Name eine merkwürdige Mischung aus muslimischen und hinduistischen Namen ist, führte uns zu der Stelle im Meer, unter der sein Dorf versunken ist.
Er lebt jetzt auf einer anderen Insel, Sagardweep, und ist an den Ort seines abgrundtiefen Dorfes zurückgekehrt. Aber es gibt keine wirkliche Rückkehr. In einem Ritual der Rückgewinnung formt er eine Lehmkarte seines Dorfes und seines Hauses als Heilungsritus. Wir folgen ihm und tauchen ein in einen fiebrigen Traum von Verlust und Sehnsucht.
In einer Art Überlauf aus der Realität werden erfundene Ereignisse in fiktiven Räumen inszeniert, die die imaginäre Innerlichkeit des Protagonisten projizieren. Die Binaritäten von Kunst und Dokumentation werden aufgelöst, um auf eine andere Art von Wahrheit hinzuweisen, die über das Informative hinausgeht. Bei meiner Beschäftigung mit dem Mann und der Insel ging es darum, in der Welt zu sein und die Welt zu öffnen. Der Mann und die Insel werden zu einem Portal in den Rest der Welt.
Zwei breite Bildschirme, die weit voneinander entfernt auf dem Boden platziert sind, und die dritte Projektion in der Mitte an einer Wand dazwischen schaffen eine immersive Umgebung mit Sound.
Anmerkung: Der Ausgangspunkt für diese Installation war eine Passage aus dem Buch "Mean Sea Level" des Umweltschützers und Aktivisten Pradip Saha.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Über den Künstler
@ Ranbir Kaleka
Ranbir Kaleka wurde 1953 geboren, wuchs in der Stadt Patiala auf und studierte am College of Art in Chandigarh (1970-75) und erhielt 1987 einen Master-Abschluss in Malerei vom Royal College of Art in London. "Ranbir Kaleka hat sowohl in Großbritannien als auch in Indien gearbeitet. In den dreieinhalb Jahrzehnten seines künstlerischen Schaffens hat er sowohl eine bemerkenswerte Reihe von Gemälden geschaffen, die von Phantasmagorie und epischer Beunruhigung geprägt sind, als auch eine Reihe von medienübergreifenden Arbeiten, die konzeptuelle Raffinesse mit einer kalibrierten Opulenz der Bilder verbinden." Ranjit Hoskote.
Ranbir Kalekas Werk spiegelt eine stark verinnerlichte Sicht auf die Welt wider, die sich auf das Nebeneinanderstellen von Unwahrscheinlichkeiten zu verlassen scheint. In seinen figurativen Gemälden und Skulpturen ist die Beziehung zur metaphysischen und surrealistischen Vorstellungskraft eher schräg als direkt; er verbindet persönliche Erfahrungen mit allgemeineren und allgemeineren Themen. Ein späteres Werk zeigt ihn als Maler des expressionistischen Fabulierens. Kalekas Hinwendung zur Videokunst, bei der er ein Video auf eine gemalte Leinwand projizierte, war ein wesentliches Unterfangen bei seiner weiteren Erforschung des "psychologischen Ereignisses", das sich nur außerhalb der physischen Grenzen des Bildrahmens abspielen kann, und zwar durch den Einsatz von Licht zur Erzeugung des Bildes und der anschließenden Aura des Bildes. Kaleka hat auch konstruierte Fotografien, Skulpturen und Installationen geschaffen und ausgestellt. Seit seinen frühen Jahren wurde sein Werk mit verschiedenen Preisen ausgezeichnet, in den wichtigsten Städten der Welt ausgestellt und von Museen, Institutionen und privaten Sammlern in Indien und im Ausland gesammelt.
Rohini Devasher
Glashaus Tief
Einkanaliges Video mit Ton, Dauer 14 Minuten 21 Sekunden, 2021
Glasshouse Deep ist eine Reise in die winzige Welt der seltsamen Tiefe, in der das sehr Kleine einen planetarischen Maßstab annimmt. Reflektierend, brechend, leuchtend, wird die zeitliche Entwicklung jeder organischen Einheit mit der Bewegung einer Trajektorie durch Punkte im Raum überlagert. Spekulative Migrationen, sowohl vertikal als auch horizontal, folgen Bahnen, die sich nach innen und außen ausdehnen.
Die organischen Lebewesen, die das Glasshouse Deep bevölkern, behaupten, von Pflanzen abzustammen, allerdings von einer winzigen Art, den einzelligen Algen - Kieselalgen. Wie die Pflanzen wandeln sie das Sonnenlicht durch Photosynthese in chemische Energie um, aber im Gegensatz zu den Pflanzen verfügen die Kieselalgen auf mysteriöse Weise auch über einen Harnstoffzyklus, eine Eigenschaft, die sie mit den Tieren teilen. Diese unglaubliche Hybridität wird auf die Übernahme von Genen ihrer Vorfahren und auf einen horizontalen Gentransfer von Meeresbakterien zurückgeführt. Kieselalgen sind in ihrer außergewöhnlichen Formenvielfalt - planktonisch, anhaftend und gestielt - Chimären mit gläsernen Exoskeletten, die eine äußerst komplizierte bilaterale und radiale Symmetrie aufweisen. Eine Symmetrie, die auch in anderen, ebenso unerwarteten Bereichen zu finden ist. Im digitalen Bereich zeigt die Video-Rückkopplung, dass einige Systeme die Fähigkeit haben, sich spontan in immer komplexeren Strukturen zu organisieren.
Glasshouse Deep ist die jüngste einer Reihe von Arbeiten, die Video-Feedback einsetzen, um Wachstums- und Evolutionsprozesse in einer technologischen Matrix zu erforschen. Die Arbeit zielt darauf ab, die zugrundeliegenden Gesetze und Prozesse zu entdecken und zu erweitern, die sich aus der grundlegenden Physik und Chemie ergeben und die Wachstum und Form in biologischen Systemen und deren Spiegelung in der digitalen Sphäre bestimmen.
Licht ist ein zentraler Protagonist. Die Intensität und die spektrale Qualität des Lichts lösen bei Kieselalgen Wanderungen und Verhaltensweisen des Lichtschutzes aus. Video-Feedback tritt auf, wenn eine Schleife zwischen einer Videokamera und einem Fernsehbildschirm oder Monitor entsteht. Dieser dynamische, rekursive Lichtfluss zwischen Kamera und Monitor erzeugt verblüffende und schöne Formen. Scheiben aus sich ausdehnendem und zusammenziehendem Licht zeigen oszillierende Punkte, sich allmählich verlagernde, strahlende Rädchen und Sternausbrüche mit komplexen Mustern und Farben, die vom Zentrum aus nach außen fließen und zeigen, dass es auf jeder höheren Komplexitätsebene ein größeres Potenzial für neue Strukturen und Veränderungen gibt.
Die Arbeit kombiniert Bilder und Untersuchungen von Kieselalgenproben, die von den Wissenschaftlern Minji Lee und Sanjoon Park vom KIOST zu verschiedenen Jahres- und Jahreszeiten entnommen wurden. Diese Bilder bilden die Grundlage, auf der Schichten von Video-Feedback komplizierte und zarte Formen aufbauen, die die strukturelle Färbung von Kieselalgen erforschen, die ihnen auch die Namen "Juwelen des Meeres" oder "lebende Opale" einbringen.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Hoffnungsvolle Ungeheuer
6-Kanal-Videoinstallation
2018
"Ich glaube nicht, dass wir eine Pflanze sehen", sagt Whitby bei einem Statusgespräch und riskiert damit seine neue Beziehung zur Wissenschaftsabteilung, die er als eine Art Zufluchtsort angenommen hat. "Warum sehen wir dann eine Pflanze, Whitby?" Cheney, dem es gelingt, eine alles verzehrende Verzweiflung zu vermitteln. Warum sehen wir eine Pflanze, die wie eine Pflanze aussieht und eine Pflanze ist. Die Dinge tut, die Pflanzen tun, wie Photosynthese und Wasser durch ihre Wurzeln aufnehmen. Aber warum? Das ist keine schwierige Frage, oder doch? Oder etwa doch? Vielleicht ist es eine schwierige Frage, ich weiß es nicht, aus Gründen, die ich nicht verstehe. Aber das wird ein Problem sein, meinen Sie nicht auch? Wir müssen uns immer wieder vergewissern, dass die Dinge, die wir für die Dinge halten, die sie sind, auch tatsächlich die Dinge sind, die sie sind, und nicht etwas ganz anderes. "Denn", so Cheney mit gesenkter Stimme, "wenn das eine schwierige Frage ist, müssen wir dann nicht alle wirklich schwierigen Fragen neu klassifizieren?". - Jeff Vandermeer, Akzeptanz: Southern Reach Trilogie Der Titel Hoffnungsvolle Monster stammt von der Theorie der Makromutation oder großen Mutationen, die erstmals von dem deutschen Genetiker Richard Goldschmidt (1878-1958) vorgeschlagen wurde. Goldschmidt schlug vor, dass Mutationen gelegentlich Individuen in Populationen hervorbringen, die radikal von der Norm abweichen, und bezeichnete solche Individuen als hoffnungsvolle Monster. Unter den richtigen Umweltbedingungen können diese Individuen fixiert werden, und die Population wird eine neue Art gründen.
Standort: Naturhistorische Abteilung, CSMVS
@ Rohini Devasher
Die Künstlerin und Amateurastronomin Rohini Devasher hat sich mit Sonnenfinsternissen beschäftigt - einer buchstäblichen Dialektik von Negativ und Positiv. Ihre derzeitige Forschung konzentriert sich auf die beiden Aspekte des Erdhimmels: die himmlischen Konstanten auf der einen Seite und die veränderlichen Objekte der Atmosphäre auf der anderen. Vor kurzem verbrachte sie 26 Tage an Bord der High Trust, einem Öltanker, der den Pazifik überquerte. Diese Reise hat die Rolle der "Beobachtung" und des "Feldes" oder "Ortes" in ihrer Praxis verstärkt. Ihre Filme, Drucke, Töne, Zeichnungen und Kartierungen des Antagonismus von Zeit und Raum bewegen sich auf dem schmalen Grat zwischen Staunen und Unheimlichkeit und stellen die "Fremdheit" der Begegnung, Beobachtung und Aufzeichnung von Umwelt und Erfahrung in den Vordergrund. Im August 2021 gründeten Devasher und Pallavi Paul gemeinsam Splice, eine künstlerische und kuratorische Gemeinschaftspraxis.
Devashers Arbeiten wurden bereits im Rubin Museum, New York (2021), dem Sea Art Festival, Busan (2021), der 14. Sharjah Biennale Leaving the Echo Chamber (2019), der Kaserne Basel (2019), dem Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) (2018), der 7, 16), das MAAT Museum of Art and Technology, Lissabon (2016), das ZKM, Karsruhe (2016), das Bhau Daji Lad City Museum in Mumbai (2016, 2018), das Singapore Art and Science Museum (2016), die Whitechapel Gallery, London (2016), die 5th Fukuoka Asian Art Triennial (2014), die 1st Kochi Biennale (2012) und viele andere.
Zu den Projekten von Splice gehören Wilted Time als Teil des Alserkal Fall Programms, Dubai (2021) Hungry for Time, kuratiert von Raqs Media Collective an der Akademie der bildenden Künste Wien, Not an Imitation, Project 88, Mumbai
Devasher ist derzeit Embedded Artist in Residence am Open Data Institute (ODI)
Glashaus Tief
Einkanaliges Video mit Ton, Dauer 14 Minuten 21 Sekunden, 2021
Glasshouse Deep ist eine Reise in die winzige Welt der seltsamen Tiefe, in der das sehr Kleine einen planetarischen Maßstab annimmt. Reflektierend, brechend, leuchtend, wird die zeitliche Entwicklung jeder organischen Einheit mit der Bewegung einer Trajektorie durch Punkte im Raum überlagert. Spekulative Migrationen, sowohl vertikal als auch horizontal, folgen Bahnen, die sich nach innen und außen ausdehnen.
Die organischen Lebewesen, die das Glasshouse Deep bevölkern, behaupten, von Pflanzen abzustammen, allerdings von einer winzigen Art, den einzelligen Algen - Kieselalgen. Wie die Pflanzen wandeln sie das Sonnenlicht durch Photosynthese in chemische Energie um, aber im Gegensatz zu den Pflanzen verfügen die Kieselalgen auf mysteriöse Weise auch über einen Harnstoffzyklus, eine Eigenschaft, die sie mit den Tieren teilen. Diese unglaubliche Hybridität wird auf die Übernahme von Genen ihrer Vorfahren und auf einen horizontalen Gentransfer von Meeresbakterien zurückgeführt. Kieselalgen sind in ihrer außergewöhnlichen Formenvielfalt - planktonisch, anhaftend und gestielt - Chimären mit gläsernen Exoskeletten, die eine äußerst komplizierte bilaterale und radiale Symmetrie aufweisen. Eine Symmetrie, die auch in anderen, ebenso unerwarteten Bereichen zu finden ist. Im digitalen Bereich zeigt die Video-Rückkopplung, dass einige Systeme die Fähigkeit haben, sich spontan in immer komplexeren Strukturen zu organisieren.
Glasshouse Deep ist die jüngste einer Reihe von Arbeiten, die Video-Feedback einsetzen, um Wachstums- und Evolutionsprozesse in einer technologischen Matrix zu erforschen. Die Arbeit zielt darauf ab, die zugrundeliegenden Gesetze und Prozesse zu entdecken und zu erweitern, die sich aus der grundlegenden Physik und Chemie ergeben und die Wachstum und Form in biologischen Systemen und deren Spiegelung in der digitalen Sphäre bestimmen.
Licht ist ein zentraler Protagonist. Die Intensität und die spektrale Qualität des Lichts lösen bei Kieselalgen Wanderungen und Verhaltensweisen des Lichtschutzes aus. Video-Feedback tritt auf, wenn eine Schleife zwischen einer Videokamera und einem Fernsehbildschirm oder Monitor entsteht. Dieser dynamische, rekursive Lichtfluss zwischen Kamera und Monitor erzeugt verblüffende und schöne Formen. Scheiben aus sich ausdehnendem und zusammenziehendem Licht zeigen oszillierende Punkte, sich allmählich verlagernde, strahlende Rädchen und Sternausbrüche mit komplexen Mustern und Farben, die vom Zentrum aus nach außen fließen und zeigen, dass es auf jeder höheren Komplexitätsebene ein größeres Potenzial für neue Strukturen und Veränderungen gibt.
Die Arbeit kombiniert Bilder und Untersuchungen von Kieselalgenproben, die von den Wissenschaftlern Minji Lee und Sanjoon Park vom KIOST zu verschiedenen Jahres- und Jahreszeiten entnommen wurden. Diese Bilder bilden die Grundlage, auf der Schichten von Video-Feedback komplizierte und zarte Formen aufbauen, die die strukturelle Färbung von Kieselalgen erforschen, die ihnen auch die Namen "Juwelen des Meeres" oder "lebende Opale" einbringen.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
Hoffnungsvolle Ungeheuer
6-Kanal-Videoinstallation
2018
"Ich glaube nicht, dass wir eine Pflanze sehen", sagt Whitby bei einem Statusgespräch und riskiert damit seine neue Beziehung zur Wissenschaftsabteilung, die er als eine Art Zufluchtsort angenommen hat. "Warum sehen wir dann eine Pflanze, Whitby?" Cheney, dem es gelingt, eine alles verzehrende Verzweiflung zu vermitteln. Warum sehen wir eine Pflanze, die wie eine Pflanze aussieht und eine Pflanze ist. Die Dinge tut, die Pflanzen tun, wie Photosynthese und Wasser durch ihre Wurzeln aufnehmen. Aber warum? Das ist keine schwierige Frage, oder doch? Oder etwa doch? Vielleicht ist es eine schwierige Frage, ich weiß es nicht, aus Gründen, die ich nicht verstehe. Aber das wird ein Problem sein, meinen Sie nicht auch? Wir müssen uns immer wieder vergewissern, dass die Dinge, die wir für die Dinge halten, die sie sind, auch tatsächlich die Dinge sind, die sie sind, und nicht etwas ganz anderes. "Denn", so Cheney mit gesenkter Stimme, "wenn das eine schwierige Frage ist, müssen wir dann nicht alle wirklich schwierigen Fragen neu klassifizieren?". - Jeff Vandermeer, Akzeptanz: Southern Reach Trilogie Der Titel Hoffnungsvolle Monster stammt von der Theorie der Makromutation oder großen Mutationen, die erstmals von dem deutschen Genetiker Richard Goldschmidt (1878-1958) vorgeschlagen wurde. Goldschmidt schlug vor, dass Mutationen gelegentlich Individuen in Populationen hervorbringen, die radikal von der Norm abweichen, und bezeichnete solche Individuen als hoffnungsvolle Monster. Unter den richtigen Umweltbedingungen können diese Individuen fixiert werden, und die Population wird eine neue Art gründen.
Standort: Naturhistorische Abteilung, CSMVS
ÜBER DIE KÜNSTLERIN
@ Rohini Devasher
Die Künstlerin und Amateurastronomin Rohini Devasher hat sich mit Sonnenfinsternissen beschäftigt - einer buchstäblichen Dialektik von Negativ und Positiv. Ihre derzeitige Forschung konzentriert sich auf die beiden Aspekte des Erdhimmels: die himmlischen Konstanten auf der einen Seite und die veränderlichen Objekte der Atmosphäre auf der anderen. Vor kurzem verbrachte sie 26 Tage an Bord der High Trust, einem Öltanker, der den Pazifik überquerte. Diese Reise hat die Rolle der "Beobachtung" und des "Feldes" oder "Ortes" in ihrer Praxis verstärkt. Ihre Filme, Drucke, Töne, Zeichnungen und Kartierungen des Antagonismus von Zeit und Raum bewegen sich auf dem schmalen Grat zwischen Staunen und Unheimlichkeit und stellen die "Fremdheit" der Begegnung, Beobachtung und Aufzeichnung von Umwelt und Erfahrung in den Vordergrund. Im August 2021 gründeten Devasher und Pallavi Paul gemeinsam Splice, eine künstlerische und kuratorische Gemeinschaftspraxis. Devashers Arbeiten wurden bereits im Rubin Museum, New York (2021), dem Sea Art Festival, Busan (2021), der 14. Sharjah Biennale Leaving the Echo Chamber (2019), der Kaserne Basel (2019), dem Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) (2018), der 7, 16), das MAAT Museum of Art and Technology, Lissabon (2016), das ZKM, Karsruhe (2016), das Bhau Daji Lad City Museum in Mumbai (2016, 2018), das Singapore Art and Science Museum (2016), die Whitechapel Gallery, London (2016), die 5th Fukuoka Asian Art Triennial (2014), die 1st Kochi Biennale (2012) und viele andere.
Zu den Projekten von Splice gehören Wilted Time als Teil des Alserkal Fall Programms, Dubai (2021) Hungry for Time, kuratiert von Raqs Media Collective an der Akademie der bildenden Künste Wien, Not an Imitation, Project 88, Mumbai
Devasher ist derzeit Embedded Artist in Residence am Open Data Institute (ODI)
Sahej Rahal
Finalforest.exe, 2021
HD-Video. 8:59 min
Die Arbeit wurde produziert mit freundlicher Unterstützung der Akademie der Künste & E.ON Stiftung / Mensch-Maschine-Stipendium der JUNGE AKADEMIE & VISIT
Beschreibung:
In finalforest.exe befinden wir uns inmitten eines sich entfaltenden kybernetischen Rituals. Tief in einem virtuellen Wald unterhält sich eine schamanische Figur mit empfindungsfähigen KI-Programmen und flüstert den KI-Kreaturen, die durch scheinbar unendliche digitale Wälder wandern, Überreste dieser verlorenen Vergangenheit zu. Mit einer Mischung aus Folklore, urbanen Legenden, archäologischen Aufzeichnungen, Verschwörungen und Science-Fiction hinterfragt "Finalforest.exe" mythische Erzählungen über Krankheiten, Dämonen und staatliche Macht, die das Kastensystem als Kernstück der indischen Gesellschaft bewahren.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
@ Sahej Rahel
Sahej Rahal ist in erster Linie ein Geschichtenerzähler. Er verwebt Fakten und Fiktion, um mythologische Welten zu schaffen, die sich in der Gegenwart entfalten. Diese Mythenwelten nehmen die Form von Skulpturen, Performances, Filmen, Gemälden, Installationen und KI-Simulationsprogrammen an, in denen unbestimmte Wesen aus den Rissen zwischen dem Realen und dem Imaginären hervortreten. Rahal nahm an Gruppen- und Einzelausstellungen teil, darunter die Liverpool Biennale, die Kochi Biennale, die Vancouver Biennale, das MACRO Museum Rom, Kadist SF, ACCA Melbourne, CCA Glasgow. Er wurde mit dem Cove Park/Henry Moore Fellowship, dem Akademie Schloss Solitude Fellowship, dem Sher-Gil Sundaram Arts Foundation Installation Art Grant und kürzlich mit dem Digital Earth Fellowship und dem Junge Akademie Human Machine Fellowship ausgezeichnet.
Finalforest.exe, 2021
HD-Video. 8:59 min
Die Arbeit wurde produziert mit freundlicher Unterstützung der Akademie der Künste & E.ON Stiftung / Mensch-Maschine-Stipendium der JUNGE AKADEMIE & VISIT
Beschreibung:
In finalforest.exe befinden wir uns inmitten eines sich entfaltenden kybernetischen Rituals. Tief in einem virtuellen Wald unterhält sich eine schamanische Figur mit empfindungsfähigen KI-Programmen und flüstert den KI-Kreaturen, die durch scheinbar unendliche digitale Wälder wandern, Überreste dieser verlorenen Vergangenheit zu. Mit einer Mischung aus Folklore, urbanen Legenden, archäologischen Aufzeichnungen, Verschwörungen und Science-Fiction hinterfragt "Finalforest.exe" mythische Erzählungen über Krankheiten, Dämonen und staatliche Macht, die das Kastensystem als Kernstück der indischen Gesellschaft bewahren.
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
ÜBER DEN KÜNSTLER
@ Sahej Rahel
Sahej Rahal ist in erster Linie ein Geschichtenerzähler. Er verwebt Fakten und Fiktion, um mythologische Welten zu schaffen, die sich in der Gegenwart entfalten. Diese Mythenwelten nehmen die Form von Skulpturen, Performances, Filmen, Gemälden, Installationen und KI-Simulationsprogrammen an, in denen unbestimmte Wesen aus den Rissen zwischen dem Realen und dem Imaginären hervortreten. Rahal nahm an Gruppen- und Einzelausstellungen teil, darunter die Liverpool Biennale, die Kochi Biennale, die Vancouver Biennale, das MACRO Museum Rom, Kadist SF, ACCA Melbourne, CCA Glasgow. Er wurde mit dem Cove Park/Henry Moore Fellowship, dem Akademie Schloss Solitude Fellowship, dem Sher-Gil Sundaram Arts Foundation Installation Art Grant und kürzlich mit dem Digital Earth Fellowship und dem Junge Akademie Human Machine Fellowship ausgezeichnet.
Sharbendu De
Vorgestellte Heimat (2013-19)
Fotografien
Die einheimischen tibeto-burmanischen Lisus (die im unzugänglichen Dschungel des Namdapha National Park & Tiger Reserve und in den Dörfern an der indisch-myanmarischen Grenze von Arunachal Pradesh, Indien, leben), die durch Imagined Homeland (2013-19) repräsentiert werden, sind eine empfindungsfähige Gemeinschaft, die sich noch die Weisheit bewahrt hat, mit der Natur und nichtmenschlichen Lebewesen zusammenzuleben. Sie bewahren sich ätherische Qualitäten, die sich einer einfachen Kategorisierung entziehen. Durch die Verwendung des magischen Realismus und die Bezugnahme auf archetypische Verbindungen zwischen Mensch, Tier und Natur, wie z. B. Enten, Pferde, Nebel, Dunkelheit und das schwer fassbare Licht, befreien uns die Inszenierungen von dem einschränkenden kolonial-paternalistischen Blick und führen uns so zu neuen Ufern, um sie und uns selbst zu verstehen.
Danksagung: Das Projekt wurde durch ein Kunstforschungsstipendium der India Foundation for the Arts und ein Stipendium für konzeptionelle Fotografie der Lucie Foundation unterstützt.
Anmerkung 2: Jede Inszenierung wurde vor Ort erstellt. Bei der Herstellung von IH wurden keine Tiere verletzt.
Standort: Rasenflächen des Kindermuseums, CSMVS
@ Sharbendu De
Sharbendu De (geb. 1978, Indien) ist Künstlerin, Wissenschaftlerin und Autorin. Im Jahr 2018 wurde De von Feature Shoot als "Emerging Photographer of the Year" ausgezeichnet. De erhielt Stipendien von der India Foundation for the Arts (2017), der Lucie Foundation (2018), dem Prince Claus Fund & ASEF (2019), der MurthyNayak Foundation (2021) und KHOJ (2021). Er stand unter anderem auf der Shortlist für die Lensculture Visual Storytelling Awards (2019) und das Emerging Artist of the Year Scholarship der Lucie Foundation (2018).
Seine erste Einzelausstellung mit dem Titel An Elegy for Ecology (2016-21) wurde im Dezember 2021 in der SHRINE EMPIRE Gallery in Neu-Delhi eröffnet. Die Serie, die sich mit dem Thema Klimawandel und dem menschlichen Überleben im Anthropozän befasst, hatte ihre Premiere bei Phantasmopolis, Asian Art Biennale, Taiwan (2021). Seine frühere konzeptionelle Serie Imagined Homeland (2013-19) über den indigenen Stamm der Lisu aus Arunachal Pradesh wurde von der Kritik gewürdigt.
De hat auch in der Vadehra Art Gallery (2020-21), SHRINE EMPIRE Gallery, New Delhi (2020), PhEST, Italien (2020), FORMAT, U.K. (2019), Serendipity Arts Festival, Indien (2019), OBSCURA, Malaysia (2019), MOPLA, Los Angeles (2019), Voies Off Awards, Rencontres d'Arles Festival, Arles (2018), Indian Photography Festival, Indien (2018), Tblisi Photo Festival, Georgien (2018), Goethe-Institut (Mumbai & Delhi; 2016 & 2017), Photo Kathmandu (2016), Econtros da Imagem, Portugal (2016) und Diesel Art Gallery, Mumbai (2012) unter anderem.
Vorgestellte Heimat (2013-19)
Fotografien
Die einheimischen tibeto-burmanischen Lisus (die im unzugänglichen Dschungel des Namdapha National Park & Tiger Reserve und in den Dörfern an der indisch-myanmarischen Grenze von Arunachal Pradesh, Indien, leben), die durch Imagined Homeland (2013-19) repräsentiert werden, sind eine empfindungsfähige Gemeinschaft, die sich noch die Weisheit bewahrt hat, mit der Natur und nichtmenschlichen Lebewesen zusammenzuleben. Sie bewahren sich ätherische Qualitäten, die sich einer einfachen Kategorisierung entziehen. Durch die Verwendung des magischen Realismus und die Bezugnahme auf archetypische Verbindungen zwischen Mensch, Tier und Natur, wie z. B. Enten, Pferde, Nebel, Dunkelheit und das schwer fassbare Licht, befreien uns die Inszenierungen von dem einschränkenden kolonial-paternalistischen Blick und führen uns so zu neuen Ufern, um sie und uns selbst zu verstehen.
Danksagung: Das Projekt wurde durch ein Kunstforschungsstipendium der India Foundation for the Arts und ein Stipendium für konzeptionelle Fotografie der Lucie Foundation unterstützt.
Anmerkung 2: Jede Inszenierung wurde vor Ort erstellt. Bei der Herstellung von IH wurden keine Tiere verletzt.
Standort: Rasenflächen des Kindermuseums, CSMVS
Über die Künstlerin
@ Sharbendu De
Sharbendu De (geb. 1978, Indien) ist Künstlerin, Wissenschaftlerin und Autorin. Im Jahr 2018 wurde De von Feature Shoot als "Emerging Photographer of the Year" ausgezeichnet. De erhielt Stipendien von der India Foundation for the Arts (2017), der Lucie Foundation (2018), dem Prince Claus Fund & ASEF (2019), der MurthyNayak Foundation (2021) und KHOJ (2021). Er stand unter anderem auf der Shortlist für die Lensculture Visual Storytelling Awards (2019) und das Emerging Artist of the Year Scholarship der Lucie Foundation (2018). Seine erste Einzelausstellung mit dem Titel An Elegy for Ecology (2016-21) wurde im Dezember 2021 in der SHRINE EMPIRE Gallery in Neu-Delhi eröffnet. Die Serie, die sich mit dem Thema Klimawandel und dem menschlichen Überleben im Anthropozän befasst, hatte ihre Premiere bei Phantasmopolis, Asian Art Biennale, Taiwan (2021). Seine frühere konzeptionelle Serie Imagined Homeland (2013-19) über den indigenen Stamm der Lisu aus Arunachal Pradesh wurde von der Kritik gewürdigt.
De hat auch in der Vadehra Art Gallery (2020-21), SHRINE EMPIRE Gallery, New Delhi (2020), PhEST, Italien (2020), FORMAT, U.K. (2019), Serendipity Arts Festival, Indien (2019), OBSCURA, Malaysia (2019), MOPLA, Los Angeles (2019), Voies Off Awards, Rencontres d'Arles Festival, Arles (2018), Indian Photography Festival, Indien (2018), Tblisi Photo Festival, Georgien (2018), Goethe-Institut (Mumbai & Delhi; 2016 & 2017), Photo Kathmandu (2016), Econtros da Imagem, Portugal (2016) und Diesel Art Gallery, Mumbai (2012) unter anderem.
Sonia Mehra Chawla
Lebenswichtig für das Leben (2020-21)
HD Video; 15 Minuten 42 Sekunden
(In Zusammenarbeit mit ASCUS Art & Science, Edinburgh, Marine Scotland und Edinburgh Science Festival 2021).
Vital To Life: Drifter und Wanderer (2021)
Serie I-VIII, Stiche gepaart mit Mikrofotografien
Kupferstiche: Somerset Velvet mit Büttenrand, 300 g/m² (100% Baumwollhadern, verschimmeltes Papier, säure- und ligninfrei), je 76,2/55,9 cm
Mikrofotografien: Archivdrucke auf Hahnemühle Museumsradierung, je 30,5/21 cm
In Zusammenarbeit mit Edinburgh Printmakers, ASCUS Art & Science und Marine Scotland UK.
Die nicht-menschliche Berührung (2021)
Welche Werte können aus einer zerstörten Landschaft erwachsen?
Film in High Definition mit Ton, 45 Minuten
(In Zusammenarbeit mit ASCUS Art & Science, Edinburgh, Marine Scotland und Edinburgh Science Festival 2021).
Vital to Life" macht die unsichtbare, geheimnisvolle und rätselhafte Welt der Mikroorganismen sichtbar und enthüllt verborgene Welten, die jenseits der Reichweite des menschlichen Auges liegen, indem es mit historischen Mikroskopdias und "lebendem" Material aus der Nordsee und dem Atlantik arbeitet und durch Mikroskope filmt. Auf der Grundlage der inspirierenden Arbeit der Evolutionstheoretikerin und Biologin Lynn Margulis und der Tierphysiologin und Biochemikerin Prof. Margaret McFall-Ngai entwirft "Vital To Life" eine ozeanische Weltsicht mit verschlungenen Geschichten, symbiotischen Beziehungen und Kontaminationen.
Die Serie wurde im Rahmen von "Entanglements of Time & Tide" realisiert, einem Projekt für visuelle Kunst und wissenschaftliches Engagement von Sonia, das die Nordsee und ihre Gezeitenzonen aus ökologischer, politischer, poetischer, kultureller und wirtschaftlicher Sicht erforscht. Das Projekt beschäftigt sich mit dem Einfluss des Menschen auf unsere Umwelt und insbesondere mit den Auswirkungen kapitalintensiver Schwerindustrie und anthropogener Aktivitäten auf Mikroorganismen. Es erforscht das rätselhafte Leben von Plankton und bietet mehrere Anknüpfungspunkte für das Verständnis größerer globaler Probleme im Zusammenhang mit den Weltmeeren, während es gleichzeitig die Auswirkungen technologischer Veralterung, den Drang zum Konsum und die Folgen des von diesen Technofossilien verursachten Abfalls untersucht.
Das Projekt wurde ermöglicht und unterstützt von Edinburgh Printmakers, Marine Scotland, Creative Scotland, ASCUS Art & Science, Marine Laboratory der schottischen Regierung in Aberdeen, Historic Environment Scotland, Edinburgh Science Festival 2021 und Edinburgh Art Festival 2021.
Ort: Naturhistorische Abteilung, CSMVS
@ Sonia Mehra Chawla
Sonia Mehra Chawla ist als Künstlerin, Fotografin und Forscherin multidisziplinär tätig. In ihrer künstlerischen Praxis beschäftigt sie sich mit Begriffen wie Selbstverständnis, Natur, Ökologie, Nachhaltigkeit und Naturschutz. In ihrer Arbeit verwendet sie eine Vielzahl von Medien, darunter Fotografie, Druckgrafik, Video, Installation und Malerei.
Mehra Chawlas Praxis ist prozessorientiert und forschungsbasiert, wobei sie sich auf bestimmte Orte und Mikrogeschichten konzentriert. In ihren künstlerischen Projekten untersucht sie, wie lokale Orte zu globalen Veränderungen beitragen, was diese Veränderungen antreibt, wie sich diese Beiträge im Laufe der Zeit verändern, wie und wo der Maßstab eine Rolle spielt, welche Wechselwirkungen zwischen Makrostrukturen und Mikro-Agenturen bestehen und wie Bemühungen um Abschwächung und Anpassung lokal initiiert und übernommen werden können.
Die gegenwärtigen und laufenden Phasen ihrer Praxis markieren ihre enge Auseinandersetzung mit der Gegenwart und Zukunft der indischen Küstenlandwirtschaft sowie der Küsten- und Mangrovenökosysteme. In ihrer Praxis verbindet die Künstlerin ihr Engagement für Forschungsprozesse mit der Treue zur Poetik des Kunstwerks. Ihre Arbeit vereint eine Vielzahl von Impulsen, die von mikroskopischen Details bakterieller und mikrobieller Kulturen bis hin zu dokumentarischen Filmstudien über marginalisierte Gruppen reichen, deren ökologisch sensible Berufe unter dem Niedergang ihrer Umwelt leiden.
Die Arbeit der Künstlerin ist häufig das Ergebnis einer nachhaltigen Zusammenarbeit mit wissenschaftlichen Einrichtungen, Forschungsinstituten, gemeinnützigen Organisationen und Stiftungen in Indien sowie von Interaktionen mit Fischereigemeinschaften, Landwirtschaftsgemeinschaften, Stammesangehörigen und indigenen Völkern Indiens.
Mehra Chawla erforscht, seziert, untersucht und erfindet Räume, die an den Schnittstellen von Kunst und Wissenschaft, sozialen und natürlichen Bereichen, dem Selbst und dem Anderen existieren. Dabei konzentriert sie sich auf die wichtigen Dimensionen des menschlichen Engagements mit und in der Natur, die von der bebauten Umwelt bis zur "Wildnis" reichen, sowie auf menschliche und nicht-menschliche Narrative und Wechselbeziehungen im Anthropozän.
Die Künstlerin lebt und arbeitet in Neu-Delhi, Indien.
► Biographie der Künstlerin
Lebenswichtig für das Leben (2020-21)
HD Video; 15 Minuten 42 Sekunden
(In Zusammenarbeit mit ASCUS Art & Science, Edinburgh, Marine Scotland und Edinburgh Science Festival 2021).
Vital To Life: Drifter und Wanderer (2021)
Serie I-VIII, Stiche gepaart mit Mikrofotografien
Kupferstiche: Somerset Velvet mit Büttenrand, 300 g/m² (100% Baumwollhadern, verschimmeltes Papier, säure- und ligninfrei), je 76,2/55,9 cm
Mikrofotografien: Archivdrucke auf Hahnemühle Museumsradierung, je 30,5/21 cm
In Zusammenarbeit mit Edinburgh Printmakers, ASCUS Art & Science und Marine Scotland UK.
Die nicht-menschliche Berührung (2021)
Welche Werte können aus einer zerstörten Landschaft erwachsen?
Film in High Definition mit Ton, 45 Minuten
(In Zusammenarbeit mit ASCUS Art & Science, Edinburgh, Marine Scotland und Edinburgh Science Festival 2021).
Vital to Life" macht die unsichtbare, geheimnisvolle und rätselhafte Welt der Mikroorganismen sichtbar und enthüllt verborgene Welten, die jenseits der Reichweite des menschlichen Auges liegen, indem es mit historischen Mikroskopdias und "lebendem" Material aus der Nordsee und dem Atlantik arbeitet und durch Mikroskope filmt. Auf der Grundlage der inspirierenden Arbeit der Evolutionstheoretikerin und Biologin Lynn Margulis und der Tierphysiologin und Biochemikerin Prof. Margaret McFall-Ngai entwirft "Vital To Life" eine ozeanische Weltsicht mit verschlungenen Geschichten, symbiotischen Beziehungen und Kontaminationen.
Die Serie wurde im Rahmen von "Entanglements of Time & Tide" realisiert, einem Projekt für visuelle Kunst und wissenschaftliches Engagement von Sonia, das die Nordsee und ihre Gezeitenzonen aus ökologischer, politischer, poetischer, kultureller und wirtschaftlicher Sicht erforscht. Das Projekt beschäftigt sich mit dem Einfluss des Menschen auf unsere Umwelt und insbesondere mit den Auswirkungen kapitalintensiver Schwerindustrie und anthropogener Aktivitäten auf Mikroorganismen. Es erforscht das rätselhafte Leben von Plankton und bietet mehrere Anknüpfungspunkte für das Verständnis größerer globaler Probleme im Zusammenhang mit den Weltmeeren, während es gleichzeitig die Auswirkungen technologischer Veralterung, den Drang zum Konsum und die Folgen des von diesen Technofossilien verursachten Abfalls untersucht.
Das Projekt wurde ermöglicht und unterstützt von Edinburgh Printmakers, Marine Scotland, Creative Scotland, ASCUS Art & Science, Marine Laboratory der schottischen Regierung in Aberdeen, Historic Environment Scotland, Edinburgh Science Festival 2021 und Edinburgh Art Festival 2021.
Ort: Naturhistorische Abteilung, CSMVS
ÜBER die KÜNSTLERin
@ Sonia Mehra Chawla
Sonia Mehra Chawla ist als Künstlerin, Fotografin und Forscherin multidisziplinär tätig. In ihrer künstlerischen Praxis beschäftigt sie sich mit Begriffen wie Selbstverständnis, Natur, Ökologie, Nachhaltigkeit und Naturschutz. In ihrer Arbeit verwendet sie eine Vielzahl von Medien, darunter Fotografie, Druckgrafik, Video, Installation und Malerei.Mehra Chawlas Praxis ist prozessorientiert und forschungsbasiert, wobei sie sich auf bestimmte Orte und Mikrogeschichten konzentriert. In ihren künstlerischen Projekten untersucht sie, wie lokale Orte zu globalen Veränderungen beitragen, was diese Veränderungen antreibt, wie sich diese Beiträge im Laufe der Zeit verändern, wie und wo der Maßstab eine Rolle spielt, welche Wechselwirkungen zwischen Makrostrukturen und Mikro-Agenturen bestehen und wie Bemühungen um Abschwächung und Anpassung lokal initiiert und übernommen werden können.
Die gegenwärtigen und laufenden Phasen ihrer Praxis markieren ihre enge Auseinandersetzung mit der Gegenwart und Zukunft der indischen Küstenlandwirtschaft sowie der Küsten- und Mangrovenökosysteme. In ihrer Praxis verbindet die Künstlerin ihr Engagement für Forschungsprozesse mit der Treue zur Poetik des Kunstwerks. Ihre Arbeit vereint eine Vielzahl von Impulsen, die von mikroskopischen Details bakterieller und mikrobieller Kulturen bis hin zu dokumentarischen Filmstudien über marginalisierte Gruppen reichen, deren ökologisch sensible Berufe unter dem Niedergang ihrer Umwelt leiden.
Die Arbeit der Künstlerin ist häufig das Ergebnis einer nachhaltigen Zusammenarbeit mit wissenschaftlichen Einrichtungen, Forschungsinstituten, gemeinnützigen Organisationen und Stiftungen in Indien sowie von Interaktionen mit Fischereigemeinschaften, Landwirtschaftsgemeinschaften, Stammesangehörigen und indigenen Völkern Indiens.
Mehra Chawla erforscht, seziert, untersucht und erfindet Räume, die an den Schnittstellen von Kunst und Wissenschaft, sozialen und natürlichen Bereichen, dem Selbst und dem Anderen existieren. Dabei konzentriert sie sich auf die wichtigen Dimensionen des menschlichen Engagements mit und in der Natur, die von der bebauten Umwelt bis zur "Wildnis" reichen, sowie auf menschliche und nicht-menschliche Narrative und Wechselbeziehungen im Anthropozän.
Die Künstlerin lebt und arbeitet in Neu-Delhi, Indien.
► Biographie der Künstlerin
Tanmoy Samanta
Boten, 2019
Gouache auf nepalesischem handgeschöpftem Papier
11 Zoll x 9,5 Zoll (jedes)
Set von 12
Viele Künstler und Dichter identifizieren sich mit Lebewesen - Tanmoy identifiziert sich mit Vögeln, daher tauchen die Bilder von Vögeln immer wieder in seinen Werken auf. Unsere Mythologien, Märchen und Lieder sind voll von Vögeln als Metapher für alle immateriellen Dinge. Er ist fasziniert von Vögeln und davon, wie dieses einfache und doch so variable Wesen die universellen Dualitäten wie Vertrautheit und Fremdheit, Anwesenheit und Abwesenheit, Makabres und Fantastisches, Augenblick und Ewigkeit auf wunderbare Weise darstellen kann. In diesen Gemälden nehmen die Form und die Struktur einen eigenen Raum der Einsamkeit und des Vergessens ein.
Die Vögel in diesem Werk mit dem Titel "Boten" schweben in einem unbestimmten Raum. Sie sind ängstlich und in ihrer Haltung alarmiert, weil sie spüren, dass sich eine Gefahr zusammenbraut, die lautlos im Dunkel der Nacht lauert! Sind diese schattenhaften Vögel, die zu den sensibelsten Lebewesen gehören, tatsächlich Boten der Natur, die uns die Gefährlichkeit der sich verändernden Umwelt mitteilen?
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
© Tanmoy Samanta
Tanmoy Samanta (geb. 1973) begann seine künstlerische Laufbahn am Kala Bhavan in Santiniketan, Westbengalen, bevor er am Kanoria Arts Centre in Ahmedabad ausgebildet wurde. In seiner Karriere hat er eine Reihe von Einzelausstellungen absolviert, darunter drei in der Galerie Espace in Neu-Delhi und eine in der Anant Art Gallery in Kolkata. Samantas Ausstellung bei TARQ im Jahr 2014 mit dem Titel The Shadow Trapper's Almanac, kuratiert von Ranjit Hoskote, war seine erste Einzelausstellung in Mumbai. The Shape of Home wird seine dritte Einzelausstellung bei TARQ sein.
Im Laufe der Jahre hat Samanta an Gruppenausstellungen in Indien und im Ausland teilgenommen. Vor kurzem war er Teil der Gruppenausstellung Known Unknown, die von der Raza Foundation in Zusammenarbeit mit der Vadhera Art Gallery, 2020, organisiert wurde. Neben der Teilnahme an zahlreichen Kunstmessen wie der Art Dubai, dem Dhaka Art Summit, der Art Chennai und der India Art Fair waren seine Werke Teil mehrerer renommierter öffentlicher Kunstprojekte wie der Installation im Hyatt Regency, Delhi (2016), einem ortsspezifischen Gemeinschaftsprojekt im IIM Ahmedabad (2016), T-2 Liminus, Mumbai International Airport (2013) und Bee-Hive im Hyatt Regency, Chennai (2011) - beide kuratiert von Rajiv Sethi. Im Jahr 2002 wurde Samantas künstlerische Praxis mit einer Auszeichnung der Pollock-Krasner Foundation, New York, USA, gewürdigt und gefeiert.
Tanmoy Samanta lebt und arbeitet zwischen Neu-Delhi und Santiniketan.
Boten, 2019
Gouache auf nepalesischem handgeschöpftem Papier
11 Zoll x 9,5 Zoll (jedes)
Set von 12
Viele Künstler und Dichter identifizieren sich mit Lebewesen - Tanmoy identifiziert sich mit Vögeln, daher tauchen die Bilder von Vögeln immer wieder in seinen Werken auf. Unsere Mythologien, Märchen und Lieder sind voll von Vögeln als Metapher für alle immateriellen Dinge. Er ist fasziniert von Vögeln und davon, wie dieses einfache und doch so variable Wesen die universellen Dualitäten wie Vertrautheit und Fremdheit, Anwesenheit und Abwesenheit, Makabres und Fantastisches, Augenblick und Ewigkeit auf wunderbare Weise darstellen kann. In diesen Gemälden nehmen die Form und die Struktur einen eigenen Raum der Einsamkeit und des Vergessens ein.
Die Vögel in diesem Werk mit dem Titel "Boten" schweben in einem unbestimmten Raum. Sie sind ängstlich und in ihrer Haltung alarmiert, weil sie spüren, dass sich eine Gefahr zusammenbraut, die lautlos im Dunkel der Nacht lauert! Sind diese schattenhaften Vögel, die zu den sensibelsten Lebewesen gehören, tatsächlich Boten der Natur, die uns die Gefährlichkeit der sich verändernden Umwelt mitteilen?
Ort: Galerie MMB, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan Mumbai
ÜBER DEN KÜNSTLER
© Tanmoy Samanta
Tanmoy Samanta (geb. 1973) begann seine künstlerische Laufbahn am Kala Bhavan in Santiniketan, Westbengalen, bevor er am Kanoria Arts Centre in Ahmedabad ausgebildet wurde. In seiner Karriere hat er eine Reihe von Einzelausstellungen absolviert, darunter drei in der Galerie Espace in Neu-Delhi und eine in der Anant Art Gallery in Kolkata. Samantas Ausstellung bei TARQ im Jahr 2014 mit dem Titel The Shadow Trapper's Almanac, kuratiert von Ranjit Hoskote, war seine erste Einzelausstellung in Mumbai. The Shape of Home wird seine dritte Einzelausstellung bei TARQ sein.Im Laufe der Jahre hat Samanta an Gruppenausstellungen in Indien und im Ausland teilgenommen. Vor kurzem war er Teil der Gruppenausstellung Known Unknown, die von der Raza Foundation in Zusammenarbeit mit der Vadhera Art Gallery, 2020, organisiert wurde. Neben der Teilnahme an zahlreichen Kunstmessen wie der Art Dubai, dem Dhaka Art Summit, der Art Chennai und der India Art Fair waren seine Werke Teil mehrerer renommierter öffentlicher Kunstprojekte wie der Installation im Hyatt Regency, Delhi (2016), einem ortsspezifischen Gemeinschaftsprojekt im IIM Ahmedabad (2016), T-2 Liminus, Mumbai International Airport (2013) und Bee-Hive im Hyatt Regency, Chennai (2011) - beide kuratiert von Rajiv Sethi. Im Jahr 2002 wurde Samantas künstlerische Praxis mit einer Auszeichnung der Pollock-Krasner Foundation, New York, USA, gewürdigt und gefeiert.
Tanmoy Samanta lebt und arbeitet zwischen Neu-Delhi und Santiniketan.
